Deskripsi presentasi berdasarkan slide individual:

1 slide

Deskripsi slide:

Seni lagu spiritual dan sekuler. Genre vokal dan perkembangannya dalam musik sakral dan sekuler dari era yang berbeda Dilakukan oleh: guru musik MBOU "Sekolah Menengah No. 2" di Olekminsk RS (Y) Andreeva Olga Petrovna

2 geser

Deskripsi slide:

Seni lagu spiritual Musik suci (Jerman geistliche Musik, Italian musica sacra, musik sakral Inggris) adalah karya musik yang berhubungan dengan teks-teks yang bersifat religius, dimaksudkan untuk pertunjukan selama kebaktian gereja atau dalam kehidupan sehari-hari. Musik sakral dalam arti sempit berarti musik gereja umat Kristiani; dalam arti luas, musik sakral tidak terbatas pada pengiring ibadah dan tidak terbatas pada agama Kristen. Teks karya musik sakral dapat bersifat kanonik (misalnya, dalam Requiem oleh W.A. Mozart) atau bebas (misalnya, dalam motif Guillaume de Machaut), ditulis berdasarkan atau di bawah pengaruh kitab suci (untuk Kristen - Alkitab).

3 geser

Deskripsi slide:

Abad Pertengahan dalam sejarah seni musik - serta seluruh budaya artistik umat manusia - adalah tahap yang sangat kompleks dan kontroversial. Lebih dari 1000 tahun Abad Pertengahan bagi seni musik berarti evolusi pemikiran musik yang panjang dan sangat intens - dari monodi - monofoni - hingga bentuk polifoni yang paling kompleks. Selama periode ini, banyak alat musik dibentuk dan ditingkatkan, genre musik muncul - dari bentuk monofoni paduan suara yang paling sederhana hingga genre polifonik multi-bagian yang menggabungkan suara vokal dan instrumental - massa, gairah.

4 geser

Deskripsi slide:

Sekolah menyanyi dan mengarang biara menjadi sangat penting dalam pengembangan musik sakral. Di kedalamannya, estetika musik numerik khusus berkembang, yang merupakan bagian dari 7 “seni liberal”, bersama dengan matematika, retorika, logika, geometri, astronomi, dan tata bahasa. Dipahami sebagai ilmu numerik, musik untuk estetika abad pertengahan adalah proyeksi matematika ke materi bunyi.

5 geser

Deskripsi slide:

Nyanyian spiritual Ortodoks Nyanyian Znamenny adalah tradisi nyanyian liturgi monofonik Rusia kuno. Nyanyian Znamenny lahir dan berkembang di tanah Rusia, di Gereja Rusia. Ini sepenuhnya mencerminkan perasaan doa jiwa Rusia saat ia berdiri di hadapan Tuhan. Nyanyian Znamenny didasarkan pada budaya nyanyian Bizantium kuno, yang kita terima bersama dengan iman akan Kristus sendiri bahkan di bawah Pangeran Suci Vladimir. Tapi nyanyian Znamenny bukan hanya interpretasi nyanyian Yunani dalam gaya Rusia, itu adalah sistem spiritual dan musik integral, buah dari kreativitas katedral Rus Suci, sebuah lagu untuk Tuhan umat Tuhan.

6 geser

Deskripsi slide:

Troparion Yunani. Τροπάριον - di Gereja Ortodoks - nyanyian doa singkat di mana esensi liburan terungkap, orang suci dimuliakan dan dipanggil untuk membantu. Troparion dalam kanon - bait setelah irmos, dengan nyanyian syair menurut model melodi-ritmiknya (irmos)

7 geser

Deskripsi slide:

Nyanyian partes (dari bahasa Latin Akhir partes - bagian [dari komposisi musik polifonik], suara) adalah jenis musik gereja dan konser Rusia, nyanyian paduan suara polifonik, yang digunakan dalam ibadah Uniate dan Ortodoks di kalangan orang Rusia, Ukraina, dan Belarusia. Genre nyanyian partes yang paling penting adalah konser partes.

