German Metelev: jeta pas vdekjes. German Metelev: jeta pas vdekjes Mjeshtri për mjeshtrin

Metelev gjerman Seliverstovich
(1938-2006)

Piktor, monumentalist, grafist, artist i teatrit dhe filmit, skulptor. Anëtar i Unionit të Artistëve të RSFSR. Artist i nderuar i Rusisë. Fituesi i çmimit me emrin. G.S. Mosin (1995) dhe Çmimin e Guvernatorit të Rajonit Sverdlovsk "Për arritje të jashtëzakonshme në fushën e artit" (1999). Artist i nderuar i Rusisë (2003). Mori pjesë në më shumë se 150 ekspozita.

Shumica e veprave të tij mahniten me mjeshtërinë e tyre të teknikave të pikturës dhe ato janë të mbushura me kuptime specifike kuptimplota. Artisti është besnik në detyrën e tij kryesore: afirmimin e vlerave kryesore të jetës, formulimin e problemeve universale njerëzore. G. Metelev - artist-filozof.

Punimet e artistit gjenden në muzetë në Yekaterinburg, Chelyabinsk, Chita, Vladivostok, Orenburg, Perm, Kurgan dhe në koleksione private në Rusi, Zvicër dhe Çekosllovaki.

Më shumë rreth artistit:

Lindur në 1938 në Sverdlovsk.

Piktor, monumentalist, grafist, artist i teatrit dhe filmit, skulptor. Më 1957 u diplomua në Shkollën e Artit Sverdlovsk, në 1963 në Institutin e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës. I.E. Repin në Leningrad.

Nga viti 1964 deri në 1966 punoi në një punëtori krijuese nën drejtimin e mësuesit V. M. Oreshnikov.

Që nga viti 1964 ka marrë pjesë në ekspozita vendase dhe ndërkombëtare

(më shumë se 150 ekspozita, 5 prej tyre personale).

Që nga viti 1966 - anëtar i Unionit të Artistëve të Rusisë. Është vlerësuar vazhdimisht me diploma nga Ministria e Kulturës, laureat i çmimeve me emër. G. S. Mosin, laureat i Guvernatorit të Rajonit Sverdlovsk për një seri pikturash
“Cikli mitologjik dhe biblik”.

Në vitin 2003 iu dha titulli "Artist i nderuar i Rusisë".

Në vitin 2008, në Yekaterinburg u krijua një kompozim bronzi "Qytetarët". Biseda” e skulptorit Andrei Antonov, përfshinte Misha Brusilovsky, German Metelev dhe Vitaly Volovich.

Rruga për t'u bërë artist

Herman vendosi herët për aktivitetet e tij të ardhshme. Në moshën dhjetë vjeç ai hyri në një shkollë artistike për fëmijë. As atëherë nuk kishte dyshim se “pas klasës së shtatë do të shkonte vetëm në shkollën artistike. Pas pesë vitesh studimi - vetëm në institut. I. E. Repin, në Leningrad. Në shkollën Sverdlovsk mësuesit e tij ishin të rreptë dhe

me përvojë F. Shmelev; i ri, sapo u kthye në qytet pasi studioi në Institutin e Artit në Kharkov A. Kazantsev, i cili kaloi luftën S. Bochkarev. Mësimet e tyre ndikuan ndjeshëm në rritjen dhe zhvillimin profesional të Herman. Këtu ai takoi gruan e tij të ardhshme, Zoya Malinina, e cila studionte dy vjet më e re.

Një hap i rëndësishëm në jetën e artistit ishte Instituti i Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Leningrad me emrin I. E. Repin - Akademia e famshme e Arteve, ku Metelev hyri pas mbarimit të kolegjit. Ai studioi në degën e pikturës, ajo studioi në departamentin e teatrit dhe skenografisë, mësuesi i tij ishte piktori i famshëm i Leningradit V. Oreshnikov, i saji ishin M. Bobyshev dhe O. Segal, të cilët u bënë të famshëm në vitet para-revolucionare.

Artisti në qytet: orientimi në zonë

German Metelev u kthye në Sverdlovsk në 1967 dhe rizbuloi Sverdlovsk, duke kryer një lloj "orientimi artistik në zonë". Ai e shqyrton qytetin nga lart, sikur rri pezull mbi të me pëllumba dhe një aeroplan ("My Sverdlovsk", 1968): Meteogorka e njohur prej kohësh, kulla televizive, katedralja në Green Grove, ndërtesa banimi dhe fabrika me rryma tymi. varur mbi to - gjithçka jeton dhe merr frymë energji, "duke u rritur" në qiell, duke u përdredhur në spirale dinamike. Artisti e sheh qytetin në ritmet dinamike të ndërtimit, në ndryshim dhe zhvillim të vazhdueshëm. Vajzat e tij piktore (“Piktorët”, 1978), “fluturojnë lart” nën retë me bojëra dhe rula, “rri pezull” mbi tokë në kabinat e punës, si në avion, ndërsa vazhdojnë të pikturojnë pa frikë gjithçka, madje edhe kasafortën e parajsës. .

Sverdlovsk im. Meteogroka

Megjithatë, për gjerman Metelev, qyteti nuk është vetëm një mjedis krijues, por shpeshherë një metaforë e mungesës së lirisë, madje edhe e dhunës ndaj njeriut dhe natyrës. Prerja sezonale e pemëve ("Pranvera", 1969) është një procedurë e dhimbshme për të shkatërruar "tepricën". Duke sharruar dhe prerë çmendurisht degët e tepërta të pemëve, punëtorët e veshur me uniforma blu, të gjithë të veshur me të njëjtën fytyrë, me poza dhe gjeste groteske, na kujtuan në mënyrë të pavullnetshme se censura ishte bërë sërish më e ashpër që nga fundi i viteve '60.

Pranvera

Në oborr

Metamorfozat e jetës së përditshme

Në pikturën e Metelev në fund të viteve '60 dhe '70, "tema e punës" zinte një vend të spikatur. Metelev e donte punën dhe zanatin si një nevojë natyrore njerëzore, prandaj interpretimi i tij i motiveve të tilla nuk përshtatej në kuadrin e kanuneve realiste socialiste, duke shkaktuar shpesh refuzim.

Piktura me titull neutral "Mëngjesi i punës" (1969) u "refuzua" nga komiteti i ekspozitës së një prej ekspozitave republikane. Përbërja rrethore, që pohon pashmangshmërinë e ciklit të jetës së përditshme, përfshin punëtorë me tuta standarde dhe xhupa të mbushur me tegela me cigare dhe gazetën Pravda në duar dhe një artist me kavalet. Nga ky rreth bie vetëm drita, sikur figura “shkëlqyese” e nënës dhe foshnjës.

Puna në mëngjes

Transformimet groteske, si dhe liritë dhe surprizat e tjera në pikturën e gjerman Metelev të viteve '70 janë pjesërisht për shkak të faktit se teatri ishte një pjesë e madhe e jetës krijuese të artistit në këto vite.

