Kurzbiographie von Gotthold Lesing. Gotthold Ephraim Lessing. Biografie und Rezension der Kreativität Es wurden Materialien aus der Enzyklopädie „The World Around Us“ verwendet

Er studierte Theologie an der Universität Leipzig (1746–1748), Medizin an der Universität Wittenberg (1748; 1751–1752). Ab 1748 lebte er in Berlin, wo er 1751–1755 für die Vossische Zeitung arbeitete. In den Jahren 1754–1758 erschien in Leipzig die Zeitschrift „Theat-ral-naya bib-lio-te-ka“ („Theatra-lische Bib-liothek“). In den Jahren 1760–1765 diente er als Sec-re-ta-rem des Gouverneurs von Si-le-zia, des preußischen Generals von Tau-en-tsin, in der Stadt Bres-lau (heute Wrotz-lav). 1767-1769 der führende Dramatiker des Nationaltheaters in Hamburg. Seit 1770 bekleidete Lessing die Position des bib-lio-te-ka-rya von Bra-un-Schweig-skogo-duke-ga in der Stadt Wol-fen-buttel.

Der größte Vertreter der deutschen Aufklärung. De-bu-ti-ro-val class-si-ci-stic co-me-di-ey im Geiste von I.K. Got-she-da „Der junge Wissenschaftler“ („Der junge Gelehrte“, inszeniert 1748, veröffentlicht 1754), für den es Tränen gab – Medien „Die Juden“ („Die Juden“, inszeniert 1749, veröffentlicht 1754). ) und „Der Freigeist“ („Der Freigeist“, inszeniert 1749, veröffentlicht 1755), eine Sammlung von Anak-re-on-ti-che-skoy-Gedichten „No-deal-ki“ („Klei-ni-g -keiten“, 1751). Die Autorin des ersten deutschen Bürgerdramas ist „Miss Sara Sampson“, inszeniert und veröffentlicht 1755. Im Jahr 1758 zusammen mit K.F. Ni-ko-lai und fi-lo-so-fom M. Men-del-so-nom os-no-val Literaturmagazin „Brief-ma über new-vey-shey li-te-ra-tu-re“ ( „Briefe, die neueste Literatur bet-ref-fend“, 1759-1765), in der er sich gegen das französische class-si-tsiz-ma und sein deutsches after-to-va-te-la Got-she-da wandte.

In der Abhandlung „Lao-ko-on, oder Über die Grenzen des Lebens und der Poesie“ („Laokoon, oder Über die Grenzen der Malerei und Poesie“, 1766) sind Sie auf die damals populäre Poesietheorie als „Sprechen von“ getreten Leben“, als Leiter der Hauptunterschiede in Poesie und bildender Kunst: Poesie repräsentiert „Aktion“ (so-by-tia in der Zeit) und bildende Kunst – „Körper mit ihrem vi-di-we-mi-st-va-“ mi“ (Objekte im Raum); Sie-re-kreative Möglichkeiten in der Poesie von shi-re – sie „sind zu solchen Schönheiten fähig, die noch nie zuvor erreicht wurden“ tig-nut zhi-vo-pi-si“ (im Gegensatz zu den folgenden, Poesie). kann darstellen und „bildlos“ sein, ohne die Essenz zu beschädigen – das-the-te-Gefühl – zum Beispiel Lao-ko-on, der vor Schmerz in Ver-gil-liy schreit). Im Zyklus der Theaterrezensionen „Hamburg-gische Dramaturgie“, Bd 1-2, 1767–1769, wird nach „wir-haben-erlebt“ die Erfahrung von Lessings Kampf gegen die Machtergreifung französischer Stücke in der Rep-Per- Toi-re des Hamburger Nationaltheaters, geplantes Programm zur Gestaltung der deutschen Nationaldramaturgie. Lessing cr-ti-ku-et barockes „tra-ge-dia mu-che-ni-che-st-va“ (Märtyrerdrama), favorisiert von U. Scheck-slee-ru vor Vol-te-rom, erwägt Tragödie als Mittel der Moral-st-ven-no-go-pi-ta-niya. Von ari-sto-te-lev-skogo op-re-de-le-niya ka-tar-si-sa Lessing eli-mi-ni-ro-val po-nya-tie furcht-ha und op-re -de -lil trage-dia in einem Pro-Licht-Geist als „das ist das Pro-iz-de-de-nie, das Mitgefühl hervorruft“. Anstelle der klassen-si-cy-stischen „drei Einheiten“ (siehe Theorie der drei Einheiten) stellte Lessing die Prinzipien der shi-ro-ko in keiner Weise der Einheit -va de-st-viya und prav-do-po- vor. do-biya fordert die Darstellung von Rights-di-vy, „gemischtem“ ha-rak-te-rov und nicht konventioneller „hero-es“ und „böse-de-ev“.

Lessings theoretische Ansichten wurden in der Komödie ha-rak-te-rov „Min-na von Barnhelm, or the Soldier's Happiness“ („Minna von Barnhelm, oder Das Soldatenglück“, inszeniert und veröffentlicht 1767) verkörpert, die den Konflikt von darstellt Liebe und Ehre vor dem Hintergrund des Halbsommerkrieges von 1756–1763 sowie in der Tragödie „Emilia Galot-ti“ („Emilia Galot-ti“, inszeniert und veröffentlicht im Jahr 1772), in der die Ro- ic-Handlung von Ti-ta Livius über die römische Vir-gi-nii und Ti-ra-ne Appia Claudia is-tol-ko-van als Drama ohne Rechte – keine gleiche Persönlichkeit in einem kleinen Feudalstaat -su-dar-st-ve. In dem dramatischen Gedicht „Nathan der Weise“ (1779) ist Lessings spirituelle Aussage „re-shi-tel- but you“ gegen religiöse Intoleranz. Das Gleichnis von den drei Ringen (za-im-st-vo-va-na aus „De-ka-me-ro-na“ von J. Bok-kach-cho), ras-say-zy-va-e – Mögen Sie im Namen des Juden Na-ta-na (Men-del-son diente als sein Pro-Tipp) die Idee eines gemeinsamen Man-o-ve-che-st-va für alles zum Ausdruck bringen die es-te-st-ven-noy re-li-giya gu-ma-niz-ma, auf die alle Welten zurückgehen re-li-gies. Lessing for-ni-ma-et at-mi-ri-tel-nu-zi-tion zwischen re-li-gi-ey ra-zu-ma und re-li-gi-ey from-cro -ve-niya, die Bibel als historische Etappe auf dem Weg zum allgemeinmenschlichen „Evangelischen Ra-zu-ma“ betrachten. In seiner philosophischen Haltung steht Lessing Spi-no-ze nahe – seinem Ethos des „free-bo-no-man“ und der Idee der „es-te-st-vene re-li-gy“.

Unter anderem: Bass in Prosa („Fa-beln“, Bd 1-3, 1759; 2. Aufl., 1777), Werke zur Theorie -logia und phi-lo-so-phia mo-ra-li [Dialog „Ernst und Falk“ („Ernst und Falk“, Tl 1-2, 1778-1780); tract-tat „Erinnerung des Menschengeschlechts“, 1780, unvollendet) na)], re-re-vo-dy pro-iz-ve-de -niy Vol-te-ra, De-tu-sha, D. Di-d-ro. Die Arbeit von Lessing, über den Geist des Lichts des freien Denkens, Cri-ti-ki und la-le-Mi-ki, du warst so dankbar, I.V. Goe-te, I.G. Ger-de-rom, F. Shle-ge-lem; in Russland zeigte N.G. ein besonderes Interesse an Lessing. Cher-ny-shev-sky.

Aufsätze:

Sämtliche Schriften/Hrsg. K. Lachmann, F. Muncker. Stuttgart;

LPz., 1886-1924. Bd 1-23. B., 1968. Bd 1-23;

Gesammelte Werke. 2. Auflage. St. Petersburg, 1904. Bände 1-10;

Hamburger Drama-Ma-Tur-Gie. M.; L., 1936;

Lao-ko-on oder Über die Grenzen des Lebens und der Poesie. M., 1957;

Werke/Hrsg. H. G. Göp-fert u. A. Münch., 1970-1979. Bd 1-8;

Dramen. Bass in Prosa. M., 1972

Lessing Gotthold Ephraim (1729-1781)

Deutscher Kritiker und Dramatiker. Im 18. Jahrhundert zusammen mit I.V. Goethe und F. Schiller wurden zu den Schöpfern des goldenen Zeitalters der deutschen Literatur.

Geboren am 22. Januar 1729 in Kamenz (Sachsen) in der Familie eines lutherischen Pfarrers. 1746 trat er in die theologische Fakultät der Universität Leipzig ein, doch seine Leidenschaft für antike Literatur und Theater ließ wenig Zeit für theologische Studien. Er beteiligte sich aktiv an der Arbeit der von der Schauspielerin Caroline Neuber gegründeten Theatertruppe, die anschließend sein erstes dramatisches Werk, die Komödie „Der junge Wissenschaftler“, inszenierte.

Die nächsten drei Jahre verbrachte Lessing in Berlin, wo er versuchte, als Schreiber seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Er war als Kritiker und Schriftsteller erfolgreich, gab eine Zeit lang vierteljährlich eine Zeitschrift zu Theaterthemen heraus, schrieb kritische Artikel für die Vossische Zeitung, übersetzte Theaterstücke und schuf eine Reihe origineller dramatischer Werke.

1760 zog Lessing nach Breslau (heute Breslau, Polen) und wurde Sekretär des Militärgouverneurs von Schlesien, General Tauentzin. Hier sammelte er vor allem Material für Laokoon, studierte Spinoza und die Geschichte des frühen Christentums und begann auch mit der Arbeit an seiner besten Komödie, Minna von Barnhelm. 1767 trat Lessing die Stelle des Kritikers und Literaturreferenten am gerade gegründeten Deutschen Nationaltheater in Hamburg an. 1772 veröffentlichte Lessing das bedeutendste seiner Dramen, Emilia Galotti.

Später kehrte er erneut zum Bühnenschreiben zurück und schrieb das „dramatische Gedicht“ „Nathan der Weise“, das beliebteste aller seiner Stücke. Im Jahr 1780 veröffentlichte Lessing den Aufsatz „Die Erziehung des Menschengeschlechts“. Nach dem Zusammenbruch des Nationaltheaters und des Verlags, den der Schriftsteller zusammen mit I.K. Wasser trat Lessing die Stelle eines Bibliothekars in Wolfenbüttel (Braunschweig) an.

Mit Ausnahme von neun Monaten (1775–1776), als er Prinz Leopold von Braunschweig auf einer Italienreise begleitete, verbrachte Lessing den Rest seines Lebens in Wolfenbüttel, wo er 1781 starb.

Gottgold Ephraim Lessing

(Gotthold Ephraim Lessing, 1729–1781)

Führende Stellung im literarischen Leben Deutschlands in den 60er Jahren. Lessing besetzt. Seine literarische Tätigkeit war vielseitig und fruchtbar. Er ist ein talentierter Kritiker, Kunsttheoretiker und Schriftsteller. Lessing machte die Literatur lebendiger, gab ihr eine soziale Ausrichtung und machte sie zu einem Mittel zur gesellschaftspolitischen und spirituellen Befreiung des Volkes von der feudalen Unterdrückung durch Leibeigene. N. G. Chernyshevsky schrieb: „Lessing war der wichtigste Vertreter der ersten Generation jener Persönlichkeiten, die die historische Notwendigkeit dazu aufrief, sein Heimatland wiederzubeleben.“ Er war der Vater der neuen deutschen Literatur. Er herrschte mit diktatorischer Macht über sie. Alle bedeutendsten späteren deutschen Schriftsteller, sogar Schiller, sogar Goethe selbst in der besten Ära seines Schaffens waren seine Schüler“ 1 .

Lessing war ein kämpferischer, revolutionärer Pädagoge. Aus der Sicht der Vernunft, aus der Sicht der Interessen der unterdrückten Schichten der deutschen Gesellschaft, kritisierte er die Willkür der Fürsten, die schüchternen deutschen Bürger, die den Glauben an ihre Stärke verloren hatten, plädierten für die nationale Einigung des Landes , predigte die Ideen des Humanismus, des aufopferungsvollen, heroischen Dienstes für die Ideale der Freiheit. Seine Arbeit war volkstümlich und national im Geiste. Es warf Fragen auf, die für die Entwicklung der deutschen Nation von entscheidender Bedeutung waren.

Lessing wurde in Sachsen geboren. Sein Vater war ein armer Pfarrer mit einer großen Familie. Seine Ausbildung erhielt Lessing an der Fürstenschule in Meißen, wofür er nur ein geringes fürstliches Gehalt erhielt. Besonders groß waren seine Erfolge im Studium der lateinischen und altgriechischen Sprache. In der Folgezeit wurde Lessing ein brillanter Kenner der Antike, ein herausragender Philologe des 18. Jahrhunderts, der seine Zeitgenossen mit seinem umfassenden Wissen auf dem Gebiet der antiken und modernen Philologie verblüffte.