8 geser

Deskripsi slide:

Stichera Yunani. στιχηρὰ, dari bahasa Yunani kuno. στίχος - baris puisi, syair), dalam ibadah Ortodoks - teks himnografi berbentuk strofi, biasanya didedikasikan untuk ayat-ayat mazmur (karena itu namanya). Stichera berisi tema hari ini atau peristiwa yang dikenang. Jumlah stichera tergantung pada hari raya kebaktian. Bait-bait tersebut tidak mempunyai bentuk puisi yang tetap dan sangat bervariasi dari 8 hingga 12 baris. Melodi sebuah stichera, pada umumnya, mencakup satu bait.

Geser 9

Deskripsi slide:

Liturgi (Yunani λειτουργία - "pelayanan", "tujuan bersama") adalah kebaktian Kristen yang paling penting di gereja-gereja bersejarah, di mana sakramen Ekaristi dirayakan. Dalam tradisi Barat, kata “liturgi” digunakan sebagai sinonim dari kata “ibadah”

10 geser

Deskripsi slide:

Penjagaan sepanjang malam, atau penjagaan sepanjang malam, adalah kebaktian yang dilakukan pada malam hari menjelang hari raya yang sangat dihormati. Ibadah ini disebut berjaga sepanjang malam karena pada zaman dahulu dimulai pada sore hari dan berlanjut sepanjang malam hingga subuh. Tuhan Yesus Kristus sendiri sering kali mengabdikan waktu malamnya untuk berdoa: “Berjaga-jaga dan berdoa,” kata Juruselamat kepada para rasul, “agar tidak jatuh ke dalam godaan.” Dan para rasul berkumpul pada malam hari untuk berdoa. Pada masa penganiayaan, umat Kristiani juga mengadakan kebaktian pada malam hari. Pada saat yang sama, hingga hari ini, di sebagian besar gereja di Rusia, acara berjaga sepanjang malam dilakukan pada malam sebelum hari raya Paskah Suci dan Kelahiran Kristus; pada malam beberapa hari libur - di biara Athos, di Biara Spaso-Preobrazhensky Valaam, termasuk di Katedral Ortodoks Olekminsky Spassky.

11 geser

Deskripsi slide:

Paduan Suara Ketika Paus Gregorius I menyebut monodi sebagai musik gereja “utama”, dia hampir tidak dapat membayangkan karier seperti apa yang menanti paduan suara, yang diberi nama Gregorian. Nyanyian Gregorian (Latin cantus Gregorianus; nyanyian Gregorian Inggris, nyanyian Prancis grégorien, gregorianischer Gesang Jerman, canto gregoriano Italia), nyanyian Gregorian, cantus planus - monodi liturgi Gereja Katolik Roma

12 geser

Deskripsi slide:

Misa (Latin missa) dalam arti istilah musik paling sering dipahami sebagai genre musik polifonik gereja berdasarkan teks doa biasa Misa Katolik. Awalnya, misa semacam itu disusun oleh komposer untuk menghiasi kebaktian. Puncak perkembangan massa polifonik adalah paruh kedua abad ke-15 - awal abad ke-17. Di zaman modern, para komposer, sebagai suatu peraturan, menganggap misa sebagai komposisi konser yang lengkap, tanpa hubungan apa pun dengan kebaktian.

Geser 13

Deskripsi slide:

Faktanya, sekolah polifoni pertama adalah sekolah menyanyi Paris di Katedral Notre Dame (dari pertengahan abad ke-12 hingga pertengahan abad ke-13), master terbesarnya adalah Leonin dan Perotin. Perkembangan verbositas selanjutnya dikaitkan dengan nama musisi Perancis era Ars nova, Philippe de Vitry dan Guillaume de Machaut.

Geser 14

Deskripsi slide:

Seni lagu sekuler Bidang musik sakral (spiritual) dan sekuler (sekuler) didasarkan pada berbagai sistem figuratif. Pusat dunia sekuler adalah gambaran manusia duniawi dalam segala keragaman kehidupan duniawinya. Pertama-tama, hal ini tercermin dalam lagu dan seni puisi para musisi keliling. Tren baru pembuatan musik sekuler ini - seolah-olah berdiri di antara seni musik cerita rakyat dan seni musik sakral - pertama kali terbentuk di Provence - pada abad ke-9 - ke-11. dan kemudian menyebar ke seluruh Eropa. Di berbagai negara Eropa, musisi keliling ini disebut berbeda: troubadours di selatan, trouvères di utara Perancis, minnesingers dan spielmans di Jerman, hoglars di Spanyol. Prinsip kreativitas mereka, rangkaian gambar dan tema sebagian besar sama. Mereka semua adalah penyair, penyanyi, pemain sulap, pesulap, dan pemain banyak alat musik.