Transformimet teatrale

Teatri hyri në jetën dhe punën e Metelev falë gruas së tij Zoya Aleksandrovna Malinina (1936-2011), një skenograf i shkëlqyer që punoi për shumë vite në Teatrin Sverdlovsk për spektatorë të rinj. Vëllimi i punës në teatër ishte aq i madh sa shpesh e gjithë familja punonte për shfaqjen.

Teatri si motiv komploti dhe teatralizimi si teknikë artistike u përfshinë në krijimtarinë e tij të kavaletit. Programi ishte filmi "Teatri" (1969) - një "anatomi" romantike e teatrit, duke demonstruar qoshet e tij të mbyllura, banorët e tij të çuditshëm dhe atmosferën dramatike. Qendra semantike dhe kompozicionale e figurës është skena e ndriçuar në të cilën luhet komedia e Goldonit "Shërbëtori i dy zotërinjve". Dhe përreth, si në shenjat dalluese të një ikone hagiografike, ka zhurmën e përditshme të teatrit, provat, prodhimi dhe instalimi i peizazheve, ndërrimi i rrobave, kontrolli i punës së dritave, provat e orkestrës, bërja e parukeve, biletat, portieri i teatrit, etj.

Teatri

Jeta e artistit

Njohja e Uraleve

Përmes një bote unike objektesh, një peizazhi unik dhe mitologjisë lokale, artisti arriti një "njohje" të thellë të Uraleve. Nga legjendat për Brezin e Gurit dhe thellësitë e tij malore, lindën legjendat piktoreske të mjeshtrit. Njëra prej tyre - për sekretin e krijimit të kristaleve me një strukturë ideale nga një kaos shumëngjyrësh formash - është paraqitur në filmin "Lindja e një kristali" (1976-1988). Kohëzgjatja e punës mbi të dhe paplotësia themelore e përbërjes gjysmë abstrakte flasin si për rëndësinë e temës për Metelev ashtu edhe për vështirësitë e zgjidhjes së saj plastike, të cilat autori nuk i ka kapërcyer plotësisht.

Zlatoust

Ural "Centauriada"

Në fund të viteve '60, në veprën e artistit, i cili dukej se e perceptonte botën përreth tij mjaft realisht, u shfaqën personazhe me pamje të çuditshme - centaurët, shoqëruesit e dhunshëm dhe të paqëndrueshëm të Dionisit, të cilët jetonin në male dhe pyje, mitologjia greke. - mishërimi i lumenjve dhe përrenjve malorë.

Për herë të parë, centaurët e Metelev u "materializuan" në grafikë (gdhendje "Centaurs dhe një grua", 1969), pastaj në pikturë ("Skena Familjare", 1970; "Centaurs dhe Amazon", 1975).

Skena familjare

Komploti mitologjik klasik "Gjykimi i Parisit" zuri një vend të veçantë në veprën e Metelev. Filmi me të njëjtin emër përmban reflektime mbi njeriun, historinë, kohën, kompleksitetin e zgjedhjes personale, bukurinë e "tokësore dhe qiellore" dhe shumë më tepër. Rivaliteti i perëndeshave paraqitet si një garë midis idealeve të ndryshme të bukurisë, pikëpamjeve estetike të kundërta, të mishëruara në forma artistike të kundërta. "Gjykimi i Parisit" është një nga veprat që artisti pikturoi për një kohë veçanërisht të gjatë (1970-1987) - për të, një pikturë është gjithmonë një rrugë zbulimesh, zhgënjimesh dhe zbulimesh.

Gjykimi i Parisit

Më 7 shkurt, në Muzeun e Arteve të Bukura (Vaynera, 11) do të hapet një ekspozitë kushtuar 70-vjetorit të lindjes së gjerman Metelev.

Ndoshta, unë kam qenë pothuajse i vetmi gazetar që kam bërë materiale të mëdha dhe të detajuara për German Metelev në vitet e fundit të jetës së tij. Nuk e di pse ndodhi kjo. Edhe pse mbaj mend një incident: një fotograf ngarkoi në kompjuter fotografitë e tij të bëra gjatë një interviste, redaktori i shqyrtoi ato në mënyrë kritike dhe i pyeti: "Çfarë njeriu i pastrehë është ky?" Diçka nuk është comme il faut, kapela është e vjetër, mjekra është e çrregullt, ne kemi një format pak më ndryshe dhe heronjtë duhet të jenë më të prezantueshëm.” Teksti u mbrojt atëherë, por fakti është tregues. Ja si është: të njëjtat "kapele të paparaqitshme" vetëm sa i shtuan hijeshi imazhit të plakut Bukashkin, i cili dinte ta kthente edhe leckën e fundit në një "çip" fitues. Por German Seliverstovich ishte ndryshe, ai kujdesej pak për të jashtmen, për paraqitjen e vetes (çizmet prej pëlhure që mbante në punishte nuk llogariten). Metelev besonte se veprat e tij duhet të flisnin për artistin. Dhe se truket shtesë nga ana e autorit nuk do ta bëjnë më të kuptueshëm dhe më të kuptueshëm “të folurit” e krijimeve të tij. Në kohët moderne, kur fjala "vetëpromovim" mësohet në kopshtin e fëmijëve, pozicioni nuk është më fitimprurës. Për më tepër, jo çdo artist është i pajisur me artin e një menaxheri. Kështu doli që për disa kohë mjeshtri i madh ra jashtë “klipit informativ”, i cili megjithatë është më shumë tregues i profesionalizmit të njerëzve që formojnë këtë “klip”. Ndërkohë, fotografia e botës që zhvillohet rreth këtij personi është praktikisht e lirë nga goditjet e rastësishme. Kjo nuk ndodh shumë shpesh dhe flet për një nivel personaliteti krejtësisht të ndryshëm nga ai i njerëzve të thjeshtë.

NUK ËSHTË RAST: Punëtoria e German Metelev në Autostradën Siberiane ndodhej pranë postave të rojeve të këtij qyteti. Ai vetë, pa presion dhe përpjekje të bezdisshme, u bë Ruajtësi i vërtetë i Yekaterinburgut, përshkroi me saktësi karakterin e tij të ashpër, kapi dhe mishëroi thelbin e tij në veprat e tij. Ai e përgjithësoi atë dhe, në veprat e tij më të mira, e ngriti në një univers artistik absolut, që do të thotë - ai llogariti në përjetësi për çdo rob Demidov, për çdo punëtor të Uralmashit, Elmashit, Tyazhmashit, për të gjithë ata që "me mundin e tyre" krijuan atë që jemi mësuar të përdorim pa pyetur emrat e krijuesve. German Metelev i shmangu fjalët "krijimtari", "frymëzimi" dhe e konsideronte zanatin si bazën e gjithçkaje; ai ishte Zejtari i Madh i Artit. WORKSHOP-i i tij nuk mund të quhej studio. Asnjë rrëmujë artistike e organizuar me kujdes. Gjendja e punës: makineri, hekur, kudhëra, bobina teli, furça, paleta, tuba bojë. Ka një Darkë të Fundit të papërfunduar në kavalet dhe një shishe birre e hapur në dysheme. Nëse dikush dëshiron të thotë se vitet e fundit gjermani Seliverstovich ka abuzuar, le t'ju kujtojmë: grekët e lashtë kishin një zot të tillë Silenus, i cili gjithashtu abuzonte. Por siç thekson Sokrati, kishte një sekret në shumë prej figurave të Silenusit. Për të iniciuarit. Rezulton se figurina e perëndisë u hap dhe aty - si në një rast - ishte fshehur një tjetër - një e vërtetë, prej ari të pastër. Dhe sytë e German Seliverstovich ishin shumë të gjallë, të vërtetë. Dhe gjithmonë kisha frikë se brenda pak kohësh do të dashurohesha dëshpërimisht me të, si një vajzë, sepse është e pamundur të mos dashurohesh. Dhe një falënderim i madh personal për Tatyana Yuryevna Egereva, drejtoreshë e ankandit të artit "Dita e Tatyana", e cila mori mundimin për të ruajtur kujtimin e këtij personi të mrekullueshëm. Dhe monumenti i tre artistëve (Brusilovsky, Metelev dhe Volovich), për krijimin e të cilit ajo bën çdo përpjekje, do të jetë monumenti i parë me të vërtetë i gjallë dhe human për qytetin tonë.
Më poshtë, pa shkurtime, jap një intervistë me German Seliverstovich, nga e cila zakonisht botoheshin vetëm pjesë, sepse "kujt i intereson se çfarë mendoi për artistin Ge dhe në përgjithësi - botimi ynë ka nevojë për diçka më të thjeshtë".