Im Jahr 1746 war Lessing Student an der Universität Leipzig. Auf Drängen seines Vaters tritt er in die theologische Fakultät ein. Allerdings reizt ihn die Aussicht, Pfarrer zu werden, nicht besonders. Der junge Mann hat andere Interessen. In ihm erwachte die Gabe der Kreativität. Gerade zu dieser Zeit war eine Truppe reisender Schauspieler unter der Leitung von Caroline Neuber in Leipzig auf Tournee. Lessing ist vom Theaterleben fasziniert. In einem lauten künstlerischen Umfeld wird er zu seinem Mann, tritt im Theater als Darsteller verschiedener Rollen auf und versucht sich als Dramatiker.

Im Jahr 1748 zog Lessing nach Berlin, der Hauptstadt Preußens. Während seiner Berliner Zeit (1748–1760) entwickelte er sich zu einem Kritiker, der fortschrittliche ästhetische Ideen verteidigte. Als Literaturrezensent arbeitet Lessing mit der Deutschen Privilegierten Zeitung zusammen, die nach ihrem Herausgeber den Namen Voß-Zeitung erhielt. Er lebt von der literarischen Arbeit und wird der erste professionelle Kritiker in Deutschland. Lessing bevorzugt das Leben eines halb verhungerten literarischen Tagelöhners, der von Verlegern grausam ausgebeutet wird, aber bei der Verteidigung seiner Überzeugungen relative Freiheit genießt, als sich auf den Willen und die Launen eines Kunstmäzens zu verlassen.

In den 50er Jahren Lessing ist ein Propagandist pädagogischer Ideen und ein Verfechter der neuen, bürgerlichen Richtung in der deutschen Literatur. In seinen Rezensionen macht er englische und französische Pädagogen bekannt – die Romane von Defoe, Richardson, Fielding, Smollett. Er fühlt sich zu Kunst hingezogen, die sich auf das wirkliche Leben bezieht und die innere Welt der Mittelschichtsmenschen wahrheitsgetreu widerspiegelt.

Lessings Autorität als Kritiker wächst rasant. Er gewinnt Sympathie für seine Integrität und seine für sein Alter beispiellose Gelehrsamkeit (Rezensionsaufsätze in der Vossovaya Gazeta, Wademekum für Herrn Pastor Lange usw.).

Ein Denkmal für Lessings kritisches Wirken in den 50er Jahren. ist die Zeitschrift „Briefe, die neueste Literatur beirefend, 1759–1765“, die er gemeinsam mit dem Berliner Buchhändler Nicolai und dem Aufklärer Mendelssohn herausgab. Als Schriftsteller veröffentlichte Lessing in den 50er Jahren. Anakreontische Gedichte, Fabeln, seine erste Tragödie „Miss Sara Sampson“ (Miss Sara Sampson, 1755).

1760 zog Lessig von Berlin nach Breslau und übernahm das Amt des Sekretärs von General Tauentsin, dem Militärgouverneur von Schlesien. Die Breslauer Lebensphase Lessings (1760-1765) erwies sich als ungewöhnlich schöpferisch fruchtbar. Zu dieser Zeit wurde Laokoon (Laokoon, oder über die Grenzen der Malerei und Poesie, 1766) fertiggestellt, in dem die Grundprinzipien des aufklärerischen Realismus theoretisch begründet wurden. Das Ergebnis von Lessigs Beobachtungen des Lebens der deutschen Gesellschaft während des Siebenjährigen Krieges war die realistische Komödie Minna von Barnhelm (1767).

1765 kehrte Lessing nach Berlin zurück, wo er etwa zwei Jahre lebte. Die Tage des Halbhungerns begannen wieder zu fließen. Lessing findet keinen Job, der ihm gefällt, und lebt von Gelegenheitsjobs. Endlich lächelte ihn das Glück an. 1765 wurde in Hamburg das erste feste Theater Deutschlands gegründet und Lessing von seinem Direktor auf die Stelle des Theaterkritikers berufen. Seine Aufgabe bestand darin, das Repertoire zu bewerten und die Leistungen der Schauspieler zu analysieren. Lessing nahm die Aufgabe eifrig an. Seine zahlreichen Theaterrezensionen stellten die „Hamburgische Dramaturgie“ (1767–1768) zusammen, das nach Laokoon wichtigste theoretische Werk des Kritikers.

Nach der Schließung des Hamburger Theaters im Jahr 1770 zog Lessing nach Wolfenbüttel (Herzogtum Braunschweig), um die reiche Bibliothek des Herzogs zu verwalten. Hier vollendet Lessing „Emilia Galoiti“ (1772), die erste deutsche Sozialtragödie, verfasst eine Reihe wissenschaftlicher Werke und führt mit dem Hamburger Pfarrer Goeze hitzige Polemiken über religiöse Fragen. Diese polemischen Artikel bildeten eine ganze Sammlung „Anti-Goetze“ (Anti-Goetze, 1778). 1779 veröffentlichte Lessing das Drama „Nathan der Weise“, das sich gegen religiösen Fanatismus richtete. Seine philosophische Abhandlung „Die Erziehung des Menschengeschlechts“ (1780) widmet sich der Verteidigung der Ideen des Humanismus.

Lessing starb im Alter von 52 Jahren.

Zu Lessings Verdiensten gehörte es, dass er den Geist des sozialen Protests in die deutsche Literatur einbrachte. Der kritische Beginn ist bereits in seinen Jugendkomödien spürbar. So verspottet er in „Der junge Gelehrte“ (1747) in der Person von Damis die schulische Wissenschaft und bringt ein Thema zur Diskussion, das von großer gesellschaftlicher Bedeutung war; in „Die Juden“ (1749) wendet er sich gegen religiösen Fanatismus; In „Der Freigeist“ (1749) spottet er nach dem Vorbild Adrasts über diejenigen, die der Mode erliegen und Freidenker spielen, während sie in Wirklichkeit Angst vor Freidenkern haben. Die Skizze zu Lessings Tragödie „Samuel Genzi“ stammt aus dem Ende der 40er Jahre und zeugt von der freiheitsliebenden Gesinnung des Autors.

Lessing geht als Autor einer demokratischen Denkweise in die Literatur ein. Er schreibt für Menschen seines eigenen, demokratischen Kreises. Seine demokratischen Sympathien verstärkten sich besonders Mitte der 50er Jahre, als er es sich zur Aufgabe machte, nicht nur eine Komödie, sondern auch eine volksnahe und verständliche Tragödie zu schaffen. Er gibt sich mit den tragischen Werken französischer und deutscher Klassiker nicht zufrieden. Es kommt ihm kalt und leblos vor. Den Grund für diese Kälte sieht Lessing darin, dass die Dramatiker des Klassizismus auf der Suche nach Stoff für ihre Werke in die Antike, in die ferne historische Vergangenheit vordrangen und dabei die lebendige Moderne und die demokratischen Schichten der Gesellschaft außer Acht ließen. Ihre Rolle als positive Helden waren in der Regel Regierungsbeamte (Könige, Generäle, Würdenträger usw.), die sie mit erhabenen Gefühlen, außergewöhnlichen, starken Leidenschaften ausstatteten, die sie von gewöhnlichen Menschen unterschieden und dadurch die Macht des Einflusses auf die Menschen verringerten demokratischer Betrachter. Lessing versucht, das tragische Genre zu reformieren. Wahre Kunst sollte seiner Meinung nach die Menschen begeistern, und dafür ist es notwendig, das Theater zu demokratisieren – einen Helden aus der Umgebung des Volkes einzuführen, ihn mit positiven Eigenschaften auszustatten, ihn zu zwingen, in Situationen zu agieren, die ihm nahe und verständlich sind die Menschen. Dann wird die tragische Figur ein Gefühl tiefen Mitgefühls hervorrufen.

Der Zweck der Tragödie besteht laut Lessing in den 50er Jahren darin, die Menschen in einem humanistischen Geist zu erziehen, sie für die Trauer anderer empfänglich zu machen. Wenn das klassizistische Theater (Gottsched und seine Anhänger) „Bürger“ bildete, für die die Akzeptanz des Todes so einfach war wie das Trinken eines Glases Wasser, dann stellt der junge Lessing dem tragischen Genre eine ganz andere Aufgabe – den „Menschen“ zu erziehen. Er betrachtet die Kunst in erster Linie als eine Schule des Humanismus.

Lessings dramatische Ansichten dieser Zeit wurden in der Tragödie „Miss Sarah Sampson“ verkörpert. Allein die Tatsache, dass Lessing sich einem tragischen Thema zuwandte, weist auf gewisse Veränderungen in seinem gesellschaftspolitischen Bewusstsein hin. In seinen ersten dramatischen Experimenten spielten sich die Ereignisse meist innerhalb der Grenzen eines sozialen Umfelds ab und waren daher frei von sozialer Dringlichkeit. In Miss Sarah werden Menschen aus unterschiedlichen sozialen Schichten in den Konflikt hineingezogen. Es basiert darauf, wie die High-Society-Peitsche Mellefont das leichtgläubige Bürgermädchen Sarah verführt. Der bürgerlichen Ehrlichkeit steht im Stück die Korruption der Menschen im Adelskreis gegenüber. Folglich hat die Opposition einen gewissen sozialen Charakter, obwohl sie nur den Bereich der moralischen Familienbeziehungen betrifft.

Die Tragödie spielt sich in einem Hotel ab, in dem sich Mellefont und das von ihm entführte Mädchen verstecken. Hier werden die Liebenden von Sir William, Sarahs Vater, eingeholt, dem Marwood, Mellefonts Liebhaber in der jüngeren Vergangenheit, geholfen hat, den Flüchtlingen auf die Spur zu kommen. Sir William vergibt seiner Tochter, er ist nicht gegen ihre Heirat mit Mellefont, doch durch das Eingreifen von Marwood nehmen die Ereignisse eine tragische Wendung. Von Eifersucht geplagt und voller Rache vergiftet sie Sarah. Mellefont, der unter Reue leidet, durchbohrt seine Brust mit einem Dolch.

In seiner Tragödie versucht Lessing vor allem die geistige und moralische Größe eines bürgerlichen Mannes, seine Überlegenheit gegenüber einem Aristokraten zu zeigen. Sarah faszinierte das Publikum mit der Reinheit und Erhabenheit ihrer Motive. Das sensible Publikum vergoss während der Aufführung des Stücks Tränen in Tränen. Lessings Heldin konzentrierte all jene moralischen Tugenden (Menschlichkeit, Freundlichkeit, Mitgefühl usw.), die die deutschen Bürger im Kampf gegen die unmenschliche Feudalmoral verteidigten. Die Tragödie trug zur Erweckung des moralischen Selbstbewusstseins des deutschen Bürgertums bei und hatte dadurch eine erhebliche gesellschaftliche Bedeutung.

Gleichzeitig schloss das Stück einen aktiven Kampf gegen unmenschliche Lebensformen aus. Der großherzige, humane Held der bürgerlichen Literatur demonstrierte seine moralische „Größe“ und trug demütig das Joch der politischen und sozialen Sklaverei. In seinem weiteren Werk strebt Lessing danach, die Schwächen des bürgerlichen Humanismus der 50er Jahre zu überwinden. - seine Passivität, Sentimentalität. Er stellt es sich zur Aufgabe, einen willensstarken Bürger in das Drama einzuführen, der sich den ungünstigen Lebensumständen widersetzt, ohne jedoch einfache menschliche Eigenschaften zu verlieren. Lessing 60-70er Jahre. kämpft darum, sowohl „menschliche“ als auch „zivile“ Qualitäten in einem Helden zu vereinen.

Lessing wandte sich gegen die passiv-humanistischen, sentimentalen Gefühle, die im Bürgertum des 18. Jahrhunderts weit verbreitet waren, und entschied sich für eine Angelegenheit von großer historischer Bedeutung. Die soziale Passivität der Bürgerschaft und anderer demokratischer Schichten der deutschen Gesellschaft hinderte sie daran, aktiv gegen die feudal-absolutistische Ordnung zur wirtschaftlichen und geistigen Befreiung des deutschen Volkes vorzugehen. Engels stellt in einem Brief an V. Borgius fest, dass „... die tödliche Müdigkeit und Ohnmacht des deutschen Kaufmanns, verursacht durch die erbärmliche Wirtschaftslage Deutschlands in der Zeit von 1648 bis 1830, und sich zunächst im Pietismus, dann in Sentimentalität äußerte.“ und in sklavischer Unterwürfigkeit vor den Fürsten und dem Adel blieben nicht ohne Einfluss auf die Wirtschaft. Dies war eines der größten Hindernisse für einen neuen Aufstieg.“ 2

Der Kampf um die Staatsbürgerschaft und den hohen ideologischen Charakter der Kunst, den Lessing unternahm, steigerte sein Werk zugleich in ästhetischer und künstlerischer Hinsicht. Es ermöglichte die Einführung eines Helden in die Literatur, der in sich widersprüchlich und psychologisch komplex ist und verschiedene Eigenschaften vereint.

