Ներկայացման նկարագրությունը առանձին սլայդներով.

1 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Հոգևոր և աշխարհիկ երգարվեստ. Վոկալ ժանրերը և դրանց զարգացումը տարբեր դարաշրջանների սուրբ և աշխարհիկ երաժշտության մեջ Կատարում է՝ երաժշտության ուսուցիչ ՄԲՈՒ «Թիվ 2 միջնակարգ դպրոց» Օլեկմինսկի Ռ.Ս.

2 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Հոգևոր երգարվեստ Սրբազան երաժշտությունը (գերմ. Նեղ իմաստով սուրբ երաժշտությունը նշանակում է քրիստոնյաների եկեղեցական երաժշտություն. լայն իմաստով, սուրբ երաժշտությունը չի սահմանափակվում ուղեկցող երկրպագությամբ և չի սահմանափակվում քրիստոնեությամբ: Սրբազան երաժշտության տեքստերը կարող են լինել կամ կանոնական (օրինակ՝ Վ. Ա. Մոցարտի Ռեքվիեմում) կամ ազատ (օրինակ՝ Գիյոմ դե Մաշոյի մոտետներում), գրված սուրբ գրքերի հիման վրա կամ ազդեցության տակ (քրիստոնյաների համար՝ Աստվածաշունչ).

3 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Միջնադարը երաժշտական ​​արվեստի պատմության մեջ, ինչպես նաև մարդկության ողջ գեղարվեստական ​​մշակույթի մեջ, չափազանց բարդ և հակասական փուլ է: Միջնադարի ավելի քան 1000 տարի երաժշտական ​​արվեստի համար նշանակում էր երաժշտական ​​մտածողության երկար և շատ ինտենսիվ էվոլյուցիա՝ մոնոդիայից՝ մոնոֆոնիայից մինչև բազմաձայնության ամենաբարդ ձևերը: Այս շրջանում ձևավորվեցին և կատարելագործվեցին բազմաթիվ երաժշտական ​​գործիքներ, առաջացան երաժշտական ​​ժանրեր՝ խմբերգային մոնոֆոնիայի ամենապարզ ձևերից մինչև բազմաձայն բազմաձայն ժանրեր, որոնք համատեղում են և՛ վոկալ, և՛ գործիքային հնչյունները՝ զանգված, կրքեր։

4 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Հոգևոր երաժշտության զարգացման գործում բացառիկ նշանակություն են ձեռք բերում վանական երգարվեստի և կոմպոզիտորական դպրոցները։ Նրանց խորքերում ձևավորվեց երաժշտության հատուկ, թվային գեղագիտություն, որը մտնում է 7 «ազատական ​​արվեստների» մեջ՝ մաթեմատիկայի, հռետորաբանության, տրամաբանության, երկրաչափության, աստղագիտության և քերականության հետ միասին։ Միջնադարյան գեղագիտության երաժշտությունը, որը հասկացվում է որպես թվային գիտություն, մաթեմատիկայի պրոյեկցիա էր ձայնային նյութի վրա:

5 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Ուղղափառ հոգևոր երգեցողությունը Զնամենի երգեցողությունը պատարագի երգեցողության հին ռուսական մոնոֆոնիկ ավանդույթ է: Զնամեննի երգը ծնվել և ծաղկել է ռուսական հողում, Ռուսական եկեղեցում: Այն առավելագույնս արտացոլում է ռուսական հոգու աղոթքային զգացմունքները, երբ այն կանգնած է Աստծո առջև: Znamenny երգեցողությունը հիմնված է հին բյուզանդական երգարվեստի վրա, որը մենք ընդունեցինք Քրիստոսի հավատքի հետ միասին նույնիսկ սուրբ իշխան Վլադիմիրի օրոք: Բայց «Զնամեննի» երգը պարզապես հունական երգեցողության մեկնաբանություն չէ ռուսական ոճով, այն ինտեգրալ հոգևոր և երաժշտական ​​համակարգ է, Սուրբ Ռուսաստանի տաճարային ստեղծագործության պտուղը, երգ Աստծո ժողովրդի Աստծուն:

6 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Տրոպարիոն հուն. Τροπάριον - Ուղղափառ եկեղեցում - կարճ աղոթքի երգեցողություն, որում բացահայտվում է տոնի էությունը, սուրբ անձը փառաբանվում և օգնության կանչվում: Տրոպարիոն կանոնում - իրմոսին հաջորդող տաղ՝ իր (իրմոս) մեղեդիական-ռիթմիկ մոդելի համաձայն ոտանավորների երգեցողությամբ։

7 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Partes երգեցողությունը (ուշ լատիներեն partes - մասեր [բազմաձայն երաժշտական ​​կոմպոզիցիայի], ձայներ) ռուսական եկեղեցական և համերգային երաժշտության, բազմաձայն երգչախմբային երգեցողություն է, որն օգտագործվում է ռուսների, ուկրաինացիների և բելառուսների շրջանում միութենական և ուղղափառ պաշտամունքում։ Պարտես երգելու ամենակարևոր ժանրը պարտեսի համերգն է։

8 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Stichera հունարեն. στιχηρὰ, հին հունարենից։ στίχος - բանաստեղծական տող, չափածո), ուղղափառ պաշտամունքում՝ ստրոֆիկ ձևի հիմնագրական տեքստ, որը սովորաբար նվիրված է սաղմոսի տողերին (այստեղից էլ՝ անվանումը)։ Ստիչերան պարունակում է օրվա թեման կամ հիշվող իրադարձություն: Ստիչերաների քանակը կախված է ծառայության տոնականությունից: Տողերը չունեն ֆիքսված բանաստեղծական ձև և շատ են տատանվում 8-ից մինչև 12 տող: Ստիխերայի մեղեդին, որպես կանոն, ընդգրկում է մեկ տաղ։

Սլայդ 9

Սլայդի նկարագրություն.

Պատարագը (հունարեն՝ «ծառայություն», «ընդհանուր գործ») քրիստոնեական ամենակարևոր ծառայությունն է պատմական եկեղեցիներում, որի ընթացքում կատարվում է Հաղորդության խորհուրդը։ Արևմտյան ավանդույթում «պատարագ» բառն օգտագործվում է որպես «պաշտամունք» բառի հոմանիշ.

10 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Գիշերային հսկողությունը կամ գիշերային հսկումը ծառայություն է, որը տեղի է ունենում երեկոյան՝ հատկապես հարգված տոների նախօրեին։ Այս ծառայությունը կոչվում է գիշերային հսկողություն, քանի որ հին ժամանակներում այն ​​սկսվում էր ուշ երեկոյան և շարունակվում ամբողջ գիշեր մինչև լուսաբաց: Ինքը՝ Տեր Հիսուս Քրիստոսը, հաճախ գիշերային ժամերը նվիրում էր աղոթքին. «Արթո՛ւն եղեք և աղոթեք», - ասաց Փրկիչը առաքյալներին, «որ գայթակղության մեջ չընկնեք»: Իսկ առաքյալները գիշերը հավաքվեցին աղոթելու։ Հալածանքների ժամանակ քրիստոնյաները նաև գիշերային ժամերգություններ էին անում։ Միևնույն ժամանակ, մինչ օրս Ռուսաստանի եկեղեցիների մեծ մասում գիշերային հսկողությունը մատուցվում է Սուրբ Զատկի և Քրիստոսի Ծննդյան տոներին նախորդող գիշերը. որոշ տոների նախօրեին - Աթոսի վանքերում, Սպասո-Պրեոբրաժենսկի Վալաամ վանքում, ներառյալ Օլեկմինսկի Սպասսկու ուղղափառ տաճարում:

11 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Խորալեր Երբ Հռոմի պապ Գրիգոր I-ը մոնոդին անվանեց «գլխավոր» եկեղեցական երաժշտություն, նա դժվար թե պատկերացնի, թե ինչպիսի կարիերա է սպասվում երգչախմբին, որը ստացել է Գրիգորյան անունը: Գրիգորյան երգեցողություն (լատիներեն cantus Gregorianus; անգլերեն Գրիգորյան երգեցողություն, ֆրանսերեն chant grégorien, գերմաներեն gregorianischer Gesang, իտալերեն canto gregoriano), գրիգորյան երգեր, cantus planus - հռոմեական կաթոլիկ եկեղեցու պատարագային մոնոդիա։

12 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Մասսա (լատիներեն missa) երաժշտական ​​տերմինի իմաստով ամենից հաճախ հասկացվում է որպես եկեղեցական բազմաձայն երաժշտության ժանր, որը հիմնված է կաթոլիկ պատարագի սովորական աղոթքի տեքստերի վրա: Սկզբում նման զանգվածները կազմվում էին կոմպոզիտորների կողմից՝ աստվածային ծառայությունը զարդարելու համար։ Բազմաձայն զանգվածի զարգացման գագաթնակետը եղել է 15-րդ դարի երկրորդ կեսը - 17-րդ դարի սկիզբը։ Նոր ժամանակներում կոմպոզիտորները, որպես կանոն, պատարագը պատկերացնում էին անմիջապես որպես ավարտված համերգային ստեղծագործություն՝ առանց աստվածային ծառայության հետ որևէ կապի։

Սլայդ 13

Սլայդի նկարագրություն.

Փաստորեն, պոլիֆոնիայի առաջին դպրոցը եղել է Փարիզի Աստվածամոր տաճարի երգեցողության դպրոցը (12-րդ դարի կեսերից մինչև 13-րդ դարի կեսերը), որի ամենամեծ վարպետներն էին Լեոնինը և Պերոտինը։ Խոսակցական խոսքի հետագա զարգացումը կապված է Արս նովայի դարաշրջանի ֆրանսիացի երաժիշտների՝ Ֆիլիպ դը Վիտրիի և Գիյոմ դե Մաշոյի անունների հետ։

Սլայդ 14

Սլայդի նկարագրություն.

Աշխարհիկ երգարվեստ Երաժշտության սուրբ (հոգևոր) և աշխարհիկ (աշխարհիկ) ոլորտները հիմնված էին տարբեր կերպարային համակարգերի վրա։ Աշխարհիկ ոլորտի կենտրոնը երկրային մարդու կերպարն էր նրա երկրային կյանքի ողջ բազմազանության մեջ։ Սա առաջին հերթին արտացոլվել է շրջիկ երաժիշտների երգի ու բանաստեղծական արվեստի մեջ։ Աշխարհիկ երաժշտության ստեղծման այս նոր ուղղությունը, որն, այսպես ասած, ֆոլկլորային և սուրբ երաժշտական ​​արվեստի միջև կանգնած է, առաջին անգամ ձևավորվել է Պրովանսում՝ 9-11-րդ դարերում: իսկ հետո տարածվել ամբողջ Եվրոպայում։ Եվրոպական տարբեր երկրներում այս ճամփորդող երաժիշտներին այլ կերպ էին անվանում՝ աշուղներ հարավում, trouvères Ֆրանսիայի հյուսիսում, minnesingers և spielmans՝ Գերմանիայում, hoglars՝ Իսպանիայում: Նրանց ստեղծագործության սկզբունքները, պատկերների ու թեմաների շրջանակը հիմնականում նույնն էին։ Նրանք բոլորը մեկ անձի մեջ եղել են բանաստեղծներ, երգիչներ, ձեռնածուներ, աճպարարներ և բազմաթիվ երաժշտական ​​գործիքների կատարողներ։

15 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Շրջիկ երաժիշտների արվեստը գենետիկորեն կապված էր մի կողմից բանահյուսական ավանդույթի, մյուս կողմից՝ կրթության և ասպետական ​​մշակույթի զարգացման հետ։ 9-րդ դարից սկսած։ ազդեցիկ տերերի որդիները կրթություն են ստացել վանքերում, որտեղ, ի թիվս այլ գիտությունների, նրանց դասավանդում են երգեցողություն և երաժշտության տեսություն։ Այս պարադոքսալ կերպով հոգևոր կյանքի սուրբ ոլորտն իր ներսում ծնեց նոր աշխարհիկ արվեստ։ Ասպետության ավանդույթներին համապատասխան, և որպես արձագանք քրիստոնեական վարդապետության ճգնությանը, երկրային զգայական սերը դառնում է նոր աշխարհիկ երաժշտության երևակայական կենտրոնը: Բայց միևնույն ժամանակ քրիստոնեական բարոյականության կանոններն իրենց հետքն են թողնում երաժշտական ​​արվեստի համար անկասկած նորարարական այս թեմայի մեկնաբանության վրա։ Ճամփորդող երաժիշտները սերն ընկալում էին որպես իդեալիստական, անպատասխան, անհույս, ամբողջովին հիմնված իրենց սրտի տիկնոջ հանդեպ անվերապահ հավատարմության վրա: Թափառաշրջիկ երաժիշտը երբեք չէր սպասում, որ իր սիրո պատասխանը կգտնի այս աշխարհում, միայն մահը կարող էր փրկել նրան սիրո տանջանքներից.

16 սլայդ

Սլայդի նկարագրություն.

Շրջիկ երաժիշտների արվեստը, առաջին հերթին, կենտրոնացած էր անհատականության, անհատականության վրա և արդյունքում ուներ սկզբունքորեն մոնոֆոնիկ բնույթ։ Միաձայնությունը, ի տարբերություն սուրբ երաժշտության հիմնականում խմբերգային բնույթի, պայմանավորված էր նաև բանաստեղծական տեքստի լավագույն վոկալ նրբերանգների ավանդույթով: Թափառող երաժիշտների երգերի մեղեդին չափազանց ճկուն էր ու քմահաճ։ Բայց միևնույն ժամանակ ռիթմը գործնականում կանոնականացվեց, ինչը հստակ բացահայտում է սրբադասված սուրբ երաժշտության ազդեցությունը և որոշվում էր բանաստեղծական մետրով։ Կային ռիթմի ընդամենը 6 տեսակ՝ այսպես կոչված ռիթմիկ եղանակներ, և նրանցից յուրաքանչյուրն ուներ խիստ ֆիքսված փոխաբերական բովանդակություն։

Դասի թեման՝ Աշխարհիկ և հոգևոր երաժշտություն

Դասի տեսակը՝ դաս գիտելիքների ընդլայնման և խորացման վերաբերյալ

Դասի նպատակը՝ բացահայտել աշխարհիկ և հոգևոր երաժշտության էությունը. զարգացնել սեր երաժշտության նկատմամբ; զարգացնել անկախություն և գործունեություն; երաժշտական ​​մշակույթի ձևավորում։

Դասերի ընթացքում.

ORG պահը

Ծածկված նյութի կրկնություն:

Ո՞ր երաժշտական ​​ժանրերի հետ է կապված երաժշտական ​​դրամատուրգիայի հայեցակարգը: (օպերա, բալետ, օպերետա, մյուզիքլ, օրատորիա, երաժշտական ​​ֆիլմ և սիմֆոնիկ երաժշտություն)

Ի՞նչ է նշանակում Զարգացում:

Երաժշտության զարգացման ի՞նչ եղանակներ գիտեք (կրկնություն, փոփոխություն, հաջորդականություն, իմիտացիա):

^ ՆՈՐ ՆՅՈՒԹ ՈՒՍՈՒՑՈՒՄ

Երաժշտական ​​մշակույթը զարգացել է երկու հիմնական ուղղությունների՝ աշխարհիկ և հոգևոր, եկեղեցական փոխազդեցությամբ։ Աշխարհիկ երաժշտությունն իր ակունքներում հենվում էր ժողովրդական երգի և պարի մշակույթի վրա: Սուրբ երաժշտությունը միշտ կապված է եղել պաշտամունքի հետ:

Առաջին պրոֆեսիոնալ երաժիշտները՝ կոմպոզիտորներ, տեսաբաններ, կատարողներ (երգիչներ, գործիքավորողներ) մինչև 18-րդ դարը, որպես կանոն, ծառայում էին որպես խմբավարներ և երգեհոնահարներ միապետների, իշխանների և արքեպիսկոպոսների դատարաններում։ Լսողների լայն շրջանակի հետ նրանք կարող էին շփվել միայն եկեղեցում։

Եկեղեցական երաժշտությունը միշտ անդրադառնում է Սուրբ Գրքի թեմաներին: Քրիստոսի տառապանքի, մահվան և հարության պատկերների դրամատուրգիան հիմք է հանդիսանում սուրբ երաժշտության զարգացման համար: Եկեղեցական ծեսում երաժշտությունն ու խոսքը արվեստի այլ տեսակների հետ միասնաբար որոշում են դրամատիկ գործողության ամբողջականությունը՝ կառուցված տարբեր պատկերների հակադրությունների վրա։ Արևելյան ուղղափառ եկեղեցում սա պատարագ է և գիշերային հսկողություն, հարսանեկան և աղոթքի արարողություն, որի ակունքները գտնվում են Զնամենի երգում: Արևմտյան կաթոլիկ եկեղեցում՝ պատարագ, ռեքվիեմ, կիրք, կանտատներ և այլն։ Դրանք հիմնված են երգեհոնի կամ նվագախմբի ուղեկցությամբ երգչախմբային, բազմաձայն երգեցողության վրա։

Աստվածաշնչյան խոսքը և նրա բեկումը եկեղեցական երգերի մեղեդիներում որոշեցին սուրբ երաժշտության ազդեցության գեղարվեստական ​​և բարոյական բարձր ուժը։ Գերմանացի կոմպոզիտոր Ջ.-Ս.-ի ստեղծագործության մեջ գերակշռում են կրոնական թեմաներն ու եկեղեցական երաժշտության ձևերը. Բախը և ռուս կոմպոզիտոր Մ.Բերեզովսկին։ Բախն ամենից հաճախ երաժշտություն է գրել երգեհոնի և երգչախմբի համար, իսկ Բերեզովսկին գրել է կապելա երգչախմբի համար։ Բազմաձայնության շնորհիվ նրանց յուրաքանչյուր ստեղծագործության հիմնական գաղափարը ստանում է խորը և բազմակողմանի զարգացում: «Kyrie, eleison!» երգչախմբի բովանդակությունը: Ջ.-Ս.-ի «High Mass»-ից: Բախը և Մ. Բերեզովսկու «Մի մերժիր ինձ ծերության ժամանակ» հոգևոր համերգի 1-ին մասը ծավալվում է կատարյալ պոլիֆոնիկ ձևով՝ ֆուգա:

Հիշեք ձեզ ծանոթ սուրբ և աշխարհիկ երաժշտության մեղեդիները:

Լսեք և համեմատեք Բախի և Բերեզովսկու անվանված երգչախմբերը։

Զարգացման ի՞նչ տեխնիկա եք լսում այստեղ: (իմիտացիա)

Ի՞նչ դեր է խաղում իմիտացիայի տեխնիկան երաժշտական ​​պատկերների զարգացման գործում:

↑ Աշխարհիկ երաժշտություն։ 16-րդ դարից Սկսում է զարգանալ կամերային երաժշտությունը (լատիներենից՝ Camera room)։ Այսպիսով, ի տարբերություն եկեղեցու և թատրոնի, նրանք անվանում են գործիքային կամ վոկալ աշխարհիկ երաժշտություն։ 18-րդ դարի կեսերից։ Ակտիվանում է աշխարհիկ համերգային կյանքը՝ զերծ եկեղեցու ազդեցությունից։ Աճում է նվագախմբերի, անսամբլների, մենահամերգների թիվը։ Վիեննացի դասական կոմպոզիտորների՝ Հայդնի, Մոցարտի, Բեթհովենի և այլոց ստեղծագործություններում ձևավորվել են գործիքային անսամբլի դասական տեսակներ՝ սոնատ, տրիո, քառյակ և այլն։

Կատարողների փոքր խմբի համար գրված կամերային երաժշտությունը հնչում էր ազնվական ազնվականների տանը կամ դատարաններում։ Այն կատարողները, ովքեր աշխատում էին պալատական ​​անսամբլներում, կոչվում էին կամերային երաժիշտներ։ Աստիճանաբար կամերային երաժշտությունը սկսեց հնչել ոչ միայն գիտակների ու երաժշտասերների նեղ շրջանակում, այլեւ մեծ համերգասրահներում։

Կան 19-րդ դարի ռոմանտիկ կոմպոզիտորների կամերային վոկալ և գործիքային մանրանկարների բազմազանություն։ Դրանք ներառում են Ֆ. Շուբերտի երգեր, Ֆ. Մենդելսոնի դաշնամուրային առանց խոսքերի, Ն. Պագանինիի քմահաճույքներ, վալսեր, նոկտյուրններ, պրելյուդներ, բալլադներ Ֆ. Շոպենի, ռոմանսներ Մ. Գլինկայի, Պ. Չայկովսկու պիեսներ և շատ ավելին:

Դասի համախմբում և ամփոփում

DZ կրկնել նյութը

Հարկ է նշել, որ ժամանակակից հետազոտողները, հարց տալով արվեստի էությանը որպես այդպիսին, պնդում են, որ արվեստի նույնացումը գեղագիտության հետ «մեզ համար անընդունելի է թվում, քանի որ եթե դա մի կողմից պարզեցնում է խնդիրը, ապա. մյուսը, այն սահմանափակում է գեղագիտական ​​փորձի շրջանակը՝ վերացելով և մեկուսացնելով արվեստի իրականությունը» (Banfi. A. Philosophy of Art. M. Art. 1989. – P. 358): Այնուամենայնիվ, այս արտագեղարվեստական ​​հիմքը, օրինակ, գրող Շիլլերը և փիլիսոփա Սփենսերը տեսան. խաղ . Սպենսերը արվեստի խաղային բնույթը համարել է որպես զվարճություն պայմանավորված է մարդու մարմնի ֆիզիկական ուժը վերականգնելու անհրաժեշտությամբ: Շիլլերի համար արվեստի խաղային բնույթը կարող է կրճատվել մինչև «հեգնական դիալեկտիկա ոգու թուլացման համար», որը սովորական աշխատանքից շեղում է: Այդ իսկ պատճառով, ինչպես գրում է Ա.Բանֆին, «արվեստում՝ որպես արտահայտչամիջոց, մթնոլորտ է հմայքը , անբնականություն , ինչ - որ բան արհեստական , ես գրեթե մի բան կասեի կախարդական , որում, ըստ երեւույթին, միայն գեղեցկությունը պետք է դրսևորվի մեզ համար» (-P.34): Հետաքրքիր եզրակացություն կա նաև, որ այս հեղինակը հանգում է վերլուծված նյութի հիման վրա. «Արվեստի յուրաքանչյուր գործ ինչ-որ առումով կուռքի մի տեսակ է, նույն կուռքը, որը մեղավորներն իրենց ձեռքերով ձևավորում են՝ նրան երկրպագելու համար։ » (-P.35): «Որովհետև յուրաքանչյուր արվեստի գործ այդպիսին է միայն այն ճառագող հոգևոր զգացողության պատճառով, իր պարունակած հայտնության պատճառով, հայտնություն, որը չի կրճատվում աշխարհի որևէ կողմի կամ անձնական արժեքների հետ, այլ արտացոլում է. ներկայությունն աշխարհում և ոգու անհատականությունը, որ այս կերպ նա նշանակեց իր իդեալական կյանքի նոր աղբյուրը (-P.35) Մեկ այլ բան, թե ինչպես է աշխարհիկ մտքի ներկայացուցիչն ու ներկայացուցիչը հասկանում, թե ինչ է «the ոգին ներկա աշխարհում և անհատին», որո՞նք են առաջադրանքները և ո՞րն է արվեստի էությունը։ Պարզվում է, որ նրա համար ոգու ոլորտը գեղարվեստական ​​կյանքի ոլորտն է. «Միայն գեղարվեստական ​​կյանքի ոլորտում է արվեստագետը հանդես գալիս որպես արվեստագետ, այսինքն՝ ստեղծագործող. նրա հրաշագործ հանճարը հենց այս կենսականին մասնակցելու մեջ է կարիքը, խորթ ցանկացած անձնական հակումներին, զերծ հասարակական տրամադրություններից և իդեալականորեն վերացական սխեմատիկայից. իրենց կոնկրետ խնդիրները լուծելու ցավոտ հետապնդման մեջ» (-P.37): Ահա թե ինչու արվեստն իր աղբյուրն ունի կյանքն ու «սնվում է դրանով»։ «Արվեստը, բացի իր կյանքից, այլ նորմեր, այլ ավանդույթներ չգիտի. չգիտի այլ խնդիրներ, այլ լուծումներ, բացառությամբ նրանց, որոնք կյանքն ինքն է առաջ քաշում գեղարվեստական ​​իրականությանը իր շարունակական զարգացման մեջ» (- P.38):

Այսպիսով, աշխարհիկ վարպետը կամ արվեստի աշխարհիկ վերլուծաբանը, չժխտելով արվեստում ոգեղենության և հոգևոր վեկտորի առկայությունը, այն տեսնում է որպես այդպիսին կյանքի ինքնաբուխ, շարունակական զարգացման մեջ, որն առաջնորդում, սնուցում և ոգեշնչում է ինքն իրեն։ Հետեւաբար, միայն ուսումնասիրելով այս կյանքի զարգացման օրենքներն ու միտումները՝ աշխարհիկ մտքի տեսանկյունից այն կարելի է հասկանալ, արտացոլել, արտահայտել։ Որքան ավելի խորը արվեստագետն ու մտածողը կարողանա թափանցել տիեզերքի, որպես այդպիսին կյանքի գաղտնիքները, այնքան ավելի վառ կերպով կկարողանա արտահայտել և արտացոլել այն: Սա ընդգծում է կարևորությունը տիրապետում է վիզուալիզացիայի մեթոդներին և մեթոդներին , ինչպես նաև անձնական որակների զարգացումը և ստեղծագործողի սեփական ջանքերը: Կյանքը բազմակողմ է ու հարուստ, և բոլորն այն տեսնում են պրիզմայով սեփական ճաշակ, տրամադրություն . Ահա թե ինչու, արդեն Վերածննդի դարաշրջանից (Վերածնունդ) այնքան նշանակալից և կարևոր էր հեղինակային ոճի ձևավորումը, յուրահատուկ ձեռագիր, որը կմատնանշեր վարպետի և նրա ստեղծագործության յուրահատկությունը: Այսպիսով, նորմա է դառնում վարպետի կողմից ձեր ստեղծագործությունը ստորագրելը կամ սիմվոլների օգնությամբ նշել, թե ով է դրա հեղինակը։ Այսպիսով, մեջ Աշխարհիկ արվեստում արտաքին արտահայտչական ձևը ստորադասվում է այն հայտնությանը, որը բացահայտվել է վարպետին և բացահայտվել աշխարհին նրա զգացմունքների ու ապրումների պրիզմայով։ Սակայն այս հոգեվիճակի բնական հետևանքն է ժամանակակից արվեստի հետևյալ հայտնի միտումը՝ որքան տեսակետներ ու տրամադրություններ կան, այնքան ոճեր, մոտեցումներ, արտահայտման ձևեր։ Հետեւաբար աշխարհիկ արվեստն առաջարկում է ձևերի բազմազանություն , ոճեր և չի կարող իրեն պատկերացնել այս բազմազանությունից դուրս: Ունայնություն.

Նյութեր դասի 7-րդ դասարան 3-րդ եռամսյակ

Երաժշտական ​​դրամատուրգիա՝ երաժշտության զարգացում։

Երաժշտական ​​դրամատուրգիա- երաժշտական ​​պատկերների արտացոլումը հակասական սկզբունքների (հակասությունների) շարժման, զարգացման, միահյուսման և պայքարի մեջ:

Երաժշտության զարգացման ուղիները.

1. Կրկնություն, կրկնություններ - եռակողմ ձև ( ԱՎԱ), ռոնդո ձև (ԱՎԱՍԱԴԱ), երկտող ձև։

2. Տարբերակ -վարիացիոն ձև, սոնատի ձև (մշակում, կրկնապատկում):

Վարիացիաների տեսակները՝ հաջորդականություն, իմիտացիա.

Հաջորդականություն (լատիներեն հաջորդականությունից)– շարժելով մոտիվը, կրկնելով հնչյունների հաջորդականությունը տարբեր բարձրությունների վրա, բարձրացող կամ իջնող ուղղությամբ:

Իմիտացիա (լատիներեն imitation-ից) – թեմայի կամ մոտիվների կրկնություն երաժշտական ​​ստեղծագործության այլ ձայնով (պոլիֆոնիկ ներկայացում՝ քանոն կամ ֆուգա):

Երաժշտական ​​մշակույթի երկու ուղղություն .

Երաժշտական ​​մշակույթը զարգացել է երկու հիմնական ուղղությունների՝ աշխարհիկ և հոգևոր (եկեղեցական) փոխազդեցությամբ։

Աշխարհիկ երաժշտությունն իր ակունքներում հենվում էր ժողովրդական երգի և պարի մշակույթի վրա:

Սուրբ երաժշտությունը միշտ կապված է եղել պաշտամունքի հետ:

Հոգևոր երաժշտություն.

TOՀոգևոր երաժշտության ոլորտը հիմնականում ներառում է վոկալ կամ վոկալ-գործիքային ստեղծագործություններ՝ հիմնված կրոնական բնույթի տեքստերի վրա, որոնք կատարվում են եկեղեցական արարողությունների ժամանակ։

Եկեղեցական երաժշտությունը միշտ անդրադառնում է Սուրբ Գրքի թեմաներին: Քրիստոսի տառապանքի, մահվան և հարության պատկերների դրամատուրգիան հիմք է հանդիսանում սուրբ երաժշտության զարգացման համար: Եկեղեցական ծիսակարգում երաժշտությունն ու խոսքը, արվեստի այլ տեսակների հետ միասնաբար, որոշում են դրամատիկական գործողության ամբողջականությունը՝ կառուցված տարբեր պատկերների հակադրությունների վրա։ Արևելքում Ուղղափառ եկեղեցիՍա պատարագ եւ գիշերային հսկում, պսակադրության եւ աղոթքի արարողություն, որի ակունքներն են znamenny երգել . Արևմտյան մասում կաթոլիկ եկեղեցի- զանգված, ռեքվիեմ, կրքեր, կանտատներև այլն: Դրանք հիմնված են. երգչախմբային, բազմաձայն երգեցողություն երգեհոնի կամ նվագախմբի ուղեկցությամբ։

Գերմանացի կոմպոզիտոր Ջ.-Ս.-ի ստեղծագործության մեջ գերակշռում են կրոնական թեմաներն ու եկեղեցական երաժշտության ձևերը. Բախը և ռուս կոմպոզիտոր Մ.Բերեզովսկին։ Բախն ամենից հաճախ երաժշտություն է գրել երգեհոնի և երգչախմբի համար, Ա Բերեզովսկի - երգչախմբի համար a capellaԲազմաձայնության շնորհիվ նրանց յուրաքանչյուր ստեղծագործության հիմնական գաղափարը խորը և բազմակողմանի զարգացում է ստանում։ «Kyrie, eleison» երգչախմբի բովանդակությունը: Ջ.-Ս.-ի «Բարձր զանգված»-ից։ Բախը և Մ. Բերեզովսկու «Մի մերժիր ինձ իմ ծերության ժամանակ» հոգևոր համերգի 1-ին մասը ծավալվում է կատարյալ պոլիֆոնիկ ձևով. ֆուգա.

Աշխարհիկ երաժշտություն.

Աշխարհիկ երաժշտությունը եկեղեցու ազդեցությունից զերծ երաժշտություն է։

16-րդ դարից սկսում է զարգանալ կամերային երաժշտություն(լատիներեն տեսախցիկից՝ սենյակ)։ Այսպիսով, ի տարբերություն եկեղեցու և թատրոնի, նրանք անվանում են գործիքային կամ վոկալ երաժշտություն։ 18-րդ դարի կեսերից։ Ակտիվանում է աշխարհիկ համերգային կյանքը՝ զերծ եկեղեցու ազդեցությունից։ Աճում է նվագախմբերի, անսամբլների, մենահամերգների թիվը։ Վիեննացի դասական կոմպոզիտորների՝ Հայդնի, Մոցարտի, Բեթհովենի և այլոց ստեղծագործություններում ձևավորվել են գործիքային անսամբլի դասական տեսակներ. սոնատ, եռյակ, քառյակ և այլն։

Կատարողների փոքր խմբի համար գրված կամերային երաժշտությունը հնչում էր ազնվական ազնվականների տանը կամ դատարաններում։ Այն կատարողները, ովքեր աշխատում էին պալատական ​​անսամբլներում, կոչվում էին կամերային երաժիշտներ։ Աստիճանաբար կամերային երաժշտությունը սկսեց հնչել ոչ միայն գիտակների ու երաժշտասերների նեղ շրջանակում, այլեւ մեծ համերգասրահներում։

Կան 19-րդ դարի ռոմանտիկ կոմպոզիտորների կամերային վոկալ և գործիքային մանրանկարների բազմազանություն։ Դրանց թվում են Ֆ. Շուբերտի երգերը, Ֆ. Մենդելսոնի դաշնամուրային առանց խոսքերի, Ն. Պագանինիի քմահաճույքները, վալսերը, նոկտյուրնները, պրելյուդները, Ֆ. Շոպենի բալլադները, Մ. Ի. Գլինկայի ռոմանսները, Պ. Ի. Չայկովսկու պիեսները և շատ ավելին:

Կամերային գործիքային երաժշտություն

Էտյուդ

Էտյուդ (ֆրանսերեն ուսումնասիրությունից, վարժությունից) - Սա մի ստեղծագործություն է, որը նախատեսված է կատարելագործելու գործիք նվագելու տեխնիկան: Այս հասկացությունը հանդիպում է նաև գեղանկարչության մեջ՝ էտյուդը էսքիզ է, ապագա նկարի էսքիզ։

19-րդ դարում վիրտուոզ կատարողականության ծաղկման և երաժշտական ​​գործիքների կատարելագործման հետ մեկտեղ ձևավորվեց նոր ժանր. համերգային էտյուդներ. Նրանց տեխնիկական դժվարությունները ստորադասվում են կոմպոզիտորի գեղարվեստական ​​մտադրության բացահայտմանը։

Իսկ այժմ սիրված են ռոմանտիկ կոմպոզիտորների էսքիզները, որոնց արվեստը թափանցում է մարդու սրտի բոլոր անկյունները։

Ռոմանտիզմի նշանավոր ներկայացուցիչներն են լեհ կոմպոզիտոր Ֆրեդերիկ Շոպենը (1810-1849) և հունգարացի կոմպոզիտոր Ֆրանց Լիստը (1811-1886): Երկուսն էլ գերազանց դաշնակահարներ էին։ Շոպենը արժանացել է ունկնդիրների ճանաչմանը աշխարհիկ սրահներում, իսկ Լիստը՝ մեծ համերգասրահներում։

Շոպենի էտյուդներում կա ռոմանտիկ երազ զգացմունքների մասին, որոնք բարձրացնում են մարդուն. դրանք սիրո մասին մտքեր են, և բնության մասին խորհրդածություն և հեղափոխական պաթոս:

Լիստը ձգտում էր դաշնամուրի ձայնը մոտեցնել նվագախմբի ձայնին։ Նրա էսքիզները պարունակում են թաքնված ծրագրավորման, ֆիգուրատիվ և գեղարվեստական ​​նկարչական ոճի սկզբունքներ։ Լիստի ժամանակ կար կարծիք, որ շատ էտյուդներ անհնար է կատարել իրենց անհավանական տեխնիկական դժվարության պատճառով։

Տառադարձում

Տառադարձում տերմինը (լատիներեն վերագրումից) նշանակում է երաժշտական ​​ստեղծագործությունների մշակում, մշակում։ Տառադարձումները ի հայտ են եկել 16-17-րդ դարերում։ որպես երաժշտական ​​տեքստերի դասավորում՝ այլ գործիքների վրա կատարելու համար։ 19-րդ դարում արտագրությունները դարձել են անկախ գեղարվեստական ​​նշանակություն ունեցող համերգային վիրտուոզ ժանրերից մեկը:

19-րդ դարի ռուս կոմպոզիտորի արտագրություններից մեկից. Դուք արդեն գիտեք Մ.Բալակիրևին։ Սա դաշնամուրային ստեղծագործություն է, որը գրված է Գլինկայի «Արտույտ» հայտնի սիրավեպի թեմայով

Ֆ. Լիստի դաշնամուրի տառադարձումները լայն տարածում են գտել։ Նրա՝ որպես վիրտուոզ դաշնակահարի վարպետությունը բարձր են գնահատել իր ժամանակակիցները: «Երբ Լիստը նվագում է,- ասում է գերմանացի գրող Գ. Հայնեն,- դու այլևս չես մտածում հաղթահարվող դժվարությունների մասին, դաշնամուրն անհետանում է, իսկ երաժշտությունը բացահայտվում է մեզ համար»: Նա դաշնամուրի համար արտագրել է Լ. Բեթհովենի ինը սիմֆոնիաներ։ Լիստը գրել է. «Եթե ես կատարեմ իմ խնդիրը՝ դրանք հասանելի դարձնելու հմուտ փորագրողի կամ խելացի թարգմանչի մակարդակով, ապա իմ նպատակը կկատարվի»։ Լիստի ուսումնասիրությունները Պագանինիի քմահաճույքների մասին չափազանց տարածված էին։ Հենց Լիստն է գրավել Ռախմանինովի և Լուտոսլավսկու ուշադրությունը Պագանինիի No 4-ի քմահաճույքի վրա։

Լիստը կուռք է դարձնում ավստրիացի կոմպոզիտոր Շուբերտի երաժշտությունը՝ դրանում տեսնելով քնարական պոեզիայի ամենաբարձր արտահայտությունը հնչյուններում։ Լիստի դաշնամուրային արտագրություններից են Շուբերտի այնպիսի հայտնի գործեր, ինչպիսիք են «Անտառի արքան», «Սերենադը», «Իշխանը», «Ավե Մարիա» և այլն։

Իտալացի նշանավոր դաշնակահար և ուսուցիչ Ֆերուչիո Բուսոնին (1866-1924) շարունակեց արտագրություններ ստեղծելու ավանդույթը՝ զգալի ազդեցություն ունենալով Եվրոպայում դաշնակային արվեստի զարգացման վրա։ Իր արտագրություններում նա, ինչպես Լիստը, դիմել է բազմաթիվ կոմպոզիտորների ստեղծագործություններին։

Բուսոնիի կատարումը համեմատվում էր կա՛մ գեղանկարչության, կա՛մ մեծ տաճարների հետ: Լսելով նրան՝ նրանք խոսում էին «գունավոր կտավների», «որմնանկարների», «ձայնային քանդակների» մասին՝ նրա «մարմարի պես քանդակված խաղի» մեջ։ Բուսոնիի կատարման մեջ ամեն ինչ փայլուն իմպրովիզացիայի տպավորություն էր թողնում, և սա նրա գլխավոր ուժն էր:

Գործիքային երաժշտության ցիկլային ձևեր

Ա.Շնիտկեի «Կոնցերտ գրոսո».

Սյուիտներ, գործիքային կոնցերտներ, սոնատներ, սիմֆոնիաներ վերաբերում են երաժշտության ցիկլային ձևերին: Այս ձևերին դիմեցին և՛ անցյալի, և՛ մեր ժամանակակից կոմպոզիտորները։

Ռուս ականավոր կոմպոզիտոր Ա.Շնիտկեի երաժշտությունը ժամանակակից մի մարդու խոստովանությունն է, ով կլանել է մի քանի դարերի փորձը՝ 17-ից 20-րդ դարեր։ Անցյալի և ներկայի ազատ համադրությունը նրա երաժշտության առանձնահատկությունն է։ Երաժշտական ​​մեջբերումների ներգրավում: Ա.Շնիտկեին բնորոշ է բազմաոճությունը (ոճական տարբեր երեւույթների միտումնավոր համադրումը մեկ ստեղծագործության մեջ)։ Դրա շնորհիվ այս կոմպոզիտորի երաժշտությանը դիմելը ընդլայնում է մեր պատկերացումները աշխարհի և մարդկային մշակույթի միասնության մասին:

Երկու ջութակների, կլավեսինի և կամերային նվագախմբի համար Ա.Շնիտկեի համերգը կրում է հնագույն «Concerto grosso» անվանումը (իտալերենից թարգմանաբար՝ մեծ համերգ)։ Այս համերգում մենակատարների և նվագախմբի հարաբերությունները նույնն են, ինչ Բախի և Վիվալդիի հնագույն գործիքային կոնցերտներում։ Մենակատարների մասերը ոչ թե գերակշռում են նվագախմբի վրա, այլ ստորադասվում են ինչ-որ բարձր կարգի, նվագախմբի հետ ավելի բարձր հարաբերությունների։

Կոմպոզիտորն իր համերգը նվիրել է իր ընկերներին և այս երաժշտության առաջին կատարողներին՝ ջութակահարներ Գիդոն Կրեմերին և Տատյանա Գրինդենկոյին։ «Համերգը ստեղծելիս ես ոչ միայն լսեցի նրանց, այլ նաև տեսա, թե ինչպես են նրանք նվագում... Նրանց բեմական պահվածքը գեղագիտական ​​հաճույք է պատճառում ունկնդրին և հանդիսատեսին»:

Կոմպոզիտորը 5-րդ շարժման կամային, նպատակասլաց հիմնական թեման հակադրում է մեկ այլ աշխարհի թեմային՝ չար, թշնամական։ Ջութակի մաքուր տեմբրի ձայնը խեղաթյուրող «ուռերը» ունկնդիրների կողմից ընկալվում են որպես հիմնական թեմայի գործունեությանը հակադրվող ուժերի ներխուժում։

«Սյուիտ հին ոճով» Ա.Շնիտկե.

Սյուիտ (ֆրանսերեն շարքից, հաջորդականությամբ) գոյություն ունի 16-րդ դարից։ և վերաբերում է գործիքային երաժշտության բազմամաս ցիկլային ձևերին, ինչպես սոնատն ու սիմֆոնիան, որոնք առաջացել են ավելի ուշ։ Սյուիտը կարելի է համեմատել պատմվածքների հավաքածուի հետ, ի տարբերություն սիմֆոնիայի՝ ավելի դինամիկ, ինտեգրալ, նման վեպի: Սյուիտը բաղկացած է մի քանի անկախ մասերից՝ պարերից, որոնք սովորաբար հակադրվում են միմյանց և միավորվում են ընդհանուր գեղարվեստական ​​հայեցակարգով։

18-րդ դարի 1-ին կեսին, երբ կլավերական արվեստը հասավ իր գագաթնակետին, սյուիտները վերածվեցին երաժշտության՝ լսելու համար։ Դրանցից սկսեցին նախորդել պրելյուդները և ներառել գործիքային արիաներ։ Հայտնվեցին սյուիտներ՝ բաղկացած ծրագրային նկարազարդումներից։

18-րդ դարի 2-րդ կեսին՝ Հայդնի, Մոցարտի, Բեթհովենի ժամանակներում, սյուիտն արդեն ընկալվում էր որպես հնաոճ մի բան։ Թեև վիեննական դասականների թեթև, զվարճալի նվագախմբային ստեղծագործությունները (դիվերտիմենտներ, սերենադներ) գրված են սյուիտների տեսքով, օրինակ՝ ծանոթ «Ռոնդոն» Վ. Ա. Մոցարտի «Մի փոքրիկ գիշերային սերենադից»:

19-րդ դարում նորաձևությունը սյուիտի համար վերածնվեց: 19-րդ դարի ռուս կոմպոզիտորներ. կազմել է նաև սյուիտներ։ Ձեզ ծանոթ են Մ. Մուսորգսկու «Պատկերներ ցուցահանդեսում» դաշնամուրային սյուիտից, Ն.Ա. Ռիմսկի-Կորսակով, Չայկովսկու «Մոցարտյանա» նվագախմբի համար. Նա առաջինն էր, ով ստեղծեց բալետային երաժշտության սյուիտներ։ Նրանք սկսեցին հնչել թատրոնից անկախ՝ որպես ինքնուրույն սիմֆոնիկ ստեղծագործություններ։ 20-րդ դարում առաջացել են ֆիլմերից սյուիտներ։

- G.P.Sergeeva-E.D.Kritskaya «Երաժշտություն» 7-րդ դասարան;