GJERMAN METELEV (INTERVISTË 2004)
DOSJE
Lindur më 21 shkurt 1938, në Sverdlovsk, në një familje punonjësish.
Në vitin 1952 mbaroi shkollën e mesme nr.8. U mor seriozisht me vizatimin (hyri në shkollën e artit) në moshën 10-vjeçare.
Në vitin 1957 u diplomua me nderime në Shkollën e Artit Sverdlovsk.
Në vitin 1963 mori një diplomë nga Instituti i Leningradit me emrin Repin (para revolucionit, Akademia e famshme e Arteve), me specialitet artist-piktor. Puna e tij e diplomës - piktura "Pranvera", e cila përshkruante gruan e tij Zoya të ulur me një karrocë fëmijësh në një shesh të lagur nga dielli, u botua në revistën e bashkimit "Ogonyok" në 1964.
Nga viti 1964 deri në vitin 1966 ai punoi si artist në punëtorinë krijuese të Viktor Oreshnikov (në Leningrad)
Që nga viti 1966 - anëtar i Unionit të Artistëve. Mori pjesë në më shumë se 150 ekspozita. Është e vështirë të përmendet numri më i saktë i tyre, ashtu si numri i përgjithshëm i punimeve. Ai bën shaka se ka qenë gjithmonë në kundërshtim me statistikat.
Në vitin 1973 u nderua me distinktivin “Fitues i Konkursit Socialist”, dhe në vitin 1986 me medaljen “Për dallimin e punës”.
Në vitin 1995 ai u nderua me çmimin e Galerisë Esther me emrin Mosin.
Në vitin 1999 ai u bë laureat i Çmimit të Guvernatorit.
Në 2003 - mori titullin Artist i nderuar i Rusisë
Gruaja e tij Zoya Alexandrovna është një artiste. Vajza Anna është një artiste.

AUTORITETET
- Shkrimtari juaj i preferuar?
- Dante. Unë jo vetëm që lexoj, mendoj vazhdimisht për të dhe përpiqem të ilustroj Komedinë Hyjnore. Ky lexim vazhdon prej shumë vitesh. Dhe sot e kësaj dite Danten e konsideroj të palexuar deri në fund. Kam lexuar edhe Biblën. Këta janë librat e mi të referencës, të cilët më kanë munguar shumë kur isha i ri.
- Artisti i preferuar?
- Nikolai Nikolaevich Ge është një artist i mrekullueshëm me një fat shumë misterioz. Ai u diplomua në Akademinë e Arteve me një shkëlqim të mahnitshëm. Por puna e tij e mrekullueshme e diplomës nuk ishte ende punë e një masteri - studenti. Dhe pastaj ai thjesht u zhduk për një kohë. Një student i Akademisë, një i ri me një karrierë të mirë, filloi të kërkonte një rrugë krejtësisht të tij. Dhe seria e tij e veprave për Krishtin tronditi të gjithë dhe për një kohë të gjatë thjesht u ndalua. Jam dakort me Ge qe njeriu duhet te shkruash jo per qejf, jo per qejf, por per te gjetur veten dhe per t'i rezistuar vulgaritetit te botes.

"ËSHTË GJITHMONË E FRIKSHME TË PUSHTOSH TERRITORIN E NJË SHPIRT"
-Ndër veprat tuaja ka shumë autoportrete, në çfarë rrethanash lind nevoja për t'iu drejtuar këtij zhanri?
- Kur ndodh ndonjë ngjarje ose brenda meje ose jashtë. Por unë nuk e trajtoj një autoportret sikur të ishte imazhi im. Ky nuk është vetë-admirim, por një FOTO. Unë vizatoj (ose shkruaj - këtu nuk ka rëndësi) vetë në një situatë ku personazhi kryesor janë rrethanat, një gjendje e shtrirë me kalimin e kohës. Dmth e shikoj veten të shkëputur, si modele.
-Ju është dashur të bëni portrete me porosi?
- Jo më shumë se 2 herë në jetën tuaj. Unë e trajtoj këtë me shumë kujdes, ka diçka mistike këtu dhe shkrimtarët e mëdhenj e kanë kuptuar mirë këtë. Mos harroni, "Lëkura Shagreen" e Balzakut, "Portreti" i Gogolit dhe "Pamja e Dorian Greit" e Oscar Wilde. Është gjithmonë e frikshme të pushtosh territorin e shpirtit të dikujt tjetër. Edhe nëse çështja nuk ka të bëjë me një portret të porositur, por me një person të zakonshëm.
- Dhe pse janë ulur?
- Para së gjithash, në procesin e punës ju, në një mënyrë apo tjetër, komunikoni me këtë person, fati i tij fillon të prekë ju. Por nuk bëhen aq lehtë modele, janë gjithmonë njerëz me fat të vështirë, më së shpeshti me avari. Dhe ju, dashje apo s' do filloni të merrni pjesë në këtë.

"FOTO ËSHTË RRUGA"
- German Seliverstovich, sa kohë keni që punoni për pikturën?
- Për një kohë të gjatë, ndonjëherë 15 vjet. Në fund të fundit, fotografia është rruga. Rruga e përfundimeve, zbulimeve, zhgënjimeve, zbulimeve. Për ta bërë më të qartë për ju, imagjinoni: një pelegrin është duke ecur, le të themi, nga Yekaterinburg në Jerusalem, sa shumë do të shohë gjatë rrugës, sa shumë do të ndryshojë mendje. Përveç kësaj, kur punoni në një pikturë, ju duhet një pauzë, e lini për një kohë, pastaj ktheheni, nuk ju pëlqen - kjo do të thotë se është e mirë, kjo do të thotë se ka diçka të vërtetë në të.
- Ku fillon zakonisht puna?
- Kjo nuk është domosdoshmërisht një skicë, ndonjëherë është një lloj mendimi në një fletore, ndoshta edhe disa fjalë.
- Marrëdhënia juaj me bojën? Me çfarë përdorni për të punuar - një furçë, një thikë palete?
- Mjeti kryesor është dora. Dhe një gjë tjetër: nuk më pëlqen të heq bojën e tepërt nga kanavacë. Një profesionist i vërtetë duhet të ecë përpara hap pas hapi, dhe po, "hap pas hapi". Në fund të fundit, pikturat e të mëdhenjve, të cilat të gjithë i admirojnë sot, janë para së gjithash të punuara saktësisht nga pikëpamja teknologjike. Një gjë që ka mbijetuar disa shekuj - kjo është cilësi. Dhe sot po restaurohen punimet e përfunduara dje.