Lessings neuer Ansatz zur Lösung ideologischer und ästhetischer Fragen findet sich in der Zeitschrift Letters on Contemporary Literature. Hier zeichnet sich bereits eine deutliche Tendenz ab, die Kunst noch näher an das Leben zu rücken. Lessing zeigt die Fatalität der Nachahmung ausländischer Autoren. Er spricht von der Notwendigkeit, die Realität zu reproduzieren, kritisiert jene Schriftsteller, die sich von der Erde losreißen und in die „himmlischen Sphären“ getragen werden. Lessing betrachtet das Werk antiker Dramatiker als Beispiel für Ausdruckskraft und Wahrhaftigkeit. Er fördert auch leidenschaftlich Shakespeares Theater und erklärt den Schöpfer von Hamlet zum kreativen Nachfolger der Traditionen des antiken Dramas. Lessing übt scharfe Kritik an den Klassikern (Gottsched und Corneille) und betont, dass sie sich von den antiken Meistern entfernten, obwohl sie versuchten, diese in der Einhaltung der Regeln des Spielaufbaus nachzuahmen (17. Brief, 1759). In „Briefen zur modernen Literatur“ kämpft Lessing bereits für den Realismus. Er weist darauf hin, dass künstlerische Fülle von jenen Schriftstellern erreicht wird, die in ihrer Arbeit von der Realität ausgehen und das Bild nicht in ein Mittel zur Förderung moralischer Wahrheiten verwandeln. In seinem 63. Brief (1759) unterzog Lessng Wielands Stück Lady Johanna Gray einer vernichtenden Kritik, in der sich der Autor es zum Ziel gesetzt hatte, „in rührender Weise die Größe, Schönheit und Heldenhaftigkeit der Tugenden darzustellen“. Ein solcher Plan wirkte sich, wie Lessing weiter nachweist, nachteilig auf die Helden des Werkes aus. „Die meisten von ihnen“, schreibt er, „sind aus moralischer Sicht gut, warum sollte ein Dichter wie Herr Wieland traurig sein, wenn sie aus poetischer Sicht schlecht sind.“

Die Rezension von „Lady Johanna Gray“ zeugt von einem großen Fortschritt in Lessings ästhetischen Ansichten: Schließlich baute er „Miss Sarah Sampson“ wie Wieland auf einer moralischen Aufgabe auf und machte die Helden zu Personifikationen bestimmter moralischer Wahrheiten. Und das Ergebnis war das gleiche wie bei Wieland – Schematismus und Einlinearität der Charaktere.

Ein bedeutendes Phänomen im literarischen Leben Deutschlands waren Lessings „Fabeln“ aus dem Jahr 1759. Sie haben eine ausgeprägte demokratische Ausrichtung. Da Lessing die Lösung des Problems vor allem als Pädagoge angeht, verlangt er vom Fabulisten nicht Unterhaltung, sondern Lehre.

Lessings Fabeln sind ideologisch und künstlerisch nicht gleichwertig. In vielen Fabeln werden universelle menschliche Laster lächerlich gemacht – Eitelkeit, Dummheit usw., und sind daher ohne soziale Originalität und zeichnen sich durch Abstraktheit aus. Doch in manchen Fällen deckt Lessing spezifische Laster der deutschen Gesellschaft auf. Er verspottet die Leidenschaft Gottscheds und seiner Anhänger, ausländische Vorbilder nachzuahmen („Der Affe und der Fuchs“); verspottet die Prahlerei mittelmäßiger Dichter, die behaupten, in den Himmel fliegen zu können, sich aber nicht von der sündigen Erde losreißen können („Der Strauß“ – Der Straup); prangert die Arroganz deutscher Feudalherren an, die angesichts eines tapferen Feindes in Feigheit umschlägt („Der kriegerische Wolf“ – kritisiert die grenzenlose Tyrannei der Fürsten, die ihre Untertanen, sowohl diejenigen, die zustimmen, als auch diejenigen, die ihr zustimmen, ungestraft ausrotten die mit ihrer Regierungsform nicht einverstanden sind („Die Wasserschlange“). In der Fabel „Die Esel“ werden die Bürger, ihre Geduld und ihr dickes Fell lächerlich gemacht.

In Anlehnung an die Traditionen von Aesop und Phaidros schrieb Lessing Fabeln in Prosa, wobei er sich um Einfachheit im Ausdruck der Idee und maximale Nacktheit der Idee bemühte.

In den 60er Jahren Lessing entwickelt die Theorie des Realismus, kämpft für die Darstellung des Lebens, wie es ist, mit all seinen komischen und tragischen Seiten. Er sieht die Aufgabe eines Schriftstellers nicht darin, bestimmte Konzepte und Ideen in Bildern darzustellen, sondern darin, „die Natur nachzuahmen“ und ihr Wesen wahrheitsgetreu zu offenbaren.

Eine tiefgreifende Weiterentwicklung der Prinzipien der realistischen Kunst vollzog Lessing in seiner bemerkenswerten Abhandlung „Laokoon oder Über die Grenzen der Malerei und Poesie“. Bemerkenswert ist der Ansatz des Kritikers zur Lösung theoretischer Probleme. Er löst sie nicht abstrakt, sondern auf der Grundlage der Forderungen der demokratischen Masse der Gesellschaft. In seinen Ansichten finden sich Elemente des Historismus.

Als Sprecher der Interessen des Volkes versucht Lessing, die ästhetischen Normen zu stürzen, die in der Zeit der Vorherrschaft des Klassizismus in der europäischen und deutschen Literatur etabliert waren und den Geschmack der privilegierten Klassen widerspiegelten. Die Klassiker dachten metaphysisch, ahistorisch. Sie glaubten, dass es ein absolutes, zeitunabhängiges Schönheitsideal gebe, das in den Werken antiker Künstler (Homer, Phidias, Aischylos, Sophokles usw.) perfekt verkörpert sei. Daraus schlossen sie, dass es notwendig sei, antike Vorbilder nachzuahmen. Damit wurde die Kunst von der direkten Reproduktion der Moderne getrennt. Seine Aufgabe war es vor allem, die erhabenen, schönen Phänomene des Lebens darzustellen. Das Hässliche wurde an den Rand des künstlerischen Schaffens verbannt. Genau das lag in der Natur der ästhetischen Lehre Boileaus und seiner Gesinnungsgenossen, in der Molières realistische Komödie, alles, was darauf abzielte, die hässlichen Phänomene der feudal-monarchischen Gesellschaft zu entlarven, keinen Platz hatte. Es war notwendig, diese dogmatische Theorie zu zerschlagen, die die Entwicklung der realistischen Kunst behinderte, und dafür war es notwendig, die Türen des „Tempels der Ästhetik“ weit zu öffnen und den Staub metaphysischer, ahistorischer Ideen, der sich darin angesammelt hatte, wegzufegen Es. Es musste bewiesen werden, dass ästhetische Geschmäcker und Ideale ein bewegendes Phänomen sind, das sich je nach den Veränderungen in der Geschichte der Menschheit verändert. Was in einer Epoche die Norm war, verliert in einer anderen seine Normativität. Lessing erwies sich als der Theoretiker, der dieses historische Problem lösen musste, und er löste es mit großer Brillanz.

Um seine historische Sicht auf die Kunst zu untermauern, musste sich Lessing mit Winckelmann auseinandersetzen, der in seinen Werken ästhetische Ansichten verteidigte, die dem Klassizismus nahe standen. Johann Joachim Winckelmann (1717–1768) war ein leidenschaftlicher Förderer der künstlerischen Errungenschaften der Antike, insbesondere des antiken Griechenlands. In seinen Artikeln und in seinem Hauptwerk „Geschichte der Kunst des Altertums“ (1764) versucht er, die Gründe aufzudecken, die zu der beispiellosen Blüte der Kultur in Hellas führten. Er sieht es im freien, demokratischen System der antiken griechischen Stadtstaaten, das die Entwicklung von Sportspielen und Wettbewerben stimulierte, wodurch hellenische Bildhauer oft die Konturen eines harmonisch gebauten menschlichen Körpers beobachten konnten. Aus direkten Beobachtungen entstand in ihrer Vorstellung das Ideal eines körperlich perfekten Menschen, das sie in ihrer Arbeit festzuhalten suchten. Griechische Bildhauer ließen nichts Disharmonies oder Unvollkommenes in ihre Werke zu; sie schnitten alles ab, was individuell einzigartig war. „Der Prototyp“, schreibt Winckelmann, „wurde für sie die nur durch die Vernunft geschaffene geistige Natur.“

Das im antiken Griechenland und nur in der bildenden Kunst angewandte schöpferische Prinzip versucht Winckelmann erstens auf alle Formen der Kreativität auszudehnen und zweitens unverändert auf den Boden der Moderne zu verpflanzen. Hier verlässt er die historische Sichtweise der Ästhetik und schließt seine Ansichten mit den Klassikern ab.

Wie Boileau und Gottsched verhindert Winckelmann, dass das Hässliche in die Kunst, auch in die Poesie, eindringt. Obwohl die europäische Gesellschaft seit der Antike gravierende Veränderungen durchgemacht hat, fordert er die Nachahmung antiker Künstler, das heißt, er konzentriert sich darauf, nur die schönen Phänomene des Lebens darzustellen. „Der einzige Weg für uns, groß und, wenn möglich, unnachahmlich zu werden“, erklärt er, „besteht darin, die Alten nachzuahmen.“

Winckelmanns Ästhetik führte den modernen Schriftsteller weg von der disharmonischen Moderne in die ideal harmonische Welt der Antike. Es konnte nicht als theoretische Grundlage für die Kunst der Neuzeit dienen und weckte daher Lessings kritische Einstellung zu sich selbst. Der Autor von Laokoon beweist die Illegalität der Übertragung der ästhetischen Gesetze der Antike auf die Neuzeit. Im antiken Griechenland war seiner Meinung nach die Poesie aufgrund der idealen Natur des Lebens, die von Harmonie geprägt war, ideal. Im modernen Deutschland muss Oma real sein, denn die Realität ist voller Widersprüche. Das Hässliche nahm darin eine dominierende Stellung ein, und „Schönheit ist nur ein kleiner Partikel.“ Daher steht der moderne Schriftsteller vor der Aufgabe, das Leben so darzustellen, wie es ist, und nicht nur seine schönen Phänomene. „Die Kunst der Neuzeit“, schreibt Lessing, „hat ihre Grenzen enorm erweitert. Es ahmt nun die gesamte sichtbare Natur nach. Wahrheit und Ausdruckskraft sind seine Hauptgesetze.“

Diese bemerkenswerte Position zeugt von der materialistischen Natur des ästhetischen Denkens Lessings. Der Kritiker geht richtig auf die Grundfrage der Ästhetik ein. Das Wichtigste für einen Künstler sei seiner Meinung nach die wahrheitsgetreue Wiedergabe des Lebens – nur so könne man großen künstlerischen Erfolg erzielen. Geleitet vom Gesetz der Wahrhaftigkeit verschafft er sich Zugang zu den unästhetischsten Phänomenen der Wirklichkeit. „... Dank Wahrheit und Ausdruckskraft“, schreibt Lessing, „wird das Ekelhafteste in der Natur in der Kunst zum Schönen.“ Damit kommt der Autor von Laokoon dem Verständnis der entscheidenden Rolle der Verallgemeinerung bei der künstlerischen Erforschung der Welt nahe.

Aber Lessing musste nicht nur die Hauptaufgabe der Kunst bestimmen, sondern auch entscheiden, welche ihrer Gattungen sie am erfolgreichsten erfüllen konnte. Durch vergleichende Analyse kommt er zu dem Schluss, dass poetische Kreativität das größte Potenzial für eine umfassende und wahrheitsgetreue Darstellung des Lebens hat. Laokoon ist eine Abhandlung, die nicht nur zur Verteidigung der realistischen Methode, sondern auch der Poesie verfasst wurde. Lessing beweist überzeugend, dass nur die Poesie in der Lage ist, die Wirklichkeit in all ihren Widersprüchen widerzuspiegeln. Der Maler und Bildhauer nimmt seiner Meinung nach nur einen Moment aus dem Leben und reproduziert das Objekt wie in einem eingefrorenen Zustand. Sie sind nicht in der Lage, dieses oder jenes Phänomen in der Entwicklung abzubilden. Zur Untermauerung seines Gedankens untersucht Lessing die Skulpturengruppe „Laokoon“, die einen griechischen Priester und seine beiden Söhne zeigt, die von Schlangen erdrosselt werden. Er stellt sich die Frage, warum Laokoon nicht schreit, sondern nur ein gedämpftes Stöhnen von sich gibt? Winckelmann erklärte diesen Umstand damit, dass die alten Griechen Stoiker seien und ihr Leiden zu unterdrücken wussten, weshalb in den Werken der griechischen bildenden Kunst und bildenden Kunst „edle Einfachheit und ruhige Erhabenheit“ vorherrschen.