15 geser

Deskripsi slide:

Seni musisi keliling secara genetis terkait dengan tradisi cerita rakyat di satu sisi, dan dengan perkembangan pendidikan dan budaya kesatriaan di sisi lain. Sejak abad ke-9. putra-putra bangsawan berpengaruh dididik di biara-biara, di mana, antara lain, mereka diajari ilmu menyanyi dan teori musik. Dengan cara yang paradoks ini, lingkup kehidupan spiritual yang sakral di dalam dirinya sendiri melahirkan seni sekuler baru. Sesuai dengan tradisi kesatria - dan sebagai reaksi terhadap asketisme doktrin Kristen - cinta sensual duniawi menjadi pusat imajinatif musik duniawi baru. Namun pada saat yang sama, kanon moralitas Kristen meninggalkan jejaknya pada penafsiran tema ini, yang tidak diragukan lagi inovatif untuk seni musik. Musisi keliling menganggap cinta sebagai cinta yang idealis, tak berbalas, tanpa harapan, sepenuhnya didasarkan pada kesetiaan tanpa syarat kepada nyonya hati mereka. Musisi pengembara tidak pernah menyangka akan menemukan jawaban terhadap cintanya di dunia ini; hanya kematian yang bisa memberinya pembebasan dari siksaan cinta; hanya di dunia lain yang lebih tinggi dia bisa menemukan kedamaian.

16 geser

Deskripsi slide:

Seni musisi keliling, pertama-tama, berfokus pada kepribadian, individualitas dan, sebagai hasilnya, pada dasarnya bersifat monofonik. Monofoni - berbeda dengan musik sakral yang didominasi paduan suara - juga disebabkan oleh tradisi nuansa vokal terbaik dari teks puisi. Melodi lagu-lagu musisi pengembara sangat fleksibel dan aneh. Tetapi pada saat yang sama, ritmenya secara praktis dikanonisasi - yang dengan jelas mengungkapkan pengaruh musik sakral yang dikanonisasi - dan ditentukan oleh meteran puisi. Hanya ada 6 jenis ritme - yang disebut mode ritme, dan masing-masing memiliki konten kiasan yang tetap.

Topik pelajaran: Musik sekuler dan sakral

Jenis pelajaran: pelajaran tentang memperluas dan memperdalam ilmu

Tujuan pembelajaran: mengungkap hakikat musik sekuler dan sakral; menumbuhkan kecintaan terhadap musik; mengembangkan kemandirian dan aktivitas; pembentukan budaya musik.

Selama kelas:

Momen ORG

Pengulangan materi yang dibahas.

Genre musik apa yang dikaitkan dengan konsep dramaturgi musik? (opera, balet, operet, musikal, oratorio, film musikal dan musik simfoni)

Apa yang dimaksud dengan Pembangunan?

Cara mengembangkan musik apa yang Anda ketahui? (pengulangan, variasi, urutan, imitasi)

^ BELAJAR MATERI BARU

Budaya musik berkembang dalam interaksi dua arah utama: sekuler dan spiritual, gereja. Musik sekuler pada awalnya mengandalkan lagu daerah dan budaya tari. Musik sakral selalu dikaitkan dengan ibadah.

Musisi profesional pertama - komposer, ahli teori, pemain (penyanyi, instrumentalis) - hingga abad ke-18, pada umumnya, menjabat sebagai pemimpin band dan organis di istana raja, pangeran, dan uskup agung. Mereka dapat berkomunikasi dengan banyak pendengar hanya di gereja.