“ËSHTË E PAMUNDUR TË FLASË PËR ART DHE MOS TË FLISË PËR Mjeshtëri”
- Domethënë, një artist i vërtetë duhet të jetë një mjeshtër i mirë?
- Domosdoshmërisht. Talenti biologjik nuk mjafton. Duhet një shkollë. Është e pamundur të flasim për art dhe të mos flasim për zanat. Një artist, në kuptimin e dikujt, është diçka kalimtare, e frymëzuar, lundruese. Por në fakt është një kalë bartës.
- Nuk ju pëlqen fjala "frymëzim"?
- I shmang fjalët e mëdha: krijimtarinë dhe frymëzimin. Është e gjitha punë. Fati i njeriut është të punojë. Të bëjë mirë biznesin me të cilin është i zënë - çdo biznes. Nga ky këndvështrim, nuk ka frymëzim. Ka një parandjenjë, por udhëtimi zgjat me vite.
-Ke pasur ndonjëherë ndonjë dyshim për domosdoshmërinë e asaj që po bën?
- Një njeri pa dyshim është budalla, një person i mposhtur nga dyshimet nuk është profesionist. Si të kaloni midis kësaj skile dhe karibdive?
- A është e lehtë të ndahesh nga pikturat?
- E vështirë. Kjo është pasqyra ime e pasme. Çuditërisht, kam shumë për të mësuar nga pikturat. Ata duhet të testohen për forcë, teknikisht dhe emocionalisht. Përvoja e shitjes në duar private është veçanërisht e vështirë kur blerja e muzeve është disi më e relaksuar.
- Sa i lirë jeni në film?
- Një foto e një krijese të gjallë me reagimet e veta...
- Nëse nuk do të ishit artist, çfarë mund të bënit tjetër?
- Do të isha furrxhi, mekanik ose marangoz, do të punoja me metal.

“TANI JAM NË KURSI 55”
- Si e nisët të pikturoni?
- këmbënguli gjyshja. Ajo ishte shumë e shqetësuar, donte të më shpërqendronte nga rruga, nga shoqëria e hajdutëve. Ishte një kohë e vështirë, e pasluftës, 1948. Shkatërrim, uri, letra. Madje luajtëm një lojë lufte me shokët tanë me armë të vërteta ushtarake dhe disi gjetëm edhe një mortajë.
- Ku e keni parë foton e parë që ju ka tronditur?
- Ishte "Mësimi muzikor" i mësuesit tim Oleg Germanovich Melentyev. Një vajzë me një violinë në një përparëse të bardhë, dhe dielli nga dritarja. Dhe është e panevojshme të them, unë isha i mahnitur nga mësuesi. Dhe ai, me sa duket, pa diçka tek unë, tek një djalë i vogël, dhe më ftoi në shtëpinë e tij. Aty pashë për herë të parë një pikturë të vërtetë, në një kavalet të vërtetë, ishte e mbuluar me një copë leckë. Kur Oleg Germanovich hapi kanavacën, duart i dridheshin. Shumë nga mësuesit tanë në atë kohë sapo ishin kthyer nga fronti dhe puna me ne ishte një mënyrë mbijetese për ta. Komunikimi me fëmijët më ndihmoi të vij në vete dhe të vazhdoj një jetë të qetë. Ajo që më befasoi më shumë te këta njerëz, të cilët lufta i kishte gjymtuar si mendërisht ashtu edhe fizikisht, ishte se ata arritën të ruanin një lloj butësie të shtuar, fijet më të holla të zemrave të tyre.
- Sa kohë ju është dashur për të zotëruar aftësinë?
- Në moshën 10-vjeçare hyra në shkollën e artit dhe vazhdoj të studioj. Zakonisht them se tani jam në vitin e 55-të. Një artist duhet të mësojë vazhdimisht, përndryshe ai nuk është artist.

"YEKATERINBURG - Djaloshi i përjetshëm"
- Pas mbarimit të Akademisë, ju patë mundësinë të qëndroni në Leningrad, pse nuk e bëtë këtë?
- I jam shumë mirënjohës Leningradit. Aty kalova një pjesë fantastike të jetës sime, por kurrë nuk kisha ndërmend të qëndroja atje përgjithmonë. Ky qytet është i vdekur në thelbin e tij të brendshëm, si çdo fenomen i stilit të madh, i sjellë në fundin e tij logjik. Një vdekje kaq e bukur.
- Dhe Moska?
- Moska jeton me një ligj tjetër - ligji i një fshati të madh. Dhe Ekaterinburgu është një djalë i përjetshëm. Ai ka ende gjithçka përpara, dhe ndoshta kjo është arsyeja pse ai është afër meje.
- Cilat vende në Yekaterinburg ju pëlqejnë veçanërisht?
- Po, kjo punëtori. Në fund të fundit, këtu është posti, fillimi i Siberisë. Më kujtohen shtyllat që dikur qëndronin këtu. Dhe Autostrada Siberiane është një rrugë e drejtpërdrejtë që përshkon të gjithë Rusinë, si përmes Moskës dhe Tomsk. Një herë, si artist, vura në skenë një shfaqje në Tomsk, dola në autostradën Siberiane dhe mendova: këtu janë 2000 metra në një vijë të drejtë - dhe unë jam në shtëpi. Më pëlqen edhe Meteogorka, rruga Mamin-Sibiryak, sepse fëmijërinë time e kalova atje.
- Ndoshta ka disa monumente që ju pëlqejnë veçanërisht?
- Po, unë vetë jam tashmë një monument, kaq shumë ka ndryshuar këtu nën mua. Këtu, përballë universitetit, qëndron Yakov Mikhailovich, ku tregon gishtin, dikur ishte një sallë birre në formën e një rotonde, e quajtur "Amerikane", dhe pranë saj është një furrë buke, ku gjatë luftës. Unë qëndrova në radhë për bukë në 6 të mëngjesit. Dhe në faqen e vetë Universitetit kishte një punishte qepëse ku bënin uniforma ushtarake, nëna ime ishte përgjegjëse për këtë punishte dhe unë kalova shumë kohë duke e pritur në një kuti të madhe me lecka. Për mua, lufta është, para së gjithash, një luftë në të pasme, lodhje, uri dhe durim i pakufi i njerëzve që më rrethojnë.