Lessing vertritt eine völlig andere Ansicht. Er erklärt Laokoons Zurückhaltung beim Ausdruck seines Leidens nicht mit der Gefühllosigkeit oder dem Stoizismus der alten Hellenen, sondern mit ihren ästhetischen Ansichten. Sie bildeten menschliche Erfahrungen nur im Rahmen ihrer Ästhetik ab. Sie brachten alles Hässliche über die Grenzen der Kunst hinaus. „Wenn wir das Gesagte auf Laokoon anwenden“, schreibt Lessing, „werden wir die Erklärung finden, nach der wir suchen: Der Künstler strebt danach, die höchste Schönheit darzustellen, die mit körperlichem Schmerz verbunden ist.“ Da ein Schrei ein Gesicht unangenehm verzerren kann, verwandelte der Bildhauer ihn in ein Stöhnen.

Lessing verbindet diesen Umstand auch mit den begrenzten Möglichkeiten der Skulptur als Raumkunst. Es kann nicht dasselbe Phänomen aus verschiedenen Blickwinkeln darstellen. Die Autoren der Skulpturengruppe „Laokoon“ wollten den Mut des Priesters einfangen. Daher konnten sie ihn nicht schreiend zeigen, da dies der Idee des Werkes widersprechen und die heroischen Züge entfernen würde, die dem Bild von Laokoon innewohnen. Poesie hat, wie Lessing beweist, ein unvergleichlich größeres Potenzial als Malerei und Skulptur. Dabei handelt es sich um eine temporäre Kunst, die sich mit Aktionen beschäftigt. Poesie ist in der Lage, ein bestimmtes Thema aus verschiedenen Blickwinkeln darzustellen und die Gefühle einer Person in ihrer Entwicklung darzustellen. Nichts zwingt den Dichter, betont Lessing, „das Dargestellte im Bild auf einen Moment zu beschränken. Er nimmt, wenn er kann, jede Handlung von Anfang an und bringt sie zu Ende, indem er sie auf jede erdenkliche Weise verändert.“

In der europäischen Ästhetik gilt seit Horaz die These als unfehlbar: „Poesie ist wie Malerei.“ Lessing war der erste, der eine klare Grenzlinie zwischen ihnen zog. Seine Schlussfolgerungen waren nicht nur von theoretischem, sondern auch von praktischem Interesse. Im 18. Jahrhundert Es gab viele Künstler, die die spezifischen Möglichkeiten dieser oder jener Kunstrichtung nicht berücksichtigten und schwere kreative Fehler machten. So blühte beispielsweise in der deutschen Literatur die beschreibende Poesie auf (Haller und andere), obwohl sie in der Naturbeschreibung nicht erfolgreich mit der Malerei konkurrieren konnte. Auf der anderen Seite waren einige Schriftsteller wie Bildhauer und schufen Bilder innerlich einseitiger Helden, die auf dem Prinzip der Dominanz einer Leidenschaft beruhten. Lessing entdeckt solche Mängel in der klassizistischen Tragödie.

Lessings fruchtbare Ideen fanden in literarischen Kreisen in Deutschland und ganz Europa große Anerkennung. Goethe bringt im VIII. Buch seiner Autobiographie gut zum Ausdruck, mit welcher Freude das Erscheinen von „Laokoon“ von fortschrittlich gesinnten deutschen Jugendlichen aufgenommen wurde, die nach neuen Wegen zur Entwicklung der Literatur suchten. „Man muss sich in einen jungen Mann verwandeln“, schrieb Goethe, „um zu verstehen, welch erstaunlichen Eindruck Lessing mit seinem Laokoop auf uns machte und unseren Geist aus dem Bereich nebliger und trauriger Betrachtungen in die helle und freie Welt führte.“ des Denkens. Was zuvor bei pictura poesis („Poesie ist wie Malerei.“ – N.G.) missverstanden wurde, wurde beiseite geschoben und der Unterschied zwischen sichtbarer Form und hörbarer Sprache erklärt. Der Künstler muss innerhalb der Grenzen des Schönen bleiben, während der Dichter ... die Sphäre der Realität betreten darf. Diese wunderbaren Gedanken erhellten unsere Konzepte wie ein Blitz.“

Laokoon war auch ein Fortschritt bei der Entwicklung des Problems des positiven Helden. Ablehnung der „unempfindlichen“, „skulpturalen“, an eine „Marmorstatue“ erinnernden Figuren der klassizistischen Tragödie Lessings der 60er Jahre. Auch die „sensible“ Johanna Gray Wieland akzeptierte er nicht. In beiden Fällen gibt er sich mit der Monolinearität und dem Schematismus des Bildes nicht zufrieden. Lessing fordert zeitgenössische Dramatiker auf, einen psychologisch komplexen Helden in die Dramaturgie einzuführen, der „menschliche“ und „bürgerliche“ Prinzipien vereint. Als Vorbild verweist er auf Philoktetes bei Sophokles, in dem sich Heldentum und Alltäglichkeit vereinen. Philoktetes leidet unter einer nicht verheilten Wunde und erfüllt die einsame Insel mit Schmerzensschreien. Er ist nicht stoisch, aber er ist bereit, weiter zu leiden, aber seine Überzeugungen nicht aufzugeben. Philoktetes verbindet den heroischen Geist mit den für gewöhnliche Menschen charakteristischen Gefühlen. „Seine Stöhnen“, schreibt Lessing, „gehören einem Mann, und seine Taten gehören dem Helden.“ Aus beidem zusammen entsteht das Bild eines Helden – eines Mannes, der weder verhätschelt noch unsensibel ist, sondern das eine oder das andere ist, je nachdem, ob er sich den Anforderungen der Natur unterwirft oder der Stimme seiner Überzeugungen und Pflichten gehorcht. Er repräsentiert das höchste Ideal, zu dem Weisheit führen kann und das die Kunst jemals nachgeahmt hat.“ Während Lessing das Heldentum aus gesellschaftlicher Sicht hoch schätzt, lehnt es es aus ästhetischer Sicht ab: Es sei nicht theatralisch, weil es mit der Unterdrückung natürlicher Leidenschaften verbunden sei. Auch „Sensibilität“ akzeptiert der Kritiker nicht, denn auf der Bühne ist sie zwar von Vorteil, auf gesellschaftlicher Ebene ist sie für ihn jedoch völlig inakzeptabel. Der Pädagoge Lessing ist ein entschiedener Gegner sentimentaler Rückgratlosigkeit. Sein bürgerliches Ideal ist ein willensstarker Mensch, der seine Gefühle zu beherrschen weiß.

Bis zu seinem Lebensende kämpfte Lessing gegen die Sentimentalität. Er akzeptiert nicht einmal Goethes Werther. In einem Brief an Eschenburg vom 26. Oktober 1774 beurteilt Lessing den Romanhelden vernichtend und würdigt das Werk in künstlerischer Hinsicht sehr. Er verzeiht Werther nicht den Selbstmord und betont, dass seine Tat in der Antike nicht einmal einem Mädchen vergeben worden wäre. Lessing meint, der Roman brauche einen anderen, didaktischen Schluss, der junge Menschen vor dem fatalen Schritt Werthers warne. „Also, lieber Goethe, noch ein Kapitel zum Schluss, und je zynischer, desto besser.“ Lessing wollte sogar seinen eigenen „Werther“ schreiben, doch von dem gesamten Plan gelang ihm nur eine kleine Einleitung.

Die wichtigsten Fragen des Realismus werden von Lessing auch im Hamburger Drama behandelt. Die Sammlung bestand, wie bereits erwähnt, aus Rezensionen der Aufführungen und des Repertoires des Hamburger Theaters. Lessing wirft gleichzeitig theoretische Probleme auf und löst sie, die nicht zu seiner Verantwortung als Theaterkritiker gehörten. Er legt großen Wert auf die Besonderheiten des Dramas. Lessing entwickelt die Gedanken des Aristoteles weiter und betont, dass der Dramatiker das Natürliche im moralischen Charakter der Menschen offenbart und sich damit vom Historiker unterscheidet, der das Leben einer einzelnen historischen Figur erzählt. „Im Theater“, schreibt Lessing, „sollten wir nicht lernen, was dieser oder jener Mensch getan hat, sondern was jeder Mensch eines bestimmten Charakters unter bestimmten Umständen tun wird.“ Das Ziel der Tragödie ist viel philosophischer als das Ziel der Geschichtswissenschaft“ (Art. XIX).

Lessing nähert sich Fragen der Ästhetik als typischer Pädagoge, überzeugt davon, dass die Zukunft der Menschheit durch die moralische Verbesserung der modernen Gesellschaft vorbereitet wird. Daher liegt der Schwerpunkt seiner Aufmerksamkeit auf gesellschaftlichen Sitten, dem Verhalten der Menschen und ihren Charakteren, wiederum verstanden in moralischen und ethischen Begriffen. Lessing legt besonderen Wert auf die Kraft des moralischen Beispiels. Er setzt den pädagogischen Wert des Dramas in direkter Abhängigkeit davon, wie ausdrucksstark und lehrreich die Figuren darin dargestellt werden.

Lessing geht davon aus, dass der Mensch der Schöpfer seines eigenen Schicksals ist. Daher rührt natürlich auch die große Aufmerksamkeit, die er der Stärkung des Willens und der Entwicklung starker Überzeugungen schenkt, die für jeden Einzelnen in seinem Kampf um die Freiheit notwendig sind. All dies zeugt von Lessings revolutionärem Geist. Allerdings verliert der Kritiker einen weiteren wichtigen Aspekt der Sache aus den Augen – die Notwendigkeit, die soziale Struktur des Lebens zu verändern. Er löst alle gesellschaftlichen Probleme nur mit moralischen Mitteln, und darin liegt seine historische Beschränkung. In ästhetischer Hinsicht manifestiert es sich in der Tendenz, gesellschaftspolitische Konflikte auf moralische und ideologische zu reduzieren.

Lessing glaubt, dass das Subjekt einer Tragödie nur eine „natürliche“ und keine „historische“ Person sein kann. Er hat eine klare Abneigung gegen alles „Historische“ (Hofintrigen, militärische Auseinandersetzungen usw.) als ein Phänomen, das für einen demokratischen Betrachter offensichtlich nicht interessant ist. „Ich bin seit langem der Meinung“, schreibt Lessing, „dass der Hof überhaupt kein Ort ist, an dem ein Dichter die Natur studieren kann.“ Wenn Prunk und Etikette Menschen zu Maschinen machen, dann liegt es an den Dichtern, Maschinen wieder zu Menschen zu machen“ (Artikel LIX). Ausgehend von diesen ästhetischen Anforderungen startete Lessing im „Hamburger Drama“ eine scharfe und scharfe Kritik am französischen Klassizismus. Gegenstand seiner Angriffe sind vor allem die tragischen Werke Corneilles und Voltaires sowie ihrer deutschen Anhänger. Er kritisiert die Klassiker dafür, dass ihre Tragödien nicht auf moralischen Konflikten, sondern auf Intrigen, „äußerer Aktion“, beruhen, was sich am schädlichsten auf die ästhetischen Vorzüge der Werke auswirkt. Sie begeistern den Betrachter nicht, sie lassen ihn kalt. Auf solchen Grundlagen ruht die berühmte Analyse von „Rodoguna“ auf den Seiten des „Hamburger Dramas“. Lessing wirft Corneille vor, dass er im Bild der Kleopatra nicht die Züge einer beleidigten, unter Eifersucht leidenden Frau, sondern die eines machtgierigen Herrschers eines östlichen Despotenstaates eingefangen habe. Daher, so Lessing, die Unwahrheit Kleopatras und der gesamten Tragödie insgesamt. Es ist jedoch leicht zu erkennen, dass der Kritiker die Wahrheit rein pädagogisch versteht und sie nur auf die Darstellung natürlicher, „natürlicher“ Leidenschaften reduziert und sie nicht dort sieht, wo eine Person in seinem historischen Inhalt erscheint. Auch Kleopatra, die von Lessing so verurteilt wurde, war auf ihre Weise wahrhaftig. Corneille zeigte ein gewisses historisches Verständnis, als er sie als Intrigantin darstellte.