Musik gereja selalu mengangkat tema-tema Kitab Suci. Dramaturgi gambaran penderitaan, kematian, dan kebangkitan Kristus menjadi dasar berkembangnya musik sakral. Dalam ritual gereja, musik dan perkataan, dalam kesatuan dengan bentuk seni lainnya, menentukan keutuhan aksi dramatis, yang dibangun di atas kontras berbagai gambar. Di Gereja Ortodoks Timur, ini adalah liturgi dan acara berjaga sepanjang malam, pernikahan dan kebaktian doa, yang asal usulnya terletak pada nyanyian Znamenny. Di Gereja Barat, Katolik - misa, requiem, passion, kantata, dll. Mereka didasarkan pada paduan suara, nyanyian polifonik yang diiringi oleh organ atau orkestra.

Kata alkitabiah dan pembiasannya dalam melodi nyanyian gereja menentukan kekuatan artistik dan moral yang tinggi dari pengaruh musik sakral. Tema keagamaan dan bentuk musik gereja mendominasi karya komposer Jerman J.-S. Bach dan komposer Rusia M. Berezovsky. Bach paling sering menulis musik untuk organ dan paduan suara, dan Berezovsky menulis untuk paduan suara capella. Berkat polifoni, gagasan utama setiap komposisinya mendapat perkembangan yang mendalam dan beragam. Isi bagian refrain “Kyrie, eleison!” dari “Misa Tinggi” oleh J.-S. Bach dan bagian pertama dari konser spiritual "Jangan tolak aku di hari tuaku" oleh M. Berezovsky terungkap dalam bentuk polifonik yang sempurna - sebuah fugue.

Ingatlah melodi musik sakral dan sekuler yang Anda kenal.

Dengarkan dan bandingkan paduan suara Bach dan Berezovsky.

Teknik pengembangan apa yang Anda dengar di sini? (imitasi)

Apa peran teknik imitasi dalam pengembangan citra musik?

^ Musik sekuler. Dari abad ke-16 Musik kamar mulai berkembang (dari bahasa Latin: Ruang kamera). Jadi, berbeda dengan gereja dan teater, mereka menyebut musik sekuler instrumental atau vokal. Sejak pertengahan abad ke-18. Kehidupan konser sekuler, bebas dari pengaruh gereja, semakin intensif. Jumlah orkestra, ansambel, dan konser tunggal semakin bertambah. Dalam karya komposer klasik Wina - Haydn, Mozart, Beethoven, dan lainnya - jenis ansambel instrumental klasik dibentuk - sonata, trio, kuartet, dll.

Ditulis untuk sekelompok kecil pemain, musik kamar dibawakan di rumah atau di istana bangsawan. Pelaku yang bekerja di ansambel istana disebut musisi kamar. Lambat laun, musik kamar mulai ditampilkan tidak hanya di kalangan sempit penikmat dan pecinta musik, tetapi juga di ruang konser besar.

Ada berbagai miniatur vokal dan instrumental kamar karya komposer romantis abad ke-19. Ini termasuk lagu-lagu oleh F. Schubert, lagu-lagu piano tanpa kata-kata oleh F. Mendelssohn, caprices oleh N. Paganini, waltz, nocturnes, pendahuluan, balada oleh F. Chopin, roman oleh M. Glinka, drama oleh P. Tchaikovsky dan banyak lagi.