NJË PIKE NUK BIEN SHI
- Si e gjetët "pushimin e madh të epokave"?
- E veçanta e profesionit të artistit është se ky profesion ka qenë gjithmonë i lirë. Unë nuk jetoja nga parapagimi deri në ditën e pagesës, si të gjithë qytetarët sovjetikë, por me fondet që fitova në një vit, dhe më pas i shpërndava. Pra, nuk ka ndryshuar shumë për mua.
- A ju mjaftonte gjithmonë ajo që fitonit?
- Unë jam një person modest financiarisht. Për më tepër, unë jam pranuar gjithmonë me dëshirë në ekipet që punonin me porosi të mëdha. Gjatë socializmit kishte urdhëra të mëdha dhe serioze. Diku në fund të viteve 70, Andrei Antonov dhe unë punuam në dekorimin e cirkut. Kemi punuar shumë, në skela, duart po na ngrijnë, po na ngrijnë mendimet, po na bie saldimi nga lart, po zhurmohet. Por kur numëruan paratë, zbuluan se kishin fituar një shumë të mirë dhe i kishin sjellë të ardhura ndërmarrjes. Dhe projekti u mbikëqyr nga Yeltsin. Shpesh na thërrisnin tek ai me fjalët: "Artistë, te operativët". Zbritëm nga skelat dhe ecëm ashtu siç ishim, me helmeta. Dhe ne ishim të vetmit që nuk kishim asnjë pyetje. Unë gjithashtu isha shpesh interpretues i projekteve të njerëzve të tjerë, një "skllav" - siç thamë, për shembull, kur dekoroja Pallatin e Rinisë.
- A nuk është e vështirë të jesh "skllav?"
- Punë normale. Unë gjithmonë e kam respektuar autorin kryesor të projektit dhe nuk jam përpjekur ta përmirësoj idenë e tij. E dini si është, secili ka mendimin e vet.
- Pra, puna me porosi nuk ju ka shqetësuar kurrë?
- Jo. Gjëja kryesore është që ajo të bëhet në mënyrë profesionale. Këtu janë holandezët e vegjël, koleksioni i të cilëve ka çdo muze që respekton veten - një shembull i pikturës banale të brendshme, i cili u porosit për kuzhina nga borgjezë të pasur. Edhe një urdhër, por si u plotësua?
- Ju jeni pranuar herët në Unionin e Artistëve. Ndërkohë, ka artistë mjaft profesionistë që nuk bashkohen aty, cila sipas jush është arsyeja për këtë?
- Kjo është, së pari, pamundësia për t'u ndjerë si anëtar i një ekipi dhe ambicie serioze për veten. Për mendimin tim, ky është një pozicion i gabuar. Këtu ka një gjë paradoksale. Si artist synimi im kryesor është të vij tek vetja, por këtë duhet ta bëj në kuadrin e artit bashkëkohor. E ndjej qartë vendin tim në historinë e artit. Çdo pikë ka të drejtën për veten e saj, por vetëm shumë pika bëjnë shi. Unë nuk jam i prirur të mbivlerësoj veten. Po, unë jam një person shumë i aftë, por kam sukses në shumë gjëra me mbështetjen që marr nga miqtë e mi - Unioni i Artistëve, megjithëse nuk shkoj mirë me të gjithë atje.
- A e krahasoni veten me të tjerët?
- Më pëlqejnë sukseset e kolegëve të mi, por ata nuk i tregojnë dështimet e tyre, ashtu si unë.
- A është një person i talentuar i dënuar për vetminë?
- Jo, kam miq të mrekullueshëm.

“BANALITETI ESHTE VLERA MË E MADHE”
- Aftësia për të jetuar në një ekip nënkupton besim te njerëzit?
- Po, u besoj njerëzve. Është një pakicë që tradhton, por edhe unë mundohem t'i kuptoj. Gjithashtu ka gjithmonë një element zilie. E zhduka me punë. Kur punoni, nuk keni zili për asgjë. E gjithë forca emocionale shkon në punë. Përveç kësaj, unë nuk e konsideroj veten rebel. Unë thjesht nuk kam kohë për këtë, dhe kurrë nuk kam. Imagjinoni, një person studion në Akademinë e Arteve (edhe pse në kohën time quhej Instituti i Arteve të Leningradit, por fryma e traditës, aty ruhej një shkollë e madhe dhe e vërtetë), dhe kështu, në vend që të zotëronte aftësinë, një personi fillon të kritikojë gjithçka, të indinjohet me gjithçka. Dhe forcat që i janë caktuar për blerje shpenzohen në negativitet, në luftë. Avantgarda është e mrekullueshme, por vetëm kur shkolla klasike është përvetësuar në perfeksion. Gjëja kryesore që hoqa nga studimet në Akademi dhe që më vonë u konfirmua gjatë gjithë jetës sime: “Banaliteti është vlera më e madhe”.
- Sqaroni ju lutem,
- Në nivelin e pikturës, kjo është një zanat, një bazë themelore: edukimi, durimi, sepse gjithçka tjetër është fantazi, iluzion, kjo është sipërfaqja.
- Megjithatë, është mjaft e vështirë.
- Në rregull: imagjinoni një person që është origjinal çdo minutë, dhe çdo ditë është ndryshe nga një ditë më parë. Dhe çfarë lloj personi është ky? budallallëqe. Keni nevojë për stabilitet, një bërthamë mbi të cilën mbështetet gjithçka tjetër.
- Si do ta përkufizonit stilin në të cilin punoni?
- Unë formova për veten time stilin më të lartë - eklekticizmin. Ky nuk është realizëm në formën e tij të pastër, sepse realizmi në formën e tij të pastër është i frikshëm, eklekticizmi përfshin shpresën.
- Ne cfare kuptimi?
- Për një artist, eklekticizmi është shpresë për mbijetesë. Sepse çdo stil i pastër herët a vonë vjen në vdekje, kjo është arsyeja pse, meqë ra fjala, për mua Leningrad është një qytet i vdekur. Vdekja është kulmi logjik i stilit absolut. Dhe eklekticizmi është një përpjekje për t'u larguar nga kjo rrugë, për të gjetur diçka të re, përmes eklekticizmit aztekët, peshkatarët dhe budallenjtë janë të gjallë në mua. Eklekticizmi është gjithmonë një shpresë për një vizion të ri. Në përgjithësi, kam kuptuar shumë kohë më parë se ka disa artistë të mëdhenj në botë: i pari, artisti primitiv, dhe gjithashtu pluhuri, bora, drita. Pluhuri është thjesht një artist i shquar, qetëson gjithçka, e bën të bukur, si vdekja me shpresën për jetën.
- German Seliverstovich, a je besimtar?
- I pagëzuar si fëmijë, por jo i kishës. Për mua kjo është përgjithësisht një pyetje mjaft e vështirë. Një "ortodoks" është dikush që ka gjithmonë të drejtë, dhe unë nuk kam gjithmonë të drejtë. Ka shumë dyshime të brendshme, dhe ka mjaft edhe të jashtme.