Lessings kritische Reden gegen den Klassizismus gehen mit Lobpreisungen für Shakespeare einher, dem er Corneille und Voltaire als Beispiele für Natürlichkeit und Wahrhaftigkeit gegenüberstellt. Er fühlt sich von der Arbeit des englischen Dramatikers angezogen, weil darin keine historischen Figuren zu sehen sind, sondern „Menschen“, die sich in einer Sprache ausdrücken, die von ihrem Herzen und nicht von ihrem sozialen Status „geleitet“ wird. Lessing versteht Shakespeares Realismus etwas eng, indem er ihn in erster Linie als eine wahrheitsgetreue Wiedergabe menschlicher Charaktere und Gefühle interpretiert und nichts anderes darin bemerkt – eine konkrete Darstellung historischer, sozialer Konflikte einer bestimmten Epoche, gebrochen in den persönlichen Schicksalen der Menschen. Lessing ist bestrebt, Shakespeare auf den ästhetischen Rang seiner Zeit zu bringen; er sieht in ihm vor allem einen Künstler-Moralisten und versucht, seinem Werk vor allem eine erbauliche Bedeutung zu entlocken. Beim Vergleich von Voltaires „Zaire“ mit Shakespeares „Othello“ bemerkt Lessing: „Aus Orosmans Worten erfahren wir, dass er eifersüchtig ist. Aber was seine Eifersucht selbst betrifft, werden wir letztlich nichts darüber erfahren. Im Gegenteil, Othello ist ein ausführliches Lehrbuch dieses zerstörerischen Wahnsinns. Hier können wir alles lernen: sowohl wie man diese Leidenschaft hervorruft als auch wie man sie vermeidet“ (V. XV). Die Aufmerksamkeit für moralische Fragen, für alles Menschliche, eine ablehnende Haltung gegenüber „politischen Intrigen“ bedeutete jedoch keineswegs, dass Lessing der Dramaturgie von großem gesellschaftlichem Inhalt fremd war. In der Zeit seiner künstlerischen Reife versuchte er, das deutsche Theater aus dem Kreis abstrakter Familienthemen in die weite Arena des öffentlichen Lebens zu holen. Sein historisches Verdienst bestand vor allem darin, dass er der deutschen Literatur einen sozialen, scharf anklagenden Charakter verlieh. Und dafür war es notwendig, das antihumanistische Wesen der feudal-monarchischen Ordnung aufzudecken. Im Zentrum von Lessings Dramaturgie steht daher stets ein aufklärerisch denkender Mensch im Konflikt mit der Gesellschaft. Diese Originalität ist in Minna von Barnhelm, der ersten deutschen realistischen Komödie, deutlich sichtbar. Die Ereignisse darin entfalten sich in lebendiger Moderne, entrissen aus dem nationalen Leben. Sie spielen unmittelbar nach dem Siebenjährigen Krieg und offenbaren historisch wahrheitsgetreu die Bedingungen, unter denen Menschen mit fortschrittlichen Ansichten und Überzeugungen leben und leiden mussten.

Das Stück ist auf dem Prinzip der Antithese aufgebaut. Auf der einen Seite stehen humanistische Helden (Tellheim, Minna, Werner, Graf von Bruchsal, Just, Franziska), auf der anderen Seite stehen Personen, die die reale Welt repräsentieren, grausam und gefühllos (der Hotelbesitzer Ricco de Marliniere), das unmenschliche Wesen Preußens Staatlichkeit. Lessing schildert das schwere Schicksal aufgeklärter Menschen und übt scharfe Kritik an deren Lebensumständen. Der Hauptkonflikt der Komödie (der Zusammenstoß zwischen Major Tellheim und den preußischen Militärbehörden) ist äußerst sozial und frei von jeglichem komischen Klang.

Tellheim repräsentiert einen Offizierstypus, den es in der preußischen Armee des 18. Jahrhunderts, die aus Söldnern bestand, die ausschließlich von ihrem Militärhandwerk lebten, nur wenige gab. Während des Einmarsches Friedrichs II. in Sachsen, als preußische Soldaten beispiellose Raubüberfälle und Gewalttaten verübten, erlangte Tellheim den Respekt der Einwohner einer Stadt, indem er einen Teil der Entschädigung für sie zahlte und anstelle des gezahlten Betrags einen Wechsel entgegennahm nach der Friedenserklärung zurückgezahlt werden. Diese Menschlichkeit kam den herrschenden Kreisen Preußens so fremd vor, dass der Major der Bestechung verdächtigt und ohne Lebensunterhalt aus der Armee entlassen wurde.

„Minna von Barnhelm“ richtet sich gegen die nationalistischen Gefühle, die sich im Siebenjährigen Krieg in Preußen ausbreiteten.

Alle positiven Helden der Komödie sind Gegner des Preußentums. Beim ersten Treffen mit Tellheim erklärt Graf Bruchsal: „Offiziere in dieser Uniform gefallen mir nicht besonders.“ Aber Sie, Tellheim, sind ein ehrlicher Mann, und ehrliche Menschen sollten geliebt werden, egal, was sie tragen.“ Lessing ist davon überzeugt, dass sich mit der Zeit die Kruste nationaler und klassenmäßiger Vorurteile von der Gesellschaft lösen wird und die Ideale der Liebe und Brüderlichkeit in ihr triumphieren werden.

Die Idee des Stücks wird durch die Hochzeit des preußischen Offiziers Tellheim und der sächsischen Adligen Minna symbolisiert, die zu einer Zeit geschlossen wurde, als Preußen und Sachsen gerade aus dem Krieg hervorgegangen waren.

Lessings positive Helden sind nicht nur frei von nationalistischen, sondern auch von Klassenvorurteilen. Sowohl Diener als auch Meister der Komödie sind gleichermaßen menschlich und konkurrieren im spirituellen Adel. Justus bleibt in Tellheims Diensten, auch wenn dieser seine Dienste nicht mehr bezahlen kann. Er selbst bezeichnet sich selbst als einen Diener, „der für seinen Herrn betteln und stehlen wird“. Von Lakaien-Unterwürfigkeit ist in Just jedoch keine Spur. Er ist stolz und unabhängig und Tellheim ergeben, weil er einst seine Behandlung in der Krankenstation bezahlte und seinem ruinierten Vater ein Paar Pferde schenkte. Franziska ist Minna gegenüber ebenso herzlich.

Allerdings lehnt Tellheim, ein Beispiel an Freundlichkeit und Großzügigkeit, jede Beteiligung in Bezug auf sich selbst ab. Er ist zu stolz. Der Major ist bereit, sich von seiner reichen Verlobten Minna zu trennen, da er es als demütigend empfindet, finanziell von seiner Frau abhängig zu sein. Um Tellheim für seinen falschen Stolz zu bestrafen, beschließt Minna, sich als ruiniertes, unglückliches Mädchen auszugeben. Ihr Plan ist dieser: „Der Mann, der mich jetzt und meinen ganzen Reichtum ablehnt, wird mit der ganzen Welt für mich kämpfen, sobald er hört, dass ich unglücklich und verlassen bin.“ Tellheim gerät in Netze.

Tellheim ist von seinem Manko befreit – seinem Stolz. Nachdem er das Soldatenglück verloren hat, findet er Minnas Liebe und Freundschaft. Die Komödie endet mit dem Triumph humanistischer Ideen.

1772 vollendete Lessing „Emilia Galotti“, das großen Bühnenerfolg hatte. Das Stück ist hinsichtlich der Wucht seiner Anprangerung des fürstlichen Despotismus der unmittelbare Vorläufer von Schillers Stürmer-Dramaturgie. Indem er die feudale Tyrannei geißelte, schuf Lessing darin Bilder von Menschen mit großer Zivilcourage, die den Tod der Schande eines Sklavendaseins vorziehen. Darin lag die erzieherische Bedeutung der Tragödie.

Die Schaffensgeschichte von „Emilia Galotti“ beginnt in der Mitte des 18. Jahrhunderts. Ursprünglich war es in einem sentimentalen, antiklassizistischen Geist konzipiert. In ihr, wie auch in „Miss Sarah Sampson“, hätte es keine Politik, keinen erhabenen Heldentum geben dürfen. Nachdem Lessing sich während seines Lebens in Braunschweig erneut auf verlassenes Material zurückgegriffen hatte, änderte er den Plan des Werks grundlegend und verknüpfte familiäre Motive mit gesellschaftspolitischen Themen. Der Konflikt der Tragödie begann eher einen breiten gesellschaftlichen Charakter zu haben als einen engen, was ihn grundlegend von Alltagsstücken unterscheidet.

„Emilia Galotti“ ist auch insofern interessant, als Lessing darin den Versuch unternahm, die in „Laokoon“ und im „Hamburger Drama“ theoretisch entwickelten Grundprinzipien der dichterischen Kunst praktisch anzuwenden. Zunächst versuchte er in der Person von Emilia und Odoardo ein grundlegend neues Bild eines tragischen Helden zu schaffen, indem er, ähnlich wie Sophokles’ Philoktetes, das sentimentale (natürliche) Prinzip mit dem Heroischen verband. Dadurch erhielt „Emilia Galotti“ die Züge einer Tragödie besonderer bürgerlich-klassizistischer Art.

Lessings Heldin tritt als ganz normales Mädchen auf der Bühne auf. Sie ist fromm und abergläubisch. Emilias Gewöhnlichkeit ist von grundlegender Bedeutung. Es dient dazu, dass die demokratische Öffentlichkeit Vertrauen in Emilia gewinnt und in ihr eine Person ihrer Umwelt, ihrer geistigen Verfassung sieht. Wenn sie jedoch mit Gewalt konfrontiert wird, offenbart Emilia solche heroischen Qualitäten, um die jeder Held einer klassizistischen Tragödie beneiden würde.

Emilia ist aus Lessings Sicht ein ideales Tragödienbild, weil sie ohne Schuld schuldig ist. Ihr tragischer Fehler liegt darin, dass sie aufgrund ihrer Jugend unwissentlich dem Charme des Prunkes des Hoflebens erlegen ist. Auf dem Hofball machte Prinz Gonzago selbst auf sie aufmerksam. Auch Emilia fühlt sich zu ihm hingezogen, doch sie ist die Braut des Grafen Appiani und möchte ihrem Verlobten treu bleiben. Emilia wird gewaltsam in den Fürstenpalast gebracht und wird innerlich wiedergeboren. Alle Kräfte ihrer unberührten, natürlichen Natur rebellieren gegen die Gewalt. Emilia hat jedoch Angst, irgendwie Schwäche zu zeigen und den Annäherungsversuchen des Prinzen nachzugeben, und bittet ihren Vater, ihr bei der Lösung dieses Konflikts zwischen Geist und Fleisch zu helfen. Odoardo tötet sie mit einem Dolchhieb und teilt damit völlig ihre Entscheidung. Lessing wollte in „Emilia Galotti“ zeigen, dass nicht nur vom Klassizismus verherrlichte „historische Menschen“ (Könige, Höflinge, Würdenträger usw.), sondern auch „Privatpersonen“, die gewöhnlichsten, in der Lage sind, „Gefühle“ unterzuordnen das Diktat der „Pflicht“, des Heldenseins. Das Stück lehrte den aufopferungsvollen Dienst der deutschen Bürger an den Idealen der Freiheit. Objektiv gesehen richtete es sich gegen die im bürgerlichen Deutschland des 18. Jahrhunderts verbreitete Stimmung des sklavischen Gehorsams und Untergangs. Lessing kämpft dafür, dass ein Mensch, der unter der Willkür der Fürsten leidet, Ungehorsam zeigt und Herr seines Schicksals wird. In seiner Tragödie entlarvt er nicht nur die fürstliche Willkür, sondern auch die sentimentale „Entmagnetisierung“ und Feigheit der Bürger, die den Kampf gegen die Tyrannei behindern.

Zwar spiegelten sich die wirtschaftliche Rückständigkeit und die politische Trägheit des deutschen Volkes selbst im Werk eines Schriftstellers wie Lessing wider. Die Helden von „Emilia Galotti“ lassen sich nicht vom allmächtigen Laster beflecken; sie ziehen den Tod der Schande eines demütigenden Lebens vor. Aber diese Art der Rebellion führt nur zum moralischen Triumph der Tugend. Emilia stirbt, und ihr Verführer erhält nur noch den Vorwurf eines schlechten Gewissens. Im Deutschland des 18. Jahrhunderts konnte noch keine realistische Kunst entstehen, die keinen moralischen, sondern einen tatsächlichen Sieg über die Mächte des gesellschaftspolitischen Bösen darstellte.

Der Träger des heroischen Prinzips in der Tragödie ist auch Odoardo Galotti. Dies ist eine demokratische Lessingsche Version von Brutus. Anders als der Held Voltaire, der ein „Herz aus Stahl“ hat und nur vor Liebe zur Republik brennt, ist Odoardo menschlich. Er liebt Emilia sehr, doch in einer tragischen Situation überwiegen in ihm die Prinzipien eines Bürgers gegenüber seinen väterlichen Gefühlen.

Lessing stellt die Gesichter des feudal-monarchischen Lagers wahrheitsgetreu dar. Der Erfolg des Dramatikers ist das Bild des Prinzen. Er hat nicht die Eigenschaften eines raffinierten Bösewichts. Gettore Gonzago ist auf seine Art ein guter, aufgeklärter Mensch. Er liebt die Kunst, verteidigt die Ehe nach Herzenslust. Voller Leidenschaft für Emilia Galotti möchte er mit seinen leidenschaftlichen Geständnissen ihre gegenseitigen Gefühle hervorrufen. Erst als der Prinz von ihrer bevorstehenden Hochzeit erfährt, nimmt er, nachdem er den Kopf verloren hat, die Dienste von Chamberlain Marinelli in Anspruch. Diese Interpretation des Prinzenbildes schwächte den realistischen Klang des Stücks nicht, sondern verstärkte ihn vielmehr. Lessing machte deutlich, dass in einem Feudalsystem jeder, auch ein von Natur aus guter Mensch, aufgrund der Tatsache, dass er mit absoluter Macht ausgestattet ist, in bestimmten Situationen zum Verbrecher wird.