Konsolidasi dan ringkasan pelajaran

Materi ulangan DZ

Perlu dicatat bahwa para peneliti modern, ketika mengajukan pertanyaan tentang esensi seni, bersikeras bahwa identifikasi seni dengan estetika “tampaknya tidak dapat kami terima, karena jika, di satu sisi, hal itu menyederhanakan masalah, maka, di sisi lain, hal itu menyederhanakan masalah. lainnya, membatasi ruang lingkup pengalaman estetika, mengabstraksi dan mengisolasi realitas seni” (Banfi. A. Philosophy of Art. M. Art. 1989. – P. 358). Namun, dasar ekstra-artistik ini, misalnya, dilihat oleh penulis Schiller dan filsuf Spencer permainan . Spencer menganggap sifat seni yang menyenangkan sebagai hiburan disebabkan oleh kebutuhan untuk memulihkan kekuatan fisik tubuh manusia. Bagi Schiller, sifat seni yang menyenangkan dapat direduksi menjadi “dialektika ironis untuk relaksasi jiwa”, semacam gangguan dari pekerjaan biasa. Oleh karena itu, seperti ditulis A. Banfi, “dalam seni sebagai sarana berekspresi ada suasananya pesona , ketidakwajaran , sesuatu palsu , saya akan mengatakan hampir sesuatu gaib , di mana, tampaknya, hanya keindahan yang akan terwujud bagi kita” (-P.34). Ada juga kesimpulan menarik yang diambil penulis ini berdasarkan materi yang dianalisis: “Setiap karya seni, dalam arti tertentu, adalah sejenis berhala, berhala yang sama yang dibentuk oleh orang-orang berdosa dengan tangan mereka sendiri untuk menyembahnya. ” (-Hal.35). Dan selanjutnya: “Karena setiap karya seni menjadi demikian hanya karena rasa spiritualitas yang dipancarkannya, karena wahyu yang dikandungnya, sebuah wahyu yang tidak dapat direduksi menjadi aspek dunia atau nilai-nilai pribadi apa pun, tetapi merupakan cerminan dari kehadiran di dunia dan kepribadian roh yang dengan cara ini ia menunjuk sumber baru dari kehidupan idealnya.” (-P.35) Hal lainnya adalah, bagaimana seorang perwakilan dan eksponen pemikiran sekuler memahami apa itu “the semangat hadir di dunia dan individu,” apa tugas dan apa esensi seni? Ternyata lingkup ruh baginya adalah lingkup kehidupan seni: “Hanya dalam lingkup kehidupan seni seniman berperan sebagai seniman, yaitu pencipta: kejeniusannya yang ajaib justru terdiri dari partisipasi dalam kehidupan ini. kebutuhan, asing bagi kecenderungan pribadi apa pun, bebas dari suasana hati publik dan idealnya skematisme abstrak: dalam upaya yang menyakitkan untuk memecahkan masalah spesifik mereka” (-P.37). Itulah sebabnya seni mempunyai kehidupan sebagai sumbernya dan “dipelihara olehnya”. “Seni tidak mengenal norma lain, tradisi lain, selain kehidupannya sendiri; tidak mengetahui masalah lain, solusi lain, kecuali kehidupan itu sendiri yang mengedepankan realitas artistik dalam perkembangannya yang berkelanjutan” (- P.38).

Dengan demikian, seorang guru sekuler atau analis seni sekuler, tanpa menyangkal kehadiran spiritualitas dan vektor spiritual dalam seni, melihatnya dalam perkembangan kehidupan yang spontan dan berkelanjutan, yang membimbing, memelihara, dan menginspirasi dirinya sendiri. Oleh karena itu, hanya dengan mempelajari hukum-hukum dan kecenderungan-kecenderungan perkembangan kehidupan ini, dari sudut pandang pemikiran sekuler, barulah dapat dipahami, direfleksikan, diungkapkan. Semakin dalam seorang seniman dan pemikir dapat menembus rahasia alam semesta, kehidupan itu sendiri, semakin jelas ia mampu mengungkapkan dan merefleksikannya. Hal ini menekankan pentingnya menguasai metode dan teknik visualisasi , serta pengembangan kualitas pribadi dan upaya pencipta itu sendiri. Hidup ini memiliki banyak segi dan kaya dan semua orang melihatnya melalui prisma selera sendiri, suasana hati . Oleh karena itu, sejak zaman Renaisans (Renaissance), sangat penting dan penting untuk membentuk gaya seorang pengarang, suatu tulisan tangan yang unik yang akan menunjukkan keunikan sang empu dan ciptaannya. Oleh karena itu, sudah menjadi norma untuk menandatangani karya Anda oleh sang master atau menunjukkan dengan bantuan simbol siapa penulisnya. Jadi, di Dalam seni sekuler, bentuk ekspresi eksternal tunduk pada wahyu yang diturunkan kepada sang master dan diungkapkan kepada dunia melalui prisma perasaan dan pengalamannya. Namun, konsekuensi alami dari pola pikir ini adalah tren seni modern yang terkenal berikut ini: sebanyak mungkin pandangan dan suasana hati, begitu banyak gaya, pendekatan, bentuk ekspresi. Akibatnya, seni sekuler menawarkan berbagai bentuk , gaya dan tidak bisa membayangkan dirinya di luar keragaman ini. Kesombongan.