“REALIZMI SOCIAL NUK ËSHTË VARREZA PËR ARTISTËT”
- Cili është raporti juaj me realizmin socialist? Madje keni edhe çmime pune për atë periudhë...
- Realizmi socialist është një fenomen i madh që nuk është kuptuar plotësisht. Kjo nuk është një varrezë artistësh, kjo është një depo e artistëve të pazbuluar dhe e shpirtrave më të mirë. Artistë që ishin të mbushur plot me shkollën dhe që në këtë mënyrë u bënë mbajtësit e idesë së pikturës, një ide që tashmë është pothuajse e humbur. Shumë njerëz vizatojnë, por vetëm disa pikturojnë. Për sa i përket realizmit, ne dolëm ballë për ballë me të vetëm tani, realizmi socialist ishte romantizëm i pastër, çnjerëzor, por efektiv, kishte mënyrat e veta të mobilizimit të njerëzve.
- A keni recetën tuaj për sjellje të denjë në kohët tona të vështira, kur shumë udhëzime për vlerat janë "rrëzuar"?
- Ka punë dhe durim. Për më tepër, ju duhet të jeni në gjendje të "duroni dështimin", duhet të jeni në gjendje të "duroni suksesin", kjo e fundit është edhe më e vështirë.
- Si ndiheni për fatin? Sa e rëndësishme dhe e nevojshme është kjo?
- Përqindja këtu është e thjeshtë: sa të durosh, do të kesh fat. Unë madje do të thoja këtë: ju duhet të jeni në gjendje të "pritni deri në fat".
- Ndonjëherë quhesh gjeni...
- Eshte mire. Por unë kam një mendim mjaft modest për veten time. Unë kam një mendim shumë të lartë për artin.

21.02.1937 - 12.05.2006
Piktor, grafist, monumentalist, artist i teatrit dhe filmit.

Lindur në 1937 në Sverdlovsk, vdiq në 2006 në Yekaterinburg.

Ai studioi në Shkollën Artistike për Fëmijë në vitet 1949 - 1952. nga Khozatelev P.P., Bochkarev S.D., Kolodin I.T., Melentyev O.G.,

në CFS në 1952-1957,

në Institutin e Leningradit me emrin I.E. Repin 1957-1963.

Ai u diplomua në punëtorinë krijuese të V.M. Oreshnikov në 1963-1965.

Pjesëmarrës i ekspozitave të qytetit, rajonal, rajonal, republikan, unionik, ndërkombëtar që nga viti 1964,

Anëtar i Unionit të Artistëve që nga viti 1967

Ai dha mësim në Unionin e Artistëve të Ukrainës 1977-1982, në UGAHA.

Artist i nderuar i Rusisë që nga viti 2003, laureat i çmimit G.S. Mosin, i çmimit të Guvernatorit dhe i Çmimit të Departamentit të Kulturës të Dioqezës së Yekaterinburgut.

"Herman Metelev. Banor i Ekaterinburgut. I diplomuar në Akademinë e Arteve të Shën Petersburgut. Piktor. Orari. Monumentalist. Skulptor. Argjendar. Filozof. Mjeshtër i fjalëve. Artizanatit. Interaktivist. Vetmitar. Intelektuale. Estetë. Një gjeni... Shumë njerëz e konsiderojnë atë një gjeni. Dhe kjo nuk është rastësi"

Nga një artikull i A.V. Stepanov.

Në kujtim të artistit German Metelev

Në pranverën e vitit 2006, ndërroi jetë një nga artistët më domethënës dhe më të thellë të Yekaterinburgut, gjermani Seliverstovich Metelev (1938-2006). Metelev lindi në Sverdlovsk në një familje punonjësish. Babai im vdiq në të 30-at fatale. Megjithatë, shenja e djalit të një armiku të popullit nuk u nguli në djalin. Ndoshta sepse nëna ime u martua shumë shpejt. Fëmijëria e German Seliverstovich ishte në vitet e vështira të luftës dhe të pasluftës. Dëshira për art - muzikë dhe vizatim - lindi herët tek ai. Ai luajti me entuziazëm domra dhe balalaika në Pallatin e Pionierëve. Por interesi për artin e bukur doli të ishte më i fortë, dhe në vitin 1952 German Metelev filloi të mësonte bazat e aftësive profesionale në Shkollën e Artit Sverdlovsk, pas së cilës në 1957 ai shkoi në Leningrad për të hyrë në departamentin e pikturës të Institutit Repin. Gjatë gjithë jetës së tij, Metelev mbajti me vete një qëndrim respektues dhe madje nderues ndaj alma mater-it të tij, si dhe ndaj profesorëve me të cilët studioi. Ai kishte respekt të veçantë për profesorin V.M.Oreshnikov, trashëgimtarin e traditave të shkollës së pikturës së Shën Petërburgut. Artisti i ri punoi në studion e tij edhe dy vite të tjera pasi u diplomua në institut. Në vitin 1966, Metelev u pranua në Unionin e Artistëve - një fakt që tregon njohjen e talentit dhe aftësisë së tij.

Fundi i viteve gjashtëdhjetë (koha e kthimit të Metelev në vendlindjen e tij) ishte periudha e forcimit dhe lulëzimit të shkollës së artit Sverdlovsk, udhëheqës të padiskutueshëm shpirtërorë të së cilës ishin G.S. Mosin, M.Sh. Brusilovsky, V.M. Volovich, të cilët e vunë re menjëherë dhe e pranuan në rrethin e tyre. Mund të flasim për ekzistencën në atë kohë në qytet të një mjedisi të vetëm intelektual dhe krijues, ku përfshiheshin artistë, shkrimtarë, interpretues dhe muzikantë. G.S. Metelev, i ardhur nga kryeqyteti verior, hyri organikisht në të.

Për sa i përket kohës së hyrjes në art dhe në shpirt, G.S. Metelev ishte një "burrë i të shtatëdhjetave". Ai u ndje pjesë e kësaj kohe. Veprat e mjeshtrit mishëruan plotësisht tipare të tilla të artit të brezit si gjuha metaforike, mitologjizimi i veprimit të komplotit, alegorizmi dhe tërheqja ndaj temave dhe vlerave universale. Çdo vepër përmban kuptimin e tij – të Metelev-it për botën, njeriun, si dhe mishërimin e asaj që elita intelektuale e vendit jetonte në atë kohë. Nga rruga, si shumë njerëz krijues, artisti ishte në kundërshtim pasiv ndaj autoriteteve. Në art, G.S. Metelev u përpoq për një universalitet të caktuar. I pëlqente ndjenja se mund të bënte gjithçka. Prandaj, gama krijuese e artistit ishte jashtëzakonisht e gjerë: nga krijimi i bizhuterive deri te krijimi i kompozimeve të mëdha të mureve dhe dizajnimi i shfaqjeve. Ai mori kënaqësi nga vetë procesi i kapërcimit të materialit, dhe nga mundësia për të mishëruar mendimet dhe ndjenjat e tij në të, qofshin ato të vogla apo metalike. Megjithatë, piktura dhe grafika kanë mbetur gjithmonë gjërat kryesore për artistin. Pikturë historike, histori biblike, natyrë të qetë, portret, peizazh, ilustrim librash, pllakë librash... duket se talenti i tij u mishërua në të gjitha gjinitë e artit figurativ.