Zum Abschluss seiner Schaffenslaufbahn schafft Lessing das Drama „Nathan der Weise“. Es ist eine Fortsetzung der Polemik, die er mit dem Hamburger Pfarrer Goeze über Reimarus‘ Buch „Fragmente des Unbekannten“ führte, in dem aufrührerische Gedanken über die Göttlichkeit Christi und der Bibel geäußert wurden. Die Regierung Braunschweigs verhängte ein Zensurverbot für Lessings religiöse und polemische Werke und betrachtete sie als Beleidigung der Religion. Es beschlagnahmte Anti-Getze und verbot seinem Autor die Veröffentlichung. In der Zeit der Zensurverfolgung kam Lessing auf die Idee von „Nathan dem Weisen“. „Ich möchte versuchen“, schreibt er am 6. IX. 1778 an Elisa Reimarus, „ob man mir erlaubt, frei zu sprechen, zumindest von meiner früheren Kanzel – von der Theaterbühne aus.“ Lessing ist in Kampfgeist. Nachdem er das Stück konzipiert hatte, beschloss er, „den Theologen einen grausameren Streich zu spielen als mit Hilfe von Dutzenden von Fragmenten“.

„Nathan der Weise“ ist im Gegensatz zu „Emilia Galotti“ kein Drama über Charaktere, sondern über Ideen. Lessing vereint darin verschiedene Arten menschlichen Bewusstseins. Er fördert und verteidigt humanistische, pädagogische Ansichten und Konzepte und geht gegen religiösen Fanatismus, Nationalismus und Klassenvorurteile vor. Lessing hat die Zukunft im Blick. Er kämpft für soziale Beziehungen, in denen alle durch die Klassenstruktur der Gesellschaft erzeugten Spaltungen verschwinden und die Völker der Welt zu einer Familie verschmelzen. In „Nathan der Weise“ wurde das soziale Ideal des großen Aufklärers besonders anschaulich verkörpert, und der Held des Stücks, Nathan, ist das Sprachrohr der Ideen des Autors.

Lessing brachte in seinem Stück Menschen unterschiedlicher Religionszugehörigkeit zusammen, wodurch es anfing, einem Streit enormen Ausmaßes zu ähneln. Den Mittelpunkt des Dramas bildet das Gleichnis von den drei Ringen, um das sich eine Reihe weiterer ideologischer Schichten legen. In diesem Saladin erzählten Gleichnis verurteilte Nathan scharf den Anspruch der drei vorherrschenden Religionen (Mohammedaner, Christen und Juden), die Gesellschaft moralisch zu leiten. Seiner Meinung nach sind sie alle „falsch“, weil sie religiösen Fanatismus fördern.

Die propagandistische Ausrichtung von „Nathan dem Weisen“ bestimmte seine künstlerische Originalität. Das Stück ist voll von großen Monologen, in denen die Charaktere ihre Ansichten zum Ausdruck bringen. Die Handlung darin entwickelt sich im Gegensatz zu „Emilia Galotti“ langsam, was seiner poetischen Form entspricht. Offenbar nannte Lessing „Nathan der Weise“ unter Berücksichtigung dieses Umstands ein „dramatisches Gedicht“.

Lessing hat tiefe Spuren im geistigen Leben der gesamten Menschheit hinterlassen. Er ist ein Klassiker des ästhetischen Denkens und steht auf einer Stufe mit Aristoteles, Kant, Hegel, Belinsky und Chernyshevsky. Aufgrund seines Kampfgeistes wurde seine Arbeit von deutschen (Bern, Heine) und russischen Demokraten hoch geschätzt. Chernyshevsky schrieb in seinem Werk „Lessing, seine Zeit, sein Leben und Werk“ über den Autor von „Laokoon“ und „Emilia Galotti“: „Er steht unserem Jahrhundert näher als Goethe selbst, sein Blick ist aufschlussreicher und tiefer, sein Konzept.“ ist umfassender und menschlicher“ 3 . Der Kampf für Lessing wurde von Persönlichkeiten der deutschen Sozialdemokratie angeführt. Im Jahr 1893 schrieb F. Mehring ein scharf polemisches Werk, „Die Legende von Lessing“, in dem E. Schmidt und andere Verfälscher des Erbes des deutschen Aufklärers, die Lessing in einen preußischen Nationalisten verwandeln wollten, zurückgewiesen wurden.

Anmerkungen

1. Chernyshevsky I. G. Vollständig. Sammlung op. in 15 Bänden, Bd. 4. M., 1948, S. 9.

2. Marx K. und Engels F. Soch. Ed. 2, T. 39, S. 175.

3 Chernyshevsky N. G. Poli. Sammlung cit., Bd. 4, S. 9-10.

Biografie

Lessing, Gotthold Ephraim (1729–1781), Kritiker und Dramatiker; in Deutschland 18. Jahrhundert. zusammen mit I.V. Goethe und F. Schiller wurde er zum Schöpfer des goldenen Zeitalters der deutschen Literatur. Geboren am 22. Januar 1729 in Kamenz (Sachsen) in der Familie eines lutherischen Pfarrers. 1746 trat er in die theologische Fakultät der Universität Leipzig ein, doch seine Leidenschaft für antike Literatur und Theater ließ wenig Zeit für theologische Studien. Er beteiligte sich aktiv an der von der Schauspielerin Caroline Neuber (1697–1760) gegründeten Theatertruppe, die anschließend sein erstes dramatisches Werk, die Komödie „Der junge Gelehrte“ (1748), auf die Bühne brachte. Der orthodoxe Lessing Sr. rief seinen Sohn nach Hause und erlaubte ihm die Rückkehr nach Leipzig nur um den Preis, das Theater aufzugeben; Das einzige Zugeständnis, dem mein Vater zustimmte, war die Erlaubnis, an die medizinische Fakultät zu wechseln. Kurz nach Lessings Rückkehr nach Leipzig löste sich Neubers Truppe auf und Lessing blieb mit unbezahlten, von ihm unterzeichneten Wechseln zurück. Nachdem er seine Stipendienschulden beglichen hatte, verließ er Leipzig. Die nächsten drei Jahre verbrachte Lessing in Berlin, wo er versuchte, als Schreiber seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Aus finanzieller Sicht gelang ihm das nicht, aber als Kritiker und Schriftsteller entwickelte er sich außerordentlich. Zusammen mit Kr. Milius, einem Leipziger Verwandten und Freund, gab Lessing eine Zeit lang eine vierteljährlich erscheinende Zeitschrift über Theaterprobleme heraus (1750), schrieb kritische Artikel für die Vossische Zeitung (damals Berliner Privilegierte Zeitung), übersetzte Theaterstücke und schuf eine Anzahl originaler dramatischer Werke.

Ende 1751 trat er in die Universität Wittenberg ein, wo er ein Jahr später den Magistergrad erhielt. Dann kehrte er nach Berlin zurück und arbeitete die nächsten drei Jahre hart, um seinen Ruf als scharfsinniger Literaturkritiker und talentierter Schriftsteller zu festigen. Die Unparteilichkeit und Überzeugungskraft seiner kritischen Urteile brachten ihm den Respekt seiner Leser ein. Die in sechs Bänden erschienenen Werke (Schriften, 1753–1755) enthielten neben zuvor anonym veröffentlichten Epigrammen und anakreontischen Gedichten eine Reihe wissenschaftlicher, kritischer und dramatischer Werke. Einen besonderen Platz nehmen die Rettungen ein, die mit dem Ziel verfasst wurden, bestimmten historischen Persönlichkeiten, insbesondere denen der Reformationszeit, Gerechtigkeit wiederzugeben. Zusätzlich zu den frühen Dramen nahm Lessing ein neues Drama in Prosa in das Buch auf – Miss Sara Sampson (Miss Sara Sampson, 1755), das erste „Spießbürger“-Drama in der deutschen Literatur. Dieses äußerst sentimentale Stück, das hauptsächlich nach dem Vorbild des Londoner Kaufmanns J. Lillo (1731) entstand, verkörperte Lessings Überzeugung, dass die Deutschen nur durch die Nachahmung des natürlicheren englischen Theaters ein wirklich nationales Drama schaffen könnten. Miss Sarah Sampson hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf das spätere deutsche Drama, obwohl sie selbst nach zwei Jahrzehnten obsolet wurde.

1758 gründete Lessing zusammen mit dem Philosophen M. Mendelssohn und dem Buchhändler K. F. Nikolai die Literaturzeitschrift „Briefe, die neueste Literatur betreffend“, 1759–1765, und arbeitete an der Zeitschrift mit Seine kritischen Einschätzungen hielten nicht lange an, doch er schürte die stagnierende literarische Atmosphäre der Zeit. Er griff die französischen Pseudoklassiker und deutschen Theoretiker vehement an, insbesondere I. K. Gottsched (1700–1766), der das deutsche Theater am französischen Drama orientierte.

1760 zog Lessing nach Breslau (heute Breslau, Polen) und wurde Sekretär des Militärgouverneurs von Schlesien, General Tauentzin. Sekretariatsaufgaben ließen ihm genügend Zeit – hier sammelte er hauptsächlich Material für Laokoon, studierte Spinoza und die Geschichte des frühen Christentums und begann auch mit der Arbeit an seiner besten Komödie Minna von Barnhelm (Minna von Barnhelm, 1767), wobei er die in Breslau gesammelten Eindrücke nutzte Beschreiben Sie die Charaktere und Ereignisse, die in der Zeit des Siebenjährigen Krieges zu einem lebhaften Konflikt zwischen Liebe und Ehre führten.

1765 kehrte Lessing nach Berlin zurück und veröffentlichte im folgenden Jahr die berühmte Abhandlung über ästhetische Prinzipien Laokoon sowie I. I. Winckelmanns Geschichte der antiken Kunst (1764), die die höchste Errungenschaft des literarischen und ästhetischen Denkens des 18. Jahrhunderts darstellte. Mit diesem Werk ebnete Lessing den Weg für die anspruchsvolle Ästhetik nachfolgender Generationen und definierte die Grenzen zwischen bildender Kunst (Malerei) und hörender Kunst (Poesie).

1767 trat Lessing die Stelle des Kritikers und Literaturreferenten am gerade gegründeten Deutschen Nationaltheater in Hamburg an. Dieses Unterfangen offenbarte bald seine Widersprüchlichkeit und blieb nur dank Lessings Hamburger Dramaturgie (1767–1769) im Gedächtnis. Als kontinuierliche Überprüfung von Theaterproduktionen konzipiert, führte die Hamburger Dramaturgie zu einer Analyse der dramaturgischen Theorie und des pseudoklassizistischen Dramas von Corneille und Voltaire. Aristoteles‘ Theorie des Dramas in der Poetik blieb für Lessing die höchste Autorität, doch seine kreative Interpretation der Tragödientheorie räumte mit dem Diktat der Einheit von Ort, Zeit und Handlung auf, das die französischen Aristoteles-Interpreten als wesentliche Voraussetzung festhielten "gutes Drama.

Nach dem Zusammenbruch des Nationaltheaters und des Verlags, den der Schriftsteller gemeinsam mit I.K. Bode gründete, übernahm Lessing die Stelle des Bibliothekars in Wolfenbüttel (Braunschweig). Mit Ausnahme von neun Monaten (1775–1776), als er Prinz Leopold von Braunschweig auf einer Italienreise begleitete, verbrachte Lessing den Rest seines Lebens in Wolfenbüttel, wo er 1781 starb.

Kurz nach seinem Umzug nach Wolfenbüttel veröffentlichte Lessing das bedeutendste seiner Dramen, Emilia Galotti (1772). Die Handlung des Dramas, das auf der römischen Legende von Appia und Virginia basiert, spielt an einem bestimmten italienischen Hof. Lessing stellte es sich zur Aufgabe, die edle Struktur der antiken Tragödie unter modernen Umständen aufzuzeigen und sich nicht auf den für die bürgerliche Tragödie so charakteristischen sozialen Protest zu beschränken. Später wandte er sich erneut der Bühnenkunst zu und schrieb das „dramatische Gedicht“ Nathan der Weise (Nathan der Weise, 1779), das beliebteste, wenn auch nicht dramatischste seiner Stücke. Nathan ist der Aufruf eines aufgeklärten Liberalen zu religiöser Toleranz, eine Parabel, die zeigt, dass nicht der Glaube, sondern der Charakter die Persönlichkeit eines Menschen bestimmt. Es handelt sich um das erste bedeutende deutsche Drama in Leerversen, die später typisch für das klassische deutsche Drama wurden.

Im Jahr 1780 veröffentlichte Lessing den bereits 1777 verfassten Aufsatz „Die Erziehung des Menschengeschlechts“. In hundert nummerierten Absätzen dieses Aufsatzes sieht der Philosoph-Pädagoge in der Religionsgeschichte der Menschheit eine fortschreitende Bewegung zum Universellen Humanismus, der über die Grenzen aller Dogmen hinausgeht.