Materi pelajaran kelas 7 triwulan 3

Dramaturgi musik - perkembangan musik.

Dramaturgi musik– pencerminan gambaran musik dalam gerak, perkembangan, jalinan dan pergulatan prinsip-prinsip yang bertentangan (kontradiksi).

Cara mengembangkan musik:

1. Pengulangan, pengulangan - bentuk tripartit ( AVA), bentuk rondo (AVASADA), bentuk kuplet.

2. Variasi –bentuk variasi, bentuk sonata (pengembangan, reprise).

Jenis variasi - urutan, imitasi.

Urutan (dari bahasa Latin suksesi)– menggerakkan motif, mengulang rangkaian bunyi pada ketinggian yang berbeda, dalam arah naik atau turun.

Imitasi (dari bahasa Latin imitasi) – pengulangan tema atau motif dalam suara yang berbeda dari sebuah karya musik (presentasi polifonik - kanon atau fugue).

Dua arah budaya musik .

Budaya musik berkembang dalam interaksi dua arah utama: sekuler dan spiritual (gereja).

Musik sekuler pada awalnya mengandalkan lagu daerah dan budaya tari.

Musik sakral selalu dikaitkan dengan ibadah.

Musik rohani.

KEBidang musik rohani pada dasarnya mencakup karya-karya vokal atau instrumental vokal berdasarkan teks-teks yang bersifat religius, yang dibawakan selama kebaktian gereja.

Musik gereja selalu mengangkat tema-tema Kitab Suci. Dramaturgi gambaran penderitaan, kematian, dan kebangkitan Kristus menjadi dasar berkembangnya musik sakral. Dalam ritual gereja, musik dan perkataan, dalam kesatuan dengan bentuk seni lainnya, menentukan keutuhan aksi dramatis, yang dibangun di atas kontras berbagai gambar. Di timur Gereja ortodok Ini liturgi dan berjaga sepanjang malam, pernikahan dan kebaktian doa, yang asal muasalnya bohong nyanyian znamenny . Di barat Gereja Katolik- misa, upacara peringatan, nafsu, kantata dll. Mereka didasarkan pada - chorale, nyanyian polifonik yang diiringi oleh organ atau orkestra.

Tema keagamaan dan bentuk musik gereja mendominasi karya komposer Jerman J.-S. Bach dan komposer Rusia M. Berezovsky. Bach paling sering menulis musik untuk organ dan paduan suara, A Berezovsky - untuk paduan suara a capella Berkat polifoni, gagasan utama setiap komposisinya mendapat perkembangan yang mendalam dan beragam. Isi bagian refrain "Kyrie, eleison!" dari "Misa Tinggi" oleh J.-S. Bach dan bagian pertama dari konser spiritual "Jangan tolak aku di hari tuaku" oleh M. Berezovsky terungkap dalam bentuk polifonik yang sempurna - fuga.

Musik sekuler.

Musik sekuler adalah musik yang bebas dari pengaruh gereja.

Dari abad ke-16 mulai berkembang musik kamar(dari bahasa Latin kamera - ruangan). Jadi, berbeda dengan gereja dan teater, mereka menyebut musik instrumental atau vokal. Sejak pertengahan abad ke-18. Kehidupan konser sekuler, bebas dari pengaruh gereja, semakin intensif. Jumlah orkestra, ansambel, dan konser tunggal semakin bertambah. Dalam karya komposer klasik Wina - Haydn, Mozart, Beethoven dan lain-lain - jenis ansambel instrumental klasik dibentuk - sonata, trio, kuartet dan sebagainya.

Ditulis untuk sekelompok kecil pemain, musik kamar dibawakan di rumah atau di istana bangsawan. Pelaku yang bekerja di ansambel istana disebut musisi kamar. Lambat laun, musik kamar mulai ditampilkan tidak hanya di kalangan sempit penikmat dan pecinta musik, tetapi juga di ruang konser besar.