Megjithë universalitetin e talentit dhe interesave të tij krijuese, para së gjithash G.S. Metelev ishte një mjeshtër i pikturës së komplotit. Temat kryesore gjatë gjithë jetës së artistit ishin historia biblike (historia e Krishtit) dhe kultura pagane, e mishëruar nga imazhi i një centauri. Këto dy rreshta u zhvilluan paralelisht në punën e mjeshtrit. Për të, paganizmi ishte një formë feje, që rigjallëronte, gjallëronte të gjitha gjërat, jashtëzakonisht e fortë, e aftë t'i mbijetonte shekujve të luftës. Në fund të fundit, në Rusi, traditat pagane u rritën përmes krishterimit. Duke iu kthyer skenave të ungjillit ("Pontius Pilati", 1992; "Larja e këmbëve", 1992; "Kalvari", 1997), German Seliverstovich shkroi historinë e njeriut. Por imazhi i centaurit u bë një shprehje e thelbit të brendshëm të vetë artistit. Nuk është rastësi që shumë nga centaurët e gjerman Metelev janë autoportrete ("Walk with Friends", 1997; "Autoportreit", 1999). Kentauri Metelevsky ka pak të përbashkëta me burimin grek. Përkundrazi, është një racë balene sllave që erdhi në folklorin rus nga apokrifa. Nën ndikimin e "prozës së fshatit", imazhi klasik është zhytur në një mjedis tipik fshati, duke u bërë më rus, botëror dhe i përditshëm.

G.S.Metelev punoi shumë në fushën e artit monumental. Një urdhër për ekzekutimin e kompozimeve të mëdha afreske ose pikture garantonte një ekzistencë të rehatshme për një vit, që do të thotë se ofroi mundësinë financiare për të krijuar vepra krijuese. Sidoqoftë, për Metelev nuk kishte zhanre dhe lloje arti "të ulëta": ai iu afrua çdo detyre në mënyrë krijuese. Shembull i mrekullueshëm i kësaj është mozaiku në dhomën e ngrënies së Shtypshkronjës, i punuar në vitin 1983. Artisti ishte i kufizuar në zgjedhjen e lëndës dhe, duket se ka investuar gjithë talentin e tij në krijimin e vetë sipërfaqes së mozaikut, e cila edhe sot. mahnit me bukurinë dhe pasurinë e teksturës. Në të njëjtin vit (1983) ai krijoi kompozimin "Triumph of Reason" (lobi i Universitetit Shtetëror Ural).

Në veprat e Metelev mund të gjurmohet amplituda e dridhjeve të brendshme të natyrshme në mjeshtrin. Kjo tashmë mund të shihet në autoportretet e viteve 1970, të cilat pasqyronin turbullirat dhe mosmarrëveshjet e brendshme të autorit me veten e tij ("Autoportreti", 1973; "Mes një engjëlli dhe një demon. Autoportreti", 1975). Pika e kthesës së viteve 1990. provokoi një përkeqësim të një konflikti të thellë të brendshëm tek artisti. Tani, në pozicionin "midis një engjëlli dhe një demoni", engjëlli shpesh rezultonte më i dobët... Ndoshta kjo është arsyeja pse pikturat e mëvonshme biblike të gjerman Metelev janë të errëta.

Kur ndërron jetë një artist i madh, duket se bashkë me të kalon një epokë e tërë. Por shpirti i tij mbetet, duke jetuar në veprat e tij - piktura, fletë grafike, sende të falsifikuara. Gjerman Seliverstovich Metelev luajti një rol të rëndësishëm në zhvillimin e shkollës së artit në Yekaterinburg në gjysmën e dytë të shekullit të 20-të, por ende nuk ka një monografi të plotë për mjeshtrin. Sidoqoftë, puna e artistit është studiuar vazhdimisht nga mësuesit e Departamentit të Historisë së Artit të USU; studentët e artit i janë drejtuar atij dhe, ka shumë të ngjarë, do të vazhdojnë t'i drejtohen atij në esetë e tyre të diplomimit. Në fund të fundit, veprat e Metelev janë material pjellor për kërkime.

V.V. Govorkovskaya (Pjesë nga një artikull për Metelev)

Universalizmi i krijimtarisë, natyra paradoksale e të menduarit artistik, mjeshtëria e talentit dhe efikasiteti i jashtëzakonshëm i lejuan gjerman Metelev të zinte një vend unik në artin e Uraleve. Ai ishte një nga personazhet më të spikatur në botën artistike të Sverdlovsk: dukej se ai mund të bënte gjithçka, ai ia doli në çdo gjë, punonte me lehtësi, me mjeshtëri, me një frymë. Artisti ishte i famshëm dhe i suksesshëm, veprat e tij u prezantuan në ekspozita të shkallëve të ndryshme, duke ngjallur interes dhe diskutime; gazetarët dhe kritikët e artit shpesh shkruanin për punën e tij. Sidoqoftë, në përgjithësi, është shkruar në mënyrë të padrejtë për mjeshtrin; pikturat e tij tani po "vënojnë" në koleksionet e muzeve të Uralit, dhe mozaiku i mrekullueshëm "me diell" në murin e një shtëpie në qendër të Yekaterinburg është "fshehur". ” nën një flamur të shëmtuar reklamues për shumë vite.

Pavarësisht as kushteve të kufizimeve sovjetike dhe as kaosit të perestrojkës, German Metelev argumentoi me vendosmëri dhe kokëfortësi për të drejtën e artistit për lirinë e krijimtarisë, pavarësinë e të menduarit dhe nevojën për profesionalizëm në gjithçka.

Rruga për t'u bërë artist

Herman vendosi herët për aktivitetet e tij të ardhshme. Në moshën dhjetë vjeç ai hyri në një shkollë artistike për fëmijë. Në shkollën Sverdlovsk mësuesit e tij ishin F. Shmelev i rreptë dhe me përvojë; A. Kazantsev, i cili sapo është kthyer në qytet pas studimeve në Institutin e Arteve në Kharkov, dhe S. Bochkarev, i cili kaloi luftën. Këtu ai takoi gruan e tij të ardhshme, Zoya Malinina, e cila studionte dy vjet më e re.

Një hap i rëndësishëm në fatin e artistit ishte Instituti i Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës i Leningradit me emrin I. E. Repin - Akademia e famshme e Arteve, ku Metelev hyri pasi mbaroi kolegjin.

Vitet e uritura dhe të varfëra të studimit ishin të mbushura me kreativitet, komunikim, “mosmarrëveshje me veten dhe me miqtë se çfarë është arti dhe çfarë duhet të jetë sot”.

Artisti dhe qyteti

Çifti "piktoresk" u kthye në Sverdlovsk në 1967. Dhe ajo u bë menjëherë pjesë e mjedisit intelektual të qytetit, duke e gjetur veten në epiqendrën e jetës krijuese. Metelev u bë miqësor dhe profesionalisht i afërt me ata, kredo e jetës së të cilëve ishte pavarësia dhe sinqeriteti i shprehjes artistike. Midis tyre janë V. Volovich, M. Brusilovsky, A. Kazantsev, G. Mosin, E. Gudin, N. Chesnokov dhe kolegë më të rinj. Së bashku ata përfaqësonin një bërthamë krijuese që i rezistoi zyrtarizmit që po forcohej në vitet '70.

Në përgjithësi, konflikti i brezave dhe drejtimeve krijuese në komunitetin e artistëve të Sverdlovsk nuk ishte aq i pakapërcyeshëm dhe i mprehtë sa në kryeqytetet. Këtu u ruajtën traditat e vëllazërisë së artistëve, të ndërtuara mbi unitetin e interesave. Ndoshta kjo u lehtësua nga atmosfera e një qyteti të mbyllur industrial.

Gjatë kësaj periudhe, gjermani Metelev rizbulon kryeqytetin e Uraleve. Meteogorka e njohur prej kohësh, kulla televizive, katedralja në Green Grove, ndërtesat e banimit dhe fabrika me rryma tymi të varur mbi to - gjithçka jeton dhe merr frymë energjie, "duke u rritur" në qiell, duke u përdredhur në spirale dinamike. Artisti e sheh qytetin në ritmet dinamike të ndërtimit, në ndryshim dhe zhvillim të vazhdueshëm. Megjithatë, për gjerman Metelev, qyteti nuk është vetëm një mjedis krijues, por shpeshherë një kafaz i natyrës, i dhunës ndaj njeriut dhe natyrës. Prerja sezonale e pemëve ("Pranvera", 1969) është një procedurë e dhimbshme për të shkatërruar "tepricën". Duke sharruar dhe prerë çmendurisht degët e tepërta të pemëve, punëtorët e veshur me uniforma blu, të gjithë të veshur me të njëjtën fytyrë, me poza dhe gjeste groteske, na kujtuan në mënyrë të pavullnetshme se censura ishte bërë sërish më e ashpër që nga fundi i viteve '60. Sipas V. Volovich, emri "Censurë" ishte mbërthyer fort pas pikturës; metafora ishte e qartë.

Gjatë jetës së tij, veprat e tij morën njohje të gjerë si në Rusi ashtu edhe jashtë saj. Mendimi dhe stili i tij i punës nuk u ndikuan kurrë nga mendimet e miqve, kolegëve apo kritikëve të artit.

Fakte nga biografia e gjerman Metelev.

Metelev gjerman Seliverstovich i lindur më 21 shkurt 1938 në qytetin e Sverdlovsk. Ai mori një arsim profesional arti: ai është i diplomuar në Shkollën e Artit Sverdlovsk dhe Institutin e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës me emrin. I. Repin në Shën Petersburg.

Në vitin 1964 filloi të marrë pjesë aktive në ekspozita, vendase dhe ndërkombëtare. Gjatë jetës së tij ai mori pjesë në më shumë se 150 ekspozita, si dhe organizoi 5 ekspozita personale.

Pavarësisht një numri kaq të madh të ekspozitave, ekspozitave personale gjerman Metelev nuk dashuroi.

“Jo, nderimi është i këndshëm për të gjithë, njohja është e rëndësishme për artistin, edhe pse ai punon, para së gjithash, për veten e tij.”

Në 1966 ai u bashkua me Unionin e Artistëve të Rusisë, dhe në 2003 Metelev i dha titullin "Artist i nderuar i Rusisë".

Trashëgimia e autorit përbëhet jo vetëm nga piktura: Universiteti Shtetëror Ural me emrin. M. Gorky është i mbushur me piktura mozaike Meteleva; Autori gjithashtu mori pjesë në dizajnin e brendshëm të Cirkut Yekaterinburg.

Pak për krijimtarinë.

gjerman Metelev Në të njëjtën kohë, artisti grafik: arti teatror, monumental, si dhe grafika e librit i nënshtrohen këtij artisti. Në pikturë, zhanret e preferuara ishin peizazhi, zhanri historik dhe natyra e qetë.

gjerman Metelev krijoi një numër të madh pikturash, por asnjëra prej tyre nuk është e ngjashme me tjetrën. Çdo pikturë ka përmbajtjen, disponimin, stilin dhe metodën e vet të pikturimit.

Punimet e hershme Meteleva shumë afër poezisë. Në to, artisti përdor metaforën për të përshkruar diçka ose për të shprehur ndjenjat. Kjo është veçanërisht e vërtetë për autoportretet e hershme të German Seliverstovich.

Në "Autoportret (rrugë)" G. Metelev e përshkroi veten dy herë: në formën e një centauri që tërheq një karrocë të ngarkuar deri në buzë me piktura, dhe në formën e një kalorësi që kalëronte mbi kurrizin e një centauri.

Kështu, artisti mbart veten dhe barra e tij është e rëndë. Një engjëll me një kryq në duar - një lajmëtar nga parajsa - bekon jetën dhe rrugën krijuese të mjeshtrit. Në atë punë G. Metelev thekson qëllimin e tij të veçantë si artist, i cili, sipas tij, është mishërimi i ideve hyjnore në tokë.

Artisti nuk ka injoruar temat mitologjike dhe biblike. Piktura mbi këtë temë jo vetëm që përshkruajnë një moment specifik, ato kapin marrëdhëniet ose, anasjelltas, kontradiktat midis mitit dhe botës moderne me problemet e tij. Ky grup detyrash Metelev, çoi në faktin se shumë nga pikturat e tij kanë disa nënkuptime. Por në çdo vijë të kuqe qëndron ideja kryesore e punës së artistit - afirmimi i idealeve të larta.

Historia biblike dhe kultura pagane janë temat në të cilat Metelev trajtuar gjatë gjithë jetës së tij. Sidomos shumë shpesh në pikturat e tij mund të gjesh imazhin e një centauri - shpesh në to gjerman Seliverstovich shprehte thelbin e tij të brendshëm. Dhe këto dy tema u zhvilluan paralelisht në punën e artistit.

Metelev Asnjëherë nuk i ka dhënë përparësi asnjë lloj krijimtarie, ka përdorur të gjitha teknikat dhe llojet e pikturës, sepse kryesorja është realizimi i idesë.

Për çdo foto gjerman Metelev kaloi shumë kohë. Ndonjëherë procesi i krijimit të një kryevepre zvarritet me vite. Artisti besonte se ishte e nevojshme të bëni pauza gjatë punës, dhe nëse pas këtyre pauzave ju pëlqen akoma fotografia, atëherë ia vlen të përfundoni.

“Ai e gëzonte ndjenjën se mund të bënte gjithçka. Prandaj, gama krijuese e artistit ishte jashtëzakonisht e gjerë: nga krijimi i bizhuterive deri te krijimi i kompozimeve të mëdha të mureve dhe dizajnimi i shfaqjeve. Ai mori kënaqësi nga vetë procesi i kapërcimit të materialit, dhe nga mundësia për të mishëruar mendimet dhe ndjenjat e tij në të, qofshin ato të vogla apo metalike. Megjithatë, gjëja kryesore për artistin ka qenë gjithmonë piktura dhe grafika.”

KUJDES! Për çdo përdorim të materialeve të faqes, kërkohet një lidhje aktive me!