Es wurden Materialien aus der Enzyklopädie „The World Around Us“ verwendet

Literatur:

* Lessing G. Laocoon, oder Über die Grenzen von Malerei und Poesie. M., 1957
* Friedländer G. Gotthold Ephraim Lessing. L. – M., 1958
* Lessing G. Dramen. Fabeln in Prosa. M., 1972
* Lessing G. Favoriten. M., 1980
* Lessing und Moderne. Zusammenfassung der Artikel. M., 1981

Ästhetik / Gotthold Ephraim Lessing

Einer der ersten Kritiker Winckelmanns war Gotthold Ephraim Lessing (1729–1781). Das Erscheinen Lessings in der deutschen Literatur stellt ein herausragendes historisches Ereignis dar. Seine Bedeutung für die deutsche Literatur und Ästhetik ist ungefähr die gleiche, die Belinsky, Chernyshevsky und Dobrolyubov für Russland hatten. Die Einzigartigkeit dieses Aufklärers liegt darin, dass er im Gegensatz zu seinen Gesinnungsgenossen für plebejische Methoden zur Zerstörung feudaler Verhältnisse eintrat. Lessings vielfältiges Schaffen fand einen leidenschaftlichen Ausdruck der Gedanken und Sehnsüchte des deutschen Volkes. Er war der erste deutsche Schriftsteller und Kunsttheoretiker, der die Frage nach der Nationalität der Kunst aufwarf. Lessings theoretische Studie „Laokoon oder über die Grenzen von Malerei und Poesie“ (1766) begründete eine ganze Ära in der Entwicklung der deutschen klassischen Ästhetik.

Lessing bringt zunächst seine Ablehnung des Schönheitsbegriffs Winckelmanns zum Ausdruck. Winckelmann versucht in seiner Interpretation von Laokoon darin einen Ausdruck stoischen Gleichmuts zu finden. Der Triumph des Geistes über das körperliche Leiden ist seiner Meinung nach das Wesen des griechischen Ideals. Lessing argumentiert unter Berufung auf Beispiele aus der antiken Kunst, dass sich die Griechen nie „für menschliche Schwächen schämten“. Er lehnt das stoische Moralkonzept entschieden ab. Stoizismus ist laut Lessing die Geisteshaltung von Sklaven. Der Grieche war sensibel und kannte die Angst, brachte sein Leid und seine menschlichen Schwächen frei zum Ausdruck, „aber niemand konnte ihn davon abhalten, Angelegenheiten der Ehre und Pflicht zu erfüllen.“

Indem er den Stoizismus als ethische Grundlage menschlichen Verhaltens ablehnt, erklärt Lessing auch, dass alles Stoische nicht inszeniert sei, da es nur ein kaltes Gefühl der Überraschung hervorrufen könne. „Helden auf der Bühne“, sagt Lessing, „müssen ihre Gefühle offenbaren, ihr Leid offen zum Ausdruck bringen und dürfen sich nicht in die Manifestation natürlicher Neigungen einmischen.“ Die Künstlichkeit und der Zwang der Helden der Tragödie lassen uns kalt, und Tyrannen auf Buskins können in uns nur Überraschung hervorrufen.“ Es ist unschwer zu erkennen, dass Lessing hier das moralische und ästhetische Konzept des Klassizismus des 17. Jahrhunderts im Sinn hat. Dabei schont er nicht nur Corneille und Racine, sondern auch Voltaire.

Im Klassizismus sieht Lessing den deutlichsten Ausdruck eines stoisch-sklavischen Bewusstseins. Ein solches moralisches und ästhetisches Menschenbild führte dazu, dass die plastischen Künste allen anderen vorgezogen wurden oder zumindest der plastischen Art der Interpretation des Lebensmaterials der Vorzug gegeben wurde (wobei Zeichnung und Malerei in den Vordergrund gerückt wurden, das rationalistische Prinzip in der Poesie). und Theater usw.). Die bildenden Künste selbst wurden einseitig interpretiert, da ihr Fachgebiet nur auf die Darstellung des plastisch Schönen beschränkt war und die Klassizisten durch die Gleichsetzung von Poesie und Malerei die Möglichkeiten der ersteren stark einschränkten. Da Malerei und Poesie nach Ansicht der Klassiker die gleichen Gesetze haben, wird daraus eine umfassendere Schlussfolgerung gezogen: Kunst im Allgemeinen muss die Reproduktion des Einzelnen, die Verkörperung von Antagonismen, den Ausdruck von Gefühlen aufgeben und sich in einen engen Kreis verschließen des plastisch Schönen. Die Klassiker verlagerten dramatische Zusammenstöße von Leidenschaften, Bewegungen und Lebenskonflikten im Wesentlichen über die Grenzen der direkten Darstellung hinaus.

Im Gegensatz zu diesem Konzept vertrat Lessing die Idee, dass „die Kunst in der Neuzeit ihre Grenzen enorm erweitert hat. Es ahmt nun, wie man gewöhnlich sagt, die gesamte sichtbare Natur nach, von der Schönheit nur einen kleinen Teil ausmacht. Wahrheit und Ausdruckskraft sind seine Hauptgesetze, und so wie die Natur selbst die Schönheit oft höheren Zielen opfert, muss der Künstler sie seinem Grundanspruch unterordnen und darf nicht versuchen, sie in einem größeren Ausmaß zu verkörpern, als es Wahrheit und Ausdruckskraft zulassen. Die Forderung, die Möglichkeiten der Kunst im Sinne einer tiefgreifenden Reflexion verschiedener Aspekte der Wirklichkeit in ihr zu erweitern, ergibt sich aus dem Menschenbild, das Lessing in der Polemik mit dem Klassizismus und Winckelmann entwickelt hat.

Indem er die Grenzen zwischen Poesie und Malerei festlegt, versucht Lessing zunächst, die philosophischen und ästhetischen Grundlagen der künstlerischen Methode des Klassizismus mit ihrer Orientierung an einer abstrakt-logischen Methode der Verallgemeinerung theoretisch zu widerlegen. Dies ist, so Lessing, der Bereich der Malerei und aller bildenden Künste. Aber die Gesetze der bildenden Künste lassen sich nicht auf die Poesie übertragen. Lessing verteidigt damit das Recht auf die Existenz einer neuen Kunst, die ihren lebendigsten Ausdruck in der Poesie gefunden hat, wo neue Gesetze gelten, dank derer es möglich ist, das zu reproduzieren, was zum Bereich der Wahrheit, des Ausdrucks gehört, und Hässlichkeit.

Das Wesen der bildenden Künste besteht laut Lessing darin, dass sie sich auf die Darstellung einer vollständigen und vollständigen Handlung beschränken. Der Künstler entnimmt der sich ständig verändernden Realität nur einen Moment, der nichts ausdrückt, was als vergänglich gedacht wird. Alle aufgezeichneten „vergänglichen Momente“ erhalten durch die Fortsetzung ihrer Existenz in der Kunst ein so unnatürliches Aussehen, dass mit jedem neuen Blick der Eindruck von ihnen schwächer wird und schließlich das gesamte Objekt beginnt, in uns Ekel oder Angst zu wecken.

In ihren Nachahmungen der Realität nutzt die plastische Kunst im Raum aufgenommene Körper und Farben. Gegenstand sind also Körper mit ihren sichtbaren Eigenschaften. Da materielle Schönheit das Ergebnis einer koordinierten Kombination verschiedener Teile ist, die auf den ersten Blick sofort erfasst werden können, kann sie nur in der bildenden Kunst dargestellt werden. Da die bildende Kunst nur einen Aktionsmoment darstellen kann, besteht die Kunst des Künstlers darin, einen Moment auszuwählen, aus dem der vorherige und der nachfolgende Moment deutlich werden. Die Handlung selbst liegt außerhalb des Bereichs der Plastizität.

Aufgrund der genannten Eigenschaften der Malerei kommen das Individuelle, der Ausdruck, das Hässliche und das Veränderliche in ihr nicht zum Ausdruck. Die bildende Kunst reproduziert Objekte und Phänomene in einem Zustand ihrer stillen Harmonie, siegt über den Widerstand des Materials, ohne „die durch die Zeit verursachte Zerstörung“. Das ist materielle Schönheit – das Hauptthema der bildenden Kunst.

Poesie hat ihre eigenen besonderen Muster. Als Mittel und Techniken für ihre Nachahmungen der Realität nutzt sie artikulierte, zeitlich wahrgenommene Klänge. Das Thema der Poesie ist die Handlung. Die Repräsentation von Körpern erfolgt hier indirekt, durch Handlungen.

Lessing glaubt, dass jede Kunst in der Lage sei, die Wahrheit darzustellen. Allerdings sind Umfang und Art seiner Reproduktion in verschiedenen Kunstgattungen unterschiedlich. Im Gegensatz zur klassizistischen Ästhetik, die dazu neigte, die Grenzen verschiedener Kunstgattungen zu verwischen, besteht Lessing darauf, eine strenge Grenzlinie zwischen ihnen zu ziehen. Alle seine Überlegungen zielen darauf ab zu beweisen, dass die Poesie in größerem Maße als die bildende Kunst in der Lage ist, Weltzusammenhänge, vorübergehende Zustände, die Entwicklung von Handlungen, Moral, Bräuchen und Leidenschaften darzustellen.

Schon der Versuch, Grenzen zwischen den Künsten festzulegen, verdient ernsthafte Aufmerksamkeit und Untersuchung, zumal Lessing nach einer objektiven Grundlage für diese Trennung sucht. Zeitgenossen betrachteten Laokoon jedoch in erster Linie als Banner des Kampfes um Realismus und nicht als hochspezialisierte kunsthistorische Studie.

Lessing entwickelte die Probleme des Realismus im berühmten „Hamburger Drama“ (1769) weiter. Dies ist nicht nur eine Sammlung von Rezensionen. In dieser Arbeit analysiert Lessing die Inszenierungen des Hamburger Theaters und entwickelt die ästhetischen Probleme der Kunst. In voller Übereinstimmung mit dem Geist der Aufklärung definiert er deren Aufgaben: Der Künstler müsse „uns lehren, was wir tun und was nicht tun sollen; Machen Sie uns mit der wahren Essenz von Gut und Böse, anständig und lustig bekannt; Zeigen Sie uns die Schönheit des ersteren in all seinen Kombinationen und Konsequenzen ... und umgekehrt die Hässlichkeit des letzteren.“ Das Theater sollte seiner Meinung nach eine „Schule der Moral“ sein.

Im Lichte dieser Aussagen wird deutlich, warum Lessing dem Theater so große Aufmerksamkeit schenkt. Theater wird von den Ästhetikern der Aufklärung als die am besten geeignete und wirksamste Kunstform zur Förderung pädagogischer Ideen angesehen. Lessing wirft daher die Frage nach der Schaffung eines neuen Theaters auf, das sich radikal vom Theater des Klassizismus unterscheidet. Es ist merkwürdig, dass Lessing die Schaffung neuer Kunst als die Wiederherstellung der ursprünglichen Reinheit der Prinzipien der antiken Kunst versteht, die von den „Franzosen“, d. h. den Klassikern, verzerrt und falsch interpretiert wurden. Lessing wendet sich daher nur gegen die falsche Interpretation des antiken Erbes und nicht gegen die Antike als solche.

Lessing fordert nachdrücklich die Demokratisierung des Theaters. Die Hauptfigur des Dramas sollte ein gewöhnlicher, durchschnittlicher Mensch sein. Hier stimmt Lessing voll und ganz mit den dramatischen Prinzipien Diderots überein, den er in vielerlei Hinsicht hoch schätzte und dem er folgte.

Lessing wendet sich entschieden gegen die Klassengrenzen des Theaters. „Die Namen von Fürsten und Helden“, schreibt er, „können dem Stück Prunk und Größe verleihen, tragen aber nicht im Geringsten zu seiner Rührung bei.“ Das Unglück der Menschen, deren Situation unserer sehr nahe steht, wirkt sich ganz natürlich am stärksten auf unsere Seele aus, und wenn wir mit Königen Mitleid haben, dann einfach als Menschen und nicht als Könige.“

Lessings Hauptanspruch an das Theater ist der Anspruch auf Wahrhaftigkeit.

Lessings großes Verdienst liegt darin, dass er Shakespeare würdigen konnte, den er neben den antiken Schriftstellern Homer, Sophokles und Euripides den Klassikern gegenüberstellt.

Johann Joachim Winckelmann. Über das Calderon Theater

Gotthold Ephraim Lessing, Literaturtheoretiker, Dramatiker

Puschkin sagte, dass Ruhm ruhig sein kann. Tatsächlich gibt es in der Literatur Figuren, die kommen, etwas erschaffen, was letztendlich als selbstverständlich angesehen wird, und wieder gehen, nachdem sie ihre Mission erfüllt haben. Obwohl ihre Namen respektiert werden, werden sie später vom strahlenden Ruhm der neuen Genies überschattet.

Die Beiträge von Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781), Literaturtheoretiker, Dramatiker, Kritiker und Dichter der Aufklärung, zur europäischen Kultur sind weithin anerkannt. Lessing schuf die moderne Zeitschriftenkritik und war einer der Begründer des demokratischen Theaters des 18.-19. Jahrhunderts. J. V. Goethe, F. Schiller und die Romantiker, die in seine Fußstapfen traten, verdunkelten ihn in den Augen seiner Nachkommen, so wie neue Gebäude das Haus des Stadtgründers verbergen.

In Russland geschah im Wesentlichen das Gleiche. Wir erinnern uns an Lessing im Zusammenhang mit der Geschichte und Theorie der Literatur, manchmal auch mit der Geschichte der russischen Bühne, aber wenn wir über die Verbindungen zwischen den Kulturen Russlands und Deutschlands sprechen, erwähnen wir nicht zuerst seinen Namen, sondern sprechen über „die Himmel von Schiller und Goethe“, über Heinrich Heine, über Hegel und Nietzsche, über Thomas Mann und Heinrich Bell. Wenn wir aber daran denken, dass die neue deutsche Literatur mit Lessing beginnt, wird kaum jemand etwas dagegen haben. Die russische revolutionär-demokratische Kritik – insbesondere N. G. Chernyshevsky und N. A. Dobrolyubov, deren Ansichten einen starken Einfluss auf unsere Literaturkritik des 20. Jahrhunderts hatten – trug viel zum russischen Ruhm Lessings bei. In Russland galt Lessing vor allem als der erste Theoretiker der realistischen Kunst (wenn wir Realismus im Einklang mit dem Prinzip von Chernyshevskys Ästhetik „Das Leben ist schön“ verstehen) und als Meister des Zeitschriftenkampfes für demokratische und realistische Kunst.

Im Theater galt er als gemäßigter Anhänger Shakespeares und als unmittelbarer Vorgänger Schillers. Aber Lessing kam in einer anderen Gestalt nach Russland als in der, in der wir ihn seit der Mitte des 19. Jahrhunderts wahrzunehmen begannen und im Allgemeinen immer noch wahrnehmen.

Deutsche Lessing-Forscher bemängeln, dass es bis heute keine wissenschaftliche Gesamtbiographie über Lessing gibt, obwohl sich über den Schriftsteller eine riesige Literatur angesammelt hat, darunter Dutzende biografische Studien. Ein ähnliches Bild zeigt die Rezeptionsgeschichte von Lessings Vermächtnis in Russland. Unter der beträchtlichen Anzahl von Arbeiten, die sich direkt oder indirekt auf dieses Thema beziehen, gibt es noch keine vollständige, analytische Übersicht darüber. Lassen Sie uns daher die wichtigsten Meilensteine in der Geschichte des „Russen“ Lessing skizzieren und dabei den Schwerpunkt auf die Wahrnehmung seiner ästhetischen Ideen legen.

Lessings Name erschien erstmals 1765 in der russischen Presse auf der Titelseite seiner Komödie „Der junge Wissenschaftler“, übersetzt von Andrei Nartovs Sohn. Es gab einen Übergang von einer „nationalen Zeit“ zur anderen: Die Bekanntschaft mit dem Autor erfolgte, als sein Werk in seiner Heimat bereits seinen Höhepunkt erreichte – die erste Bürgerkomödie „Miss Sarah Sampson“ entstand, ein neues Genre der Zeitschriftenkritik entstand in „Letters on Modern Literature“, die Arbeit an einer innovativen Abhandlung über Ästhetik, Laokoon, begann.

Die russische Kultur war noch dabei, mit der europäischen Aufklärung Schritt zu halten, während die deutsche Kultur zu dieser Zeit einen gewaltigen Sprung in Richtung neuer Ideen und Themen machte, noch vor dem französischen und englischen Denken, das sie nährte. Dieser Durchbruch gelang Lessing.

Für die russischen Leser und Zuschauer der 1760er und 1770er Jahre blieb Lessing ein Komiker und Moralist, doch bekannter wurde er vor allem als Fabulist, der die alte Tradition der Prosa, Fabeln und Gleichnisse aktualisierte. „Lessing ist ein bedeutungsvoller Fabelnschreiber, den man den deutschen Äsop nennen kann“, berichtete 1791 die Zeitschrift „Lesen für Geschmack, Vernunft und Gefühle“, denn, wie es dort hieß, „behalten deutsche Schriftsteller noch immer einen ein paar einfache Moralvorstellungen.“ Inzwischen waren bereits zehn Jahre vergangen, seit Lessing starb, nachdem er die schwierigen Sitten seines Vaterlandes gekostet hatte.

Lessings Fabeln wurden umfassend übersetzt und in russischen Zeitschriften veröffentlicht, und 1816 wurden sie separat veröffentlicht. Sie wurden von V.A. betreut. Schukowski. Sie werden auch in Zukunft weiterhin übersetzt. Unübersetzt blieb jedoch Lessings Abhandlung „Diskurse über die Fabel“, die eine neue Sicht auf dieses Genre zum Ausdruck brachte und die Keime der Lehre von Typizität und Symbolik in der Literatur enthielt.

In einem von Lessings erstem Übersetzer A. A. Nartov vorgeschlagenen übersetzten Artikel wurden nebenbei „Briefe zur zeitgenössischen Literatur“ erwähnt, obwohl der dort genannte 152. Brief nicht von Lessing stammte. Und andere Materialien mit Bezug zu Lessing erreichten russische Leser als Teil übersetzter Texte. So wurde sein Plan für ein Theaterstück über Faust aus dem Vorwort zur „Bibliothek deutscher Romane“, übersetzt von Wassili Lewschin (1780), und aus der Übersetzung des berühmten Werkes des Pfarrers I. F. Jerusalem zur Verteidigung der deutschen Literatur aus der Zeit bekannt Durch den Spott Friedrichs II. erfuhren wir zunächst davon, dass Lessing, „da er noch nicht in Italien gewesen war, allein nach den vollkommenen Saatgut- (d. h. altgriechischen) Kenntnissen, eine Diskussion über Laokoon verfasste ...“ Hier wird auf eine wirklich interessante Tatsache hingewiesen: Lessing analysierte die Merkmale der spätantiken Skulpturengruppe „Der Tod des trojanischen Priesters Laokoon mit seinen Söhnen“, ohne sie zu sehen und sich nur von ihrer grafischen Darstellung leiten zu lassen.

Aber im Allgemeinen konnten sich Lessings russische Zeitgenossen schon bald nach seinem Tod ein Bild von seinen Verdiensten machen. In der Zeitschrift „Growing Grapes“ wurde Lessing als einer derjenigen bezeichnet, die die deutsche Literatur von der Nachahmung der französischen befreiten,5 – ein Problem, das auch für die russische Literatur relevant ist. Einige Jahre später (1789) nannte der junge Nikolai Karamzin selbstbewusst die Namen Lessing, Goethe und Schiller als Reformatoren des deutschen Theaters und verwies auf den Berliner Pädagogen F. Nikolai als letztes überlebendes Mitglied des berühmten Triumvirats, „einen Freund“. von Lessingov und Mendelzonov.“

In der Geschichte der Lessing-Wahrnehmung in Russland ist seine „Karamzin“-Periode von großer Bedeutung. Karamzins Übersetzung von Lessings Ziviltragödie „Emilia Galotti“ (die erste Version der Übersetzung stammt aus dem Jahr 1786, die zweite aus dem Jahr 1788) brachte sie auf die russische Bühne. 7 Es war auch ein großes Ereignis in der Geschichte der russischen Theaterästhetik. Es erschien eine Probe eines psychologischen Dramas, und im Vorwort zu seiner Veröffentlichung und in der späteren Rezension des Übersetzers wurde die Frage nach der künstlerischen Wahrheit aufgeworfen. Wahrhaftigkeit bedeutete für Karamzin wie für Lessing die Natürlichkeit der Gefühle und Verhaltensweisen der Schauspieler. „Die Natur gab ihm ein lebendiges Gefühl für die Wahrheit“, sagte Karamzin über die Autorin von „Emilia Galotti“. 8 Die von Lessing herausgegebene Theaterzeitschrift „Hamburg Drama“ war Karamzin aller Wahrscheinlichkeit nach gut bekannt.

Karamzin war der erste, der Lessing als einen Literaturkritiker neuen Typs bezeichnete. In einer polemischen Anmerkung zum Artikel „Über das Urteil von Büchern“ erklärte der Herausgeber des „Moscow Journal“, dass das Zitat aus dem Evangelium „Richte nicht, damit du nicht gerichtet wirst“ auf das Genre der Rezensionen nicht anwendbar sei. „Aber wollen Sie wirklich, dass es überhaupt keine Kritik gibt? - er wandte sich an seinen Gegner und brachte ein unwiderlegbares Argument vor: Was war dreißig Jahre zuvor deutsche Literatur und was ist sie heute? Und lag es nicht auch an der scharfen Kritik, dass die Deutschen anfingen, so gut zu schreiben?“ Und auf die Worte, dass „der Wunsch, die Werke anderer zu beurteilen, schon immer die Nahrung kleiner Geister war“, antwortete Karamzin: „Lessing und Mendelssohn beurteilten Bücher, aber kann man sie als kleine Geister bezeichnen?“

Gotthold Ephraim Lessing ist ein berühmter deutscher Schriftsteller, Dichter, Dramatiker, Kunsttheoretiker, Literaturkritiker und eine der größten Persönlichkeiten der europäischen Literatur der Aufklärung. Er erlangte den Status des Begründers der deutschen klassischen Literatur; Lessing zusammen mit Schiller und I.V. Goethe wird zugeschrieben, Werke von einem solchen Niveau geschaffen zu haben, dass ihre Zeit später als das goldene Zeitalter der Nationalliteratur bezeichnet werden sollte.

Am 22. Januar 1729 wurde er in die Familie eines lutherischen Pfarrers hineingeboren, der in Kamenz (Sachsen) lebte. Nach dem Schulabschluss zwischen 1746 und 1748. Gotthold Ephraim war Student an der Universität Leipzig (Theologische Fakultät) und interessierte sich mehr für Theater und antike Literatur als für akademische Disziplinen. Er beteiligte sich aktiv an den Aktivitäten der Theatertruppe Caroline Neuber, die später die Komödie „Der junge Wissenschaftler“ inszenierte, Lessings dramatisches Debüt.

Nach seinem Universitätsabschluss lebte er drei Jahre in Berlin, ohne eine spirituelle oder wissenschaftliche Karriere anzustreben und Kunstwerke zu schreiben (zu diesem Zeitpunkt umfasste sein kreatives Gepäck bereits mehrere Komödien, die ihn ziemlich berühmt machten, sowie Oden, Fabeln, Epigramme usw.), Übersetzungen, Literaturkritik (arbeitete als Rezensent mit der Berliner Privilegierten Zeitung zusammen).

Ende 1751 setzte Gotthold Ephraim Lessing seine Ausbildung an der Universität Wittenberg fort, erhielt ein Jahr später den Magistertitel und zog erneut in die Hauptstadt. Der Schriftsteller vermied grundsätzlich jeglichen offiziellen Dienst, auch sehr einträgliche, da er darin eine Bedrohung seiner Unabhängigkeit sah, und lebte lieber von gelegentlichen Honoraren. Im Laufe dieser jahrelangen Arbeit hat er sich Glaubwürdigkeit als Meister des künstlerischen Ausdrucks und brillanten Kritiker erworben, der sich durch Objektivität und Einsicht auszeichnet. Im Jahr 1755 wurde seine neue Idee veröffentlicht – die Prosa „Miss Sarah Sampson“ – das erste „Spießbürger“-Familiendrama in der Nationalliteratur, das ihn wirklich berühmt machte. Zusammen mit anderen Werken, darunter auch kritischen und wissenschaftlichen, wurde es in die sechsbändigen Werke aufgenommen. Den Status eines Führers der nationalen Publizistik erlangte Lessing durch Veröffentlichungen in der von ihm und seinen Kameraden gegründeten Literaturzeitschrift „Briefe zur modernen Literatur“ (1759-1765).

Während 1760-1765. Lessing war Sekretär des preußischen Generals Tauentzin, Gouverneur von Schlesien, und ab 1767 Literaturberater und Kritiker des Deutschen Nationaltheaters (Hamburg). Seine Rezensionen markierten den Beginn einer neuen Periode in der Entwicklung der Theaterkritik. In den Jahren 1767–1768 versuchte Gotthold Ephraim, in derselben Stadt ein eigenes Theater zu gründen, doch die Idee scheiterte. Um ein stabiles Einkommen zu erzielen, bekam Lessing 1770 eine Anstellung als Hofbibliothekar an der Herzoglichen Bibliothek Wolfenbüttel, und mit diesem Ereignis begann ein neuer Abschnitt seiner Biographie, der sich für den Schriftsteller als der moralisch schwierigste erwies. Neun Monate lang in den Jahren 1775-1776. er reiste mit Prinz Leopold von Braunschweig nach Italien und verbrachte die restliche Zeit bis zu seinem Todestag, dem 15. Februar 1781, in dieser Stadt, wo er in der ihn belastenden Position eines Hofbibliothekars arbeitete.

Als radikaler Verfechter der Aufklärung und der menschlichen Vernunft führte Lessing einen unversöhnlichen Kampf gegen das kirchlich-orthodoxe Dogma, die Ideologie des Absolutismus, und sah in einer demokratischen Nationalkultur ein Mittel, um dem Feudalismus, der politischen Zersplitterung des Staates und der Klassenherrschaft ein Ende zu setzen und andere Vorurteile. Seine Werke sind vom Pathos dieses Kampfes erfüllt, zu den bekanntesten zählen „Emilia Galotti“, „Nathan der Weise“, „Minna von Barnhelm“ und andere.