Ada berbagai miniatur vokal dan instrumental kamar karya komposer romantis abad ke-19. Ini termasuk lagu-lagu oleh F. Schubert, lagu-lagu piano tanpa kata-kata oleh F. Mendelssohn, caprices oleh N. Paganini, waltz, nocturnes, pendahuluan, balada oleh F. Chopin, roman oleh M. I. Glinka, drama oleh P. I. Tchaikovsky dan banyak lagi.

Musik instrumental kamar

Etude

Etude (dari bahasa Prancis belajar, olahraga) - Ini adalah karya yang dirancang untuk meningkatkan teknik memainkan alat musik. Konsep ini juga terdapat dalam seni lukis: etude adalah sketsa, sketsa lukisan masa depan.

Pada abad ke-19, dengan berkembangnya pertunjukan virtuoso dan peningkatan alat musik, genre baru berkembang - sketsa konser. Kesulitan teknis mereka hanya bergantung pada pengungkapan maksud artistik sang komposer.

Dan sekarang karya-karya komposer romantis sedang populer, yang seninya merasuk ke seluruh penjuru hati manusia.

Perwakilan romantisme yang menonjol adalah komposer Polandia Frederic Chopin (1810-1849) dan komposer Hongaria Franz Liszt (1811-1886). Keduanya adalah pianis yang hebat. Chopin memenangkan pengakuan pendengar di salon sekuler, dan Liszt - di ruang konser besar.

Dalam etudes Chopin ada mimpi romantis tentang perasaan yang meninggikan seseorang - ini adalah pemikiran tentang cinta, dan kontemplasi terhadap alam, dan kesedihan revolusioner.

Liszt berusaha mendekatkan suara piano dengan suara orkestra. Sketsanya memuat prinsip pemrograman tersembunyi, gaya lukisan figuratif dan artistik. Pada masa Liszt, ada anggapan bahwa banyak etudes yang tidak mungkin dilakukan karena kesulitan teknisnya yang luar biasa.

Transkripsi

Istilah transkripsi (dari bahasa Latin penulisan ulang) berarti pengolahan, aransemen karya musik. Transkripsi muncul pada abad 16-17. sebagai susunan teks musik untuk dimainkan pada instrumen lain. Pada abad ke-19 transkripsi telah menjadi salah satu genre konser virtuoso paling populer dengan makna artistik independen.

Dari salah satu transkripsi komposer Rusia abad ke-19. Anda sudah mengenal M. Balakirev. Ini adalah karya piano yang ditulis dengan tema roman terkenal oleh M.I.Glinka "The Lark"

Transkripsi piano oleh F. Liszt mendapatkan popularitas yang luas. Keahliannya sebagai pianis virtuoso sangat dihargai oleh orang-orang sezamannya. “Saat Liszt bermain,” kata penulis Jerman G. Heine, “Anda tidak lagi memikirkan kesulitan yang bisa diatasi, piano menghilang, dan musik terungkap kepada kami.” Dia membuat transkripsi untuk piano sembilan simfoni L. Beethoven. Liszt menulis: “Jika saya memenuhi tugas saya untuk membuatnya dapat diakses pada tingkat pengukir yang terampil atau penerjemah yang cerdas, maka tujuan saya akan tercapai.” Studi Liszt tentang tingkah laku Paganini sangat populer. Liszt-lah yang menarik perhatian Rachmaninoff dan Lutoslawski ke Caprice No. 4 karya Paganini.

Liszt mengidolakan musik komposer Austria Schubert, melihat di dalamnya ekspresi puisi liris tertinggi dalam suara. Di antara transkripsi piano Liszt terdapat karya terkenal Schubert seperti The Forest King, Serenade, Trout, Ave Maria, dan lain-lain.

Pianis dan guru terkenal Italia Ferruccio Busoni (1866-1924) melanjutkan tradisi pembuatan transkripsi, yang memberikan pengaruh signifikan terhadap perkembangan seni pianistik di Eropa. Dalam transkripsinya, dia, seperti Liszt, mengacu pada karya banyak komposer.

Penampilan Busoni disamakan dengan karya lukisan atau katedral besar. Mendengarkannya, mereka berbicara tentang “kanvas warna-warni”, “lukisan dinding”, “patung suara” dalam “permainannya yang dipahat seperti marmer”. Segala sesuatu dalam penampilan Busoni memberikan kesan improvisasi yang brilian - dan inilah kekuatan utamanya!

Bentuk siklus musik instrumental

"Konser grosso" oleh A. Schnittke

Suite, konser instrumental, sonata, simfoni mengacu pada bentuk musik siklik. Baik komposer di masa lalu maupun orang-orang sezaman kita beralih ke bentuk-bentuk ini.

Musik komposer Rusia terkemuka A. Schnittke adalah pengakuan seorang pria zaman modern, yang telah menyerap pengalaman beberapa abad - dari abad ke-17 hingga ke-20. Kombinasi bebas antara masa lalu dan masa kini adalah ciri musiknya. Kutipan musik yang menarik. polistilistika (kombinasi yang disengaja dari berbagai fenomena stilistika dalam satu karya) adalah ciri khas A. Schnittke. Berkat ini, beralih ke musik komposer ini memperluas pemahaman kita tentang kesatuan dunia dan budaya manusia.

Konserto untuk dua biola, harpsichord, dan orkestra kamar oleh A. Schnittke memiliki nama kuno "Concerto grosso" (diterjemahkan dari bahasa Italia - konser besar). Dalam konsert ini hubungan antara pemain solo dan orkestra sama seperti dalam konsert instrumental kuno Bach dan Vivaldi. Bagian-bagian solois tidak mendominasi orkestra, tetapi berada di bawah tatanan yang lebih tinggi, hubungan yang lebih tinggi dengan orkestra.

Komposer mendedikasikan konsernya untuk teman-temannya dan pemain pertama musik ini, pemain biola Gidon Kremer dan Tatyana Grindenko. “Saat menyusun konser, saya tidak hanya mendengar mereka, tetapi juga melihat bagaimana mereka bermain… Perilaku panggung mereka memberikan kenikmatan estetika bagi pendengar dan penonton.”

Komposer membandingkan tema utama gerakan ke-5 yang berkemauan keras dan memiliki tujuan dengan tema dunia lain - dunia yang jahat dan bermusuhan. “Pembengkakan” yang mendistorsi suara warna nada murni biola dianggap oleh pendengar sebagai serbuan kekuatan yang menentang aktivitas tema utama.

"Suite dalam Gaya Lama" oleh A. Schnittke.

Suite (dari baris Perancis, urutan) ada sejak abad ke-16. dan mengacu pada bentuk siklus musik instrumental multi-bagian, seperti sonata dan simfoni yang muncul kemudian. Sebuah suite dapat diibaratkan kumpulan cerita, berbeda dengan simfoni - lebih dinamis, integral, mirip dengan novel. Suite ini terdiri dari beberapa bagian independen - tarian, biasanya kontras satu sama lain dan disatukan oleh konsep artistik yang sama.

Pada paruh pertama abad ke-18, ketika seni clavier mencapai puncaknya, suite berubah menjadi musik untuk didengarkan. Mereka mulai didahului oleh pendahuluan dan memasukkan aria instrumental. Suite muncul, terdiri dari pemutaran gambar terprogram.

Pada paruh kedua abad ke-18, pada masa Haydn, Mozart, Beethoven, suite sudah dianggap kuno. Meskipun karya orkestra ringan dan menghibur karya klasik Wina (divertimentos, serenade) ditulis dalam bentuk suite, misalnya, “Rondo” yang familiar dari “A Little Night Serenade” oleh W. A. ​​​​​​Mozart.

Pada abad ke-19 mode untuk suite tersebut dihidupkan kembali. Komposer Rusia abad ke-19. juga terdiri suite. Anda pasti familiar dengan karya individual dari rangkaian piano “Pictures at an Exhibition” oleh M. Mussorgsky, rangkaian simfoni “Scheherazade” oleh N.A. Rimsky-Korsakov, suite untuk orkestra "Mozartiana" oleh P.I.Tchaikovsky. Dia adalah orang pertama yang menciptakan rangkaian musik balet. Mereka mulai bersuara secara independen dari teater, sebagai karya simfoni independen. Pada abad ke-20 suite dari film muncul.

- G.P.Sergeeva-E.D.Kritskaya "Musik" kelas